Como ilustrar um livro infantil
Dispõe de saber como criar o seu próprio livro infantil? A ilustradora Jane Massey mostra como ela nos fala através dos vários estágios de uma comissão
Quando fui abordada pela Random House para ilustrar a história de Jane Clarke’s Knight Time, foi o desafio de representar os dois personagens principais, Cavaleiro Pequeno e Dragão Pequeno, que realmente apelou.
A inspiração para os personagens veio até mim muito rapidamente. O Cavaleiro Pequeno foi livremente baseado no meu próprio filho. Por alguma razão, sempre fui atraído a ilustrar crianças muito antes de ter o meu próprio filho, mas agora é mais fácil ter referências para entregar todos os dias.
Quando ilustro personagens animais ainda penso neles como crianças pequenas quando penso nas suas expressões e acções. Eu estava um pouco mais assustado inicialmente com as cenas noturnas do bosque, pois não tinha abordado nada assim antes.
Pensei imediatamente numa leitura de infância favorita: Walt Disney’s Giant Story Book. Quando criança, eu sempre tinha ficado intrigada mas também muito assustada com as árvores da história ‘Babes in Toyland’. Eu adorava a forma como os ramos eram braços e os cabelos das folhas.
Para o Knight Time, eu tinha que encontrar um equilíbrio cuidadoso, pois ele seria dirigido a um público jovem e assim eu deliberadamente fiz os personagens e cenário não muito assustador. www.janemassey.co.uk
1 Ideias de personagens de esboço
O projecto começou quando os Livros Infantis da Random House se aproximaram de mim com o texto de Jane Clarke’s Knight Time e perguntaram se eu gostaria de trabalhar em alguns esboços de personagens para os dois personagens principais, Pequeno Cavaleiro e Pequeno Dragão. Acho mais fácil ao desenvolver novos personagens pensar neles numa situação, por isso comecei por esboçar uma secção do texto que apresentava o Dragãozinho. Eu também tive um olhar inicial sobre o personagem Cavaleiro Pequeno, desenhando-o em um cenário de floresta e produzindo alguns pequenos esboços coloridos.
2 Preparar uma amostra de cor
Knight Time foi o meu primeiro livro de imagens para a Random House e foi muito diferente no assunto a qualquer coisa que eu tinha ilustrado antes, então eles me pediram para fazer uma amostra de cor antes de confirmar a comissão. Isto é bastante comum para os novos ilustradores. Eu não estava feliz com a minha primeira tentativa de pintar a cena do bosque – as cores eram muito lamacentas e eu senti que estava sobrecarregado de trabalho. Fiz uma segunda amostra, que me pareceu muito mais bem sucedida, e uma vez que a Random House aprovou isso, eles ficaram felizes em progredir.
3 Entendendo o resumo
Para além de me fornecer a história, uma editora frequentemente produz um resumo escrito, sugerindo o que eles e o autor acham que deve acontecer em cada difusão. Alguns textos são auto-explicativos, mas muitas vezes é bastante difícil entender a história apenas pela leitura do texto, porque as ilustrações também ajudam a contar a história. A editora decidirá qual texto vai em qual página e sugerirá se um spread deve ser um “full bleed” (uma única imagem correndo para a borda da página), duas imagens separadas, ou uma série de vinhetas menores.
Nesta etapa, a editora também fornece guias de cutter em tamanho real com o texto disposto em posição – eles me ajudam a ver quanto espaço eu tenho em cada página. O resumo é apenas para orientação e ainda está aberto para alterações; o texto pode ser rejeitado dentro da página para caber na minha ilustração.
4 Fazer esboços em miniatura
Muitos ilustradores gostam de começar por produzir pequenos esboços para ajudá-los a decidir sobre o layout geral e o fluxo do livro, mas eu normalmente começo com esboços em A4 que serão cerca de metade do tamanho do trabalho de arte final. Sinto que este é um tamanho manejável, pois posso incluir detalhes suficientes sem que esta etapa seja muito demorada. Vou continuar a trabalhar no A4 até aos traços finais, para que possa facilmente digitalizar e enviar por e-mail os meus esboços.
5 Refine os seus caracteres
Produzo todos os meus esboços em papel de desenho. Gosto do fato de poder traçar os desenhos repetidamente, ajustando-os a cada vez. Isso também significa que eu posso virar o esboço e vê-lo ao contrário – isso me ajuda a detectar quaisquer erros maiores em uma pose. Posso também digitalizar o esboço e virá-lo no computador para vê-lo novamente.
Com cada etapa dos esboços, eu refino os personagens à medida que eles se tornam mais familiares para mim. Eu tendo a não usar referências diretas porque acho que se eu estudar uma foto para uma certa pose, a minha ilustração se torna muito madeira. Só se eu ficar realmente preso (por exemplo, com a forma como uma mão deve segurar um objeto) é que vou conseguir alguém para posar para mim.
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6 Considere o seu público
O primeiro esboço rudimentar é o mais tributário, pois há tantas coisas a considerar: a composição, o cenário e a localização, a pose e a expressão dos personagens, os adereços, etc. Eu gosto de começar pensando no ambiente dos personagens, e também se existem outros personagens menores – neste caso, todas as criaturas da floresta.
Considere o seu público, também. Com os detalhes, eu tento encontrar um equilíbrio entre eles sendo autêntico para o período, mas também relevante e familiar para as crianças de hoje. Por exemplo, com o Knight Time, eu tive que produzir imagens que apresentavam personagens e configurações cativantes, mas não muito assustadoras.
7 Discutir feedback
Após estar satisfeito com os primeiros roughs, eu os envio por e-mail para o cliente. Eles então os colocam no guia do cortador e adicionam o texto. É nesta fase que a editora mostra o visual ao autor. A editora e o autor então concordam com as mudanças que acham necessárias e me enviam um resumo para a segunda etapa de esboços.
Este resumo tem layouts em miniatura com meu esboço e o tipo no lugar, junto com apontadores curtos e escritos. As alterações podem incluir mover ou remover detalhes para criar mais espaço para o texto, ou o autor pode querer que eu adicione detalhes adicionais. A editora nesta fase pode também decidir que um determinado layout realmente não está funcionando e nós discutiremos alternativas. Eu então passo por todo o feedback deles e faço qualquer uma das minhas próprias sugestões.
8 Verificar a continuidade
Com as alterações resolvidas, eu então redesenho todos os layouts. Este é um bom momento para refazer os caracteres e verificar a continuidade. A continuidade é provavelmente um dos maiores desafios ao ilustrar um livro ilustrado. Um dos aspectos mais complicados é garantir que as características ou proporções de um personagem permaneçam as mesmas de qualquer ângulo.
Quando eu ilustrei a Múmia de Judy Hindley Did You Miss Me? a história toda aconteceu em um jardim, então eu tive que desenhar um plano para descobrir como o personagem navegaria no jardim de tal forma que os detalhes de fundo fossem precisos de qualquer ângulo. Você pode descobrir que você consegue uma composição trabalhando com o texto em um spread, mas então um certo detalhe não vai funcionar no próximo spread – é muito parecido com um quebra-cabeça.
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9 Prepare os traços finais
Quando eu estiver satisfeito com este novo conjunto de revisões de arte, eu os enviarei por e-mail para o cliente e eles os posicionarão com o texto. Normalmente há apenas uma mão cheia de comentários nesta fase e, desde que não haja grandes alterações, fotocopio todos os meus esboços no tamanho necessário para o livro final e procedo com os traços finais. Desenho estes traços finais em papel de desenho. Começo por marcar uma linha chave que corresponde ao tamanho do cortador (onde o livro será cortado na fase de impressão) e depois uma segunda linha chave cerca de 10mm fora desta, que é chamada de “sangramento” e permite erros no corte. Eu faço cópias em tamanho real dos meus traços e envio-as para o cliente para aprovação. Nesta fase, eles podem ir ao autor mais uma vez.
10 Build up colour
Após os traços serem aprovados, estou pronto para começar o trabalho de arte final. Trabalho em papel aquarelado que estico sobre tábuas. Depois transfiro os meus traços para o papel usando um produto chamado Tracedown, que é semelhante ao papel carbono. Eu pressiono deliberadamente com bastante leveza para que as linhas não sejam muito fortes. Muitas vezes começo com uma pequena arte de vinheta só para me colocar no fluxo – pode ser um pouco assustador começar com uma cena grande. Eu gosto de construir a arte em aquarela e depois fortalecer as linhas no final com um lápis de cor.
11 Deixe-se levar pelo tempo
Produzir a arte final pode ser um processo demorado. Um spread detalhado de página dupla para Knight Time levou em média dois dias inteiros para ser concluído; o mais longo que passei trabalhando em uma ilustração de livro foi a cena do bosque gatefold em Knight Time, que me levou quase uma semana para pintar.
Se estou trabalhando em um livro menor (por exemplo, um livro de tabuleiro), eu envio as digitalizações da obra de arte por e-mail para o cliente para aprovação à medida que vou avançando, mas isso não é tão fácil com um livro grande de ilustrações. Se eu estiver me sentindo inseguro sobre uma determinada obra de arte, eu posso enviá-la para o cliente também. No total, levo várias semanas para completar toda a obra de arte de um único livro.
12 Adicionar toques finais
Se o cliente estiver satisfeito com a obra de arte, ele irá enviá-la para ser digitalizada e poderá então fazer maquetes para fins de vendas. Antes do livro ir para a impressão, ser-me-ão enviadas as provas finais de cor para os meus comentários, mas normalmente não preciso de alterar nada nesta fase. Receberei então uma cópia do livro final; isto acontece frequentemente vários meses antes de ele aparecer nas lojas, por isso tenho de o manter em segredo para evitar estragar a surpresa!
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