Cómo ilustrar un libro infantil
¿Alguna vez has querido saber cómo crear tu propio libro infantil? La ilustradora Jane Massey te muestra cómo hacerlo mientras nos habla de las distintas etapas de un encargo
Cuando Random House me propuso ilustrar la historia Knight Time de la autora Jane Clarke, lo que realmente me atrajo fue el reto de representar a los dos personajes principales, el Pequeño Caballero y el Pequeño Dragón.
La inspiración para los personajes me llegó bastante rápido. El pequeño caballero se basó en mi propio hijo. Por alguna razón, siempre me ha atraído ilustrar a los niños mucho antes de tener los míos, pero es más fácil ahora que tengo referencias a mano todos los días.
Cuando ilustro personajes animales sigo pensando en ellos como niños pequeños cuando pienso en sus expresiones y acciones. Al principio, las escenas nocturnas del bosque me intimidaban un poco más, ya que no había abordado nada parecido antes.
Inmediatamente pensé en una de mis lecturas favoritas de la infancia: El libro de cuentos gigantes de Walt Disney. De niño, siempre me habían intrigado, pero también asustado, los árboles del cuento «Babes in Toyland». Me encantaba la forma en que las ramas eran brazos y el pelo de las hojas.
Para La hora del caballero, tuve que encontrar un cuidadoso equilibrio, ya que iba a estar dirigido a un público joven, por lo que deliberadamente hice que los personajes y el escenario no fueran demasiado espeluznantes. www.janemassey.co.uk
1 Esbozo de ideas para los personajes
El proyecto comenzó cuando Random House Children’s Books se puso en contacto conmigo con el texto de Jane Clarke La hora del caballero y me preguntó si me gustaría trabajar en algunos bocetos de personajes para los dos protagonistas, el pequeño caballero y el pequeño dragón. Lo que más fácil me resulta a la hora de desarrollar nuevos personajes es pensar en ellos en una situación, así que empecé por esbozar una sección del texto en la que aparecía el Pequeño Dragón. También eché un primer vistazo al personaje del Pequeño Caballero, dibujándolo en un entorno boscoso y realizando algunos pequeños bocetos en color.
2 Preparar una muestra en color
Knight Time era mi primer libro ilustrado para Random House y su temática era muy diferente a todo lo que había ilustrado antes, por lo que me pidieron que hiciera una muestra en color antes de confirmar el encargo. Esto es bastante común para los nuevos ilustradores. No quedé satisfecho con mi primer intento de pintar la escena del bosque: los colores eran demasiado confusos y me pareció que estaba demasiado recargado. Hice una segunda muestra, que me pareció mucho más acertada, y una vez que Random House la aprobó, no tuvo inconveniente en seguir adelante.
3 Entender el briefing
Además de proporcionarme la historia, un editor suele elaborar un briefing por escrito, sugiriendo lo que ellos y el autor creen que debería ocurrir en cada pliego. Algunos textos se explican por sí mismos, pero a menudo es bastante difícil entender la historia sólo leyendo el texto, porque las ilustraciones también ayudan a contar la historia. El editor decidirá qué texto va en cada página y sugerirá si un pliego debe ser un «sangrado completo» (una sola imagen que llega hasta el borde de la página), dos imágenes separadas o una serie de viñetas más pequeñas.
En esta fase, el editor también proporciona guías de corte a tamaño completo con el texto colocado en su posición: me ayudan a ver cuánto espacio tengo en cada página. La guía es sólo orientativa y está abierta a cambios; el texto puede modificarse dentro de la página para adaptarlo a mi ilustración.
4 Hacer bocetos en miniatura
A muchos ilustradores les gusta empezar haciendo pequeñas miniaturas para ayudarles a decidir el diseño general y la fluidez del libro, pero yo suelo empezar con bocetos en A4 que serán aproximadamente la mitad del tamaño de la obra final. Creo que es un tamaño manejable, ya que puedo incluir suficientes detalles sin que esta fase me lleve demasiado tiempo. Sigo trabajando en A4 hasta los trazos finales, para poder escanear y enviar por correo electrónico mis bocetos con facilidad.
5 Afina tus personajes
Produzco todos mis bocetos en papel de maquetación. Me gusta el hecho de poder calcar los dibujos una y otra vez, ajustándolos cada vez. También me permite dar la vuelta al boceto y verlo al revés, lo que me ayuda a detectar cualquier error importante en una pose. También puedo escanear el boceto y darle la vuelta en el ordenador para verlo de nuevo.
En cada fase de los bocetos, refino los personajes a medida que me resultan más familiares. No suelo utilizar referencias directas, porque me parece que si estudio una foto para una determinada pose, mi ilustración se vuelve demasiado rígida. Sólo si me siento realmente atascado (por ejemplo, con la forma en que una mano debe sostener un objeto) consigo que alguien pose para mí.
6 Considera a tu público
El primer boceto es el más agotador, ya que hay muchas cosas que considerar: la composición, el escenario y la ubicación, la pose y la expresión de los personajes, el atrezzo, etc. Me gusta empezar pensando en el entorno de los personajes y también en si hay otros personajes menores, en este caso, todas las criaturas del bosque.
También hay que tener en cuenta al público. Con los detalles, intento encontrar un equilibrio entre que sean auténticos para la época pero también relevantes y familiares para los niños de hoy. Por ejemplo, en el caso de Knight Time, tuve que producir imágenes con personajes entrañables y escenarios espeluznantes, pero no demasiado terroríficos.
7 Discutir los comentarios
Una vez que estoy satisfecho con los primeros bocetos, los envío por correo electrónico al cliente. Ellos los colocan en la guía de corte y añaden el texto. Es en esta fase cuando el editor muestra las imágenes al autor. El editor y el autor se ponen de acuerdo sobre los cambios que consideran necesarios y me envían por correo electrónico un informe para la segunda fase de bocetos.
Este informe contiene diseños en miniatura con mi boceto y la tipografía en su lugar, junto con breves indicaciones escritas. Los cambios pueden incluir el desplazamiento o la eliminación de detalles para dejar más espacio al texto, o el autor puede querer que añada detalles adicionales. En esta fase, el editor también puede decidir que una determinada maqueta no funciona, por lo que discutiremos alternativas. A continuación, reviso todos sus comentarios y hago mis propias sugerencias.
8 Comprobar la continuidad
Con los cambios acordados, vuelvo a dibujar todos los diseños. Este es un buen momento para volver a dibujar los personajes y comprobar la continuidad. La continuidad es probablemente uno de los mayores retos a la hora de ilustrar un libro ilustrado. Uno de los aspectos más complicados es asegurarse de que los rasgos o las proporciones de un personaje sigan siendo los mismos desde cualquier ángulo.
Cuando ilustré Mummy Did You Miss Me? de Judy Hindley, toda la historia se desarrollaba en un jardín, por lo que tuve que dibujar un plano para saber cómo se movería el personaje por el jardín de forma que los detalles del fondo fueran precisos desde cualquier ángulo. Es posible que una composición funcione con el texto en un pliego, pero que un determinado detalle no funcione en el siguiente; es como un rompecabezas.
9 Preparar los trazos finales
Cuando estoy contento con este nuevo conjunto de revisiones de las ilustraciones, se las envío por correo electrónico al cliente y éste las coloca con el texto. En esta fase no suele haber más que un puñado de comentarios y, siempre que no haya cambios importantes, fotocopio todos mis bocetos al tamaño necesario para el libro final y procedo a los trazos definitivos. Dibujo estos trazos finales en papel de maquetación. Empiezo marcando una línea clave que corresponde al tamaño de la guillotina (donde se recortará el libro en la fase de impresión) y luego una segunda línea clave unos 10 mm fuera de ésta, que se llama «sangrado» y permite cometer errores en el corte. Hago copias a tamaño real de mis trazos y se las envío al cliente para que las apruebe. En esta fase, pueden ir al autor una vez más.
10 Construir el color
Una vez aprobados los trazos, estoy listo para empezar con la obra de arte terminada. Trabajo en papel de acuarela que extiendo sobre tablas. Luego transfiero mis trazos al papel utilizando un producto llamado Tracedown, que es similar al papel carbón. Presiono deliberadamente de forma bastante ligera para que las líneas no sean demasiado fuertes. A menudo empiezo con una pequeña viñeta para que me haga sentir cómodo, ya que puede ser un poco desalentador empezar con una escena grande. Me gusta construir la obra en acuarela y luego reforzar las líneas hacia el final con un lápiz de color.
11 Déjate tiempo
La producción de la obra final puede llevar mucho tiempo. Un pliego detallado a doble página para La hora del caballero me llevó una media de dos días completos; el tiempo más largo que he pasado trabajando en la ilustración de un libro fue la escena del bosque de la portada de La hora del caballero, que me llevó casi una semana pintar.
Si estoy trabajando en un libro más pequeño (por ejemplo, un libro de cartón), envío por correo electrónico escaneos de las ilustraciones al cliente para que las apruebe a medida que avanzo, pero esto no es tan fácil con un libro ilustrado grande. Si no estoy segura de una obra en particular, también se la envío al cliente. En total, tardo varias semanas en completar todas las ilustraciones de un solo libro.
12 Añadir toques finales
Si el cliente está satisfecho con las ilustraciones, las enviará a escanear y podrá hacer maquetas con fines de venta. Antes de que el libro se imprima, me enviarán las pruebas de color finales para que haga mis comentarios, pero normalmente no tengo que cambiar nada en esta fase. Después recibiré una copia del libro final; esto suele ocurrir varios meses antes de que aparezca en las tiendas, así que tengo que mantenerlo en secreto para no estropear la sorpresa. Por qué no presentar su obra en nuestro concurso anual Artistas del Año, que le ofrece la posibilidad de dar a conocer su trabajo a nivel nacional y la oportunidad de realizar una exposición individual en la galería Panter & Hall de Londres. Los subcampeones también recibirán hasta 2.000 libras esterlinas en vales de material artístico. Las inscripciones ya están abiertas, así que haz clic aquí para participar ahora.
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