Come illustrare un libro per bambini
Hai mai voluto sapere come creare il tuo libro per bambini? L’illustratrice Jane Massey ti mostra come fare mentre ci parla delle varie fasi di una commissione
Quando sono stata contattata da Random House per illustrare la storia Knight Time dell’autrice Jane Clarke, è stata la sfida di rappresentare i due personaggi principali, il Piccolo Cavaliere e il Piccolo Drago, che mi ha davvero attratto.
L’ispirazione per i personaggi è arrivata abbastanza rapidamente. Il Piccolo Cavaliere era vagamente basato su mio figlio. Per qualche ragione, sono sempre stato attratto dall’illustrare bambini molto prima di averne uno mio, ma è più facile ora che ho riferimenti a portata di mano ogni giorno.
Quando illustro personaggi animali, penso ancora a loro come bambini piccoli quando penso alle loro espressioni e azioni. All’inizio ero un po’ più intimorito dalle scene notturne nei boschi, perché non avevo mai affrontato niente del genere prima d’ora.
Ho subito pensato a una delle letture preferite dell’infanzia: Il libro delle storie giganti di Walt Disney. Da bambino, ero sempre stato incuriosito ma anche molto spaventato dagli alberi nella storia ‘Babes in Toyland’. Mi piaceva il modo in cui i rami erano braccia e le foglie capelli.
Per Knight Time, ho dovuto trovare un attento equilibrio in quanto sarebbe stato rivolto ad un pubblico giovane e così ho deliberatamente reso i personaggi e l’ambiente non troppo spaventoso. www.janemassey.co.uk
1 Idee per gli schizzi dei personaggi
Il progetto è iniziato quando la Random House Children’s Books mi ha contattato con il testo Knight Time di Jane Clarke e mi ha chiesto se volevo lavorare su alcuni schizzi dei personaggi per i due protagonisti, Little Knight e Little Dragon. Trovo che sia più facile, quando si sviluppano nuovi personaggi, pensare a loro in una situazione, così ho iniziato abbozzando una sezione del testo che presentava il Piccolo Drago. Ho anche dato un’occhiata iniziale al personaggio del Piccolo Cavaliere, disegnandolo in un’ambientazione boschiva e producendo alcuni piccoli schizzi a colori.
2 Preparare un campione di colore
Knight Time era il mio primo libro illustrato per Random House ed era molto diverso come soggetto da qualsiasi cosa avessi illustrato prima, così mi hanno chiesto di fare un campione di colore prima di confermare la commissione. Questo è abbastanza comune per i nuovi illustratori. Non ero soddisfatto del mio primo tentativo di dipingere la scena del bosco – i colori erano troppo confusi e sentivo che era troppo lavorato. Ho fatto un secondo campione, che mi è sembrato molto più riuscito, e una volta che Random House lo ha approvato, sono stati felici di procedere.
3 Capire il brief
Oltre a fornirmi la storia, un editore spesso produce un brief scritto, suggerendo ciò che loro e l’autore pensano debba accadere in ogni pagina. Alcuni testi si spiegano da soli, ma spesso è abbastanza difficile capire la storia solo leggendo il testo, perché anche le illustrazioni aiutano a raccontare la storia. L’editore deciderà quale testo va su quale pagina e suggerirà se un’illustrazione deve essere un “full bleed” (una singola immagine che corre fino al bordo della pagina), due immagini separate, o una serie di vignette più piccole.
A questo punto, l’editore fornisce anche guide di taglio a grandezza naturale con il testo disposto in posizione – mi aiutano a vedere quanto spazio ho su ogni pagina. Il brief è solo una guida ed è ancora aperto a cambiamenti; il testo può essere riorganizzato all’interno della pagina per adattarsi alla mia illustrazione.
4 Fai schizzi in miniatura
A molti illustratori piace iniziare producendo piccole miniature per aiutarli a decidere il layout generale e il flusso del libro, ma io normalmente inizio con schizzi grezzi in formato A4 che saranno circa la metà del lavoro finale. Sento che questa è una dimensione gestibile perché posso includere abbastanza dettagli senza che questa fase richieda troppo tempo. Continuerò a lavorare su A4 fino alle tracce finali, in modo da poter facilmente scannerizzare ed inviare via email i miei schizzi.
5 Raffina i tuoi personaggi
Produco tutti i miei schizzi su carta da impaginazione. Mi piace il fatto che posso ricalcare i disegni più e più volte, modificandoli ogni volta. Significa anche che posso girare lo schizzo e vederlo al contrario – questo mi aiuta a individuare eventuali errori importanti in una posa. Posso anche scannerizzare lo schizzo e capovolgerlo sul computer per vederlo di nuovo.
Con ogni fase di schizzi, raffino i personaggi man mano che diventano più familiari per me. Tendo a non usare riferimenti diretti perché trovo che se studio una foto per una certa posa, la mia illustrazione diventa troppo legnosa. È solo se mi blocco veramente (per esempio, su come una mano dovrebbe tenere un oggetto) che mi faccio mettere in posa da qualcuno.
6 Considera il tuo pubblico
Il primo schizzo grezzo è il più impegnativo, perché ci sono così tante cose da considerare: la composizione, l’ambientazione e il luogo, la posa e l’espressione dei personaggi, gli oggetti di scena e così via. Mi piace iniziare pensando all’ambiente dei personaggi, e anche se ci sono altri personaggi minori – in questo caso, tutte le creature del bosco.
Considera anche il tuo pubblico. Con i dettagli, cerco di trovare un equilibrio tra il fatto che siano autentici per il periodo ma anche rilevanti e familiari per i bambini di oggi. Per esempio, con Knight Time, ho dovuto produrre immagini che presentassero personaggi accattivanti e ambientazioni che fossero spettrali, ma non troppo spaventose.
7 Discutere il feedback
Una volta che sono soddisfatto delle prime bozze, le mando via e-mail al cliente. Poi li stendo sulla guida di taglio e aggiungo il testo. È in questa fase che l’editore mostra le immagini all’autore. L’editore e l’autore si mettono d’accordo sulle modifiche che ritengono necessarie e mi inviano per e-mail un brief per la seconda fase di bozzetti.
Questo brief ha dei layout in formato miniatura con il mio bozzetto e i caratteri al loro posto, insieme a brevi indicazioni scritte. Le modifiche potrebbero includere lo spostamento o la rimozione di dettagli per fare più spazio al testo, o l’autore potrebbe volere che io aggiunga ulteriori dettagli. L’editore in questa fase può anche decidere che un particolare layout non funziona e discuteremo delle alternative. Poi esamino tutti i loro commenti e faccio i miei suggerimenti.
8 Controllare la continuità
Con i cambiamenti decisi, ridisegno tutti i layout. Questo è un buon momento per aggiornare i personaggi e controllare la continuità. La continuità è probabilmente una delle più grandi sfide quando si illustra un libro illustrato. Uno degli aspetti più difficili è assicurarsi che le caratteristiche o le proporzioni di un personaggio rimangano le stesse da qualsiasi angolazione.
Quando ho illustrato Mummy Did You Miss Me? di Judy Hindley, l’intera storia si svolgeva in un giardino, quindi ho dovuto disegnare un piano per capire come il personaggio avrebbe attraversato il giardino in modo che i dettagli dello sfondo fossero accurati da ogni angolo. Si può scoprire che si ottiene una composizione che funziona con il testo in una pagina, ma poi un certo dettaglio non funzionerà nella pagina successiva – è molto simile a un puzzle.
9 Preparare le tracce finali
Quando sono soddisfatto di questa nuova serie di revisioni dell’artwork le mando per email al cliente e loro le posizionano con il testo. Di solito ci sono solo una manciata di commenti in questa fase e, a condizione che non ci siano grandi cambiamenti, fotocopio tutti i miei schizzi alle dimensioni richieste per il libro finale e procedo con le tracce finali. Disegno queste tracce finali su carta da impaginazione. Comincio segnando una linea chiave che corrisponde alla dimensione della taglierina (dove il libro sarà tagliato in fase di stampa) e poi una seconda linea chiave circa 10 mm al di fuori di questa, che è chiamata “bleed” e permette errori sul taglio. Faccio delle copie a grandezza naturale delle mie tracce e le mando al cliente per l’approvazione. A questo punto, possono andare all’autore ancora una volta.
10 Costruire il colore
Una volta che le tracce sono approvate, sono pronto ad iniziare il lavoro finito. Lavoro su carta da acquerello che stendo su tavole. Poi trasferisco le mie tracce sulla carta usando un prodotto chiamato Tracedown, che è simile alla carta carbone. Volutamente premo abbastanza leggermente in modo che le linee non siano troppo forti. Spesso comincio con una piccola vignetta solo per entrare nel flusso – può essere un po’ scoraggiante cominciare con una grande scena. Mi piace costruire l’opera ad acquerello e poi rafforzare le linee verso la fine con una matita colorata.
11 Lasciati il tempo
La produzione dell’opera finale può essere un processo che richiede tempo. Una dettagliata doppia pagina per Knight Time ha richiesto in media due giorni interi per essere completata; il periodo più lungo che ho trascorso lavorando sull’illustrazione di un libro è stata la scena del bosco della copertina di Knight Time, che mi ha richiesto quasi una settimana per dipingere.
Se sto lavorando su un libro più piccolo (per esempio, un libro da tavolo), mando scansioni dell’opera al cliente per l’approvazione man mano che procedo, ma questo non è così facile con un grande libro illustrato. Se mi sento insicuro su una particolare opera d’arte, posso anche inviarla al cliente. In totale, mi ci vogliono diverse settimane per completare tutte le illustrazioni per un singolo libro.
12 Aggiungere i ritocchi finali
Se il cliente è contento delle illustrazioni, le invia per essere scannerizzate e può fare dei mock-up per le vendite. Prima che il libro vada in stampa, mi verranno inviate le prove finali a colori per i miei commenti, ma di solito non ho bisogno di cambiare nulla in questa fase. Riceverò poi una copia del libro finale; questo accade spesso diversi mesi prima che appaia nei negozi, quindi devo tenerlo nascosto per evitare di rovinare la sorpresa!
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