Det började som en fest. År 1925, samma årtionde som gav oss The Great Gatsby, den prisvärda bilen, den första filmen med ljud, begreppet ”grafisk design” och (viktigast av allt) en liten cocktail känd som mimosa, samlades det parisiska konstsamhället för en inflytelserik konstutställning.
På utställningen fanns allt från metallarbeten till helt designade rum, allt på det nya moderna sättet. Bland deltagarna fanns över 16 miljoner konstentusiaster från hela världen. Målet var att fira och legitimera den ”dekorativa konsten” för allmänheten och pressen. Resultatet blev etableringen av en av historiens mest bestående stilistiska rörelser: Art Deco.
Under årens lopp har Art Deco kommit till uttryck i alla medier, från grafisk design till möbler och till de digitala världarna av videospel. Även om dess storhetstid är förbi för länge sedan har rörelsen lämnat efter sig ett antal monument över sitt styre, framför allt i form av arkitektoniska bedrifter som finns i många skylines runt om i världen och som fortsätter att göra den till en del av vår vardag. För designers som vill ge sina projekt en storslagenhet som kan mäta sig med Chrysler-byggnaden är Art Deco en stil som du inte vill missa. Läs vidare för att förstå vad Art Deco-rörelsen handlar om och vad du kan lära dig av den för din egen design.
Kännetecknen för Art Deco-design-
Likt många stilistiska rörelser föddes kännetecknen för Art Deco-design, av vilka många var äldre än den officiella benämningen 1925, ur epokens historiska kontext.
Det tidiga 1900-talet kom i spåren av den industriella tidsåldern. Detta innebar att maskinteknik inte längre var den dominerande kraften, vilket gjorde att designen kunde ta plats i centrum. Tåget du valde att resa med hade mindre att göra med motorens hästkrafter och mer att göra med kupéernas överdådighet. Tillverkare konkurrerade med varandra genom att göra dessa nya moderna bekvämligheter mer lyxiga och slående. Detta ledde till att människor förknippade mekaniska underverk med extravagans och klass – Titanic är det tydligaste exemplet.
Till samma tid lade andra konstnärliga rörelser under perioden grunden för den stilistiska inriktningen för Art Deco. Rörelsen lånade kubismens djärva abstraktion och rätlinjiga former och futurismens visioner om civilisationens höjder, vilket förde med sig en vildvuxen och oförskämd dekoration till stilen.
Var och en av dessa faktorer destillerade Art Deco-designen till ett antal igenkännbara stilistiska kännetecken:
- Symmetri
- Skiktade former
- Intrikata linjer
- Rektilinjär geometri
- Aerodynamiska kurvor
- Metalliska färger som guld och krom
I sig självt kan denna lista kännas godtycklig och kanske vara tillämplig på ett antal andra konststilar. De viktigaste egenskaperna som avgör om en design verkligen är Art Deco är mycket mer abstrakta. Tänk teater och överdrifter; en ambitiös optimism för den moderna världen och dess framtid.
Vi ska utforska dessa kvaliteter för att bättre förstå hur de vanligtvis uttrycks i Art Deco-design.
Teater- och belysningsmotiv-
Art Deco är framför allt en djärv stil som skamlöst drar till sig uppmärksamhet. På så sätt speglar den den jublande andan i sin tid – festlighet inför förbudet. På den tiden förvandlade nya moderna bekvämligheter som den elektriska glödlampan storstäderna till flashiga spektakel, med Times Square i New York i spetsen som ett kulturellt centrum för teater, musik och elektrifierad reklam.
Ofta speglar Art Deco-designen detta spektakel genom storlek, kontraster och äventyrlig utsmyckning. I en mer bokstavlig tolkning används ofta triangulära former, som smalnar av från botten och utåt, i Art Deco-design för att efterlikna scenljus. Eller så kan dessa trianglar tryckas utåt som solbrännor, så att designen bokstavligen strålar ut som en fyr. Det viktiga är att den avslutande designen inte är någon körsångare utan en stjärna i sin egen rätt.
Symmetrisk geometri och modern linjekonst-
I utställningen från 1925, som födde Art Deco, behövde de utställda verken följa en enda riktlinje: De måste vara moderna. Modernitet har alltid varit Art Deco-designens huvudsyfte.
Konstnärer uttrycker vanligtvis det abstrakta begreppet ”modernt” med geometri. Medan naturen tenderar att vara mer kurvig och organisk är den av människan skapade arkitekturen exakt och matematisk. Linjer är byggstenarna i ritningar, i de skyskrapor som var nya på den tiden och som dök upp över hela den urbana världen. Som ett resultat av detta uttrycks staden – det moderna livets epicentrum – i skarpa, inbäddade linjer som sträcker sig uppåt, uppåt, uppåt.
Linjerna i Art Deco-designen framstår ofta som lika mekaniskt invecklade som kugghjulen i en klocka, medan symmetrin får kompositionen att kännas lika stabil som den högsta byggnaden. Detta kan vara särskilt användbart för att pryda rektangulära mönster, t.ex. förpackningar eller visitkort. Här fungerar Art Deco-linjen som en ram. Använd en krom- eller guldfinish för att ge den en flashig, maskininspirerad känsla.
Rörelse och aerodynamiska kurvor-
Som tidigare nämnts förknippas rundade former vanligtvis med statiska element i naturen som träd och kullar, men Art Deco-designers använde kurvor för att representera rörelse.
Under 20- och 30-talen handlade allt om rörelse. Inte nog med att stadsbilden växte snabbt, transportmedlen hade över en natt förändrats från häst och vagn till flygplan, tåg och bilar. Oavsett om du var en av de tusentals som anlände till staden med det senaste lokomotivet eller om du rusade genom staden i en taxi för att hinna med den senaste festen, fanns det därför en känsla av att stadslivet rörde sig snabbt. Detta ledde till att konstnärer och formgivare representerade framåtgående rörelse med zeppelinliknande, aerodynamiska kurvor och överdrev den moderna maskinens egenskaper, vilket gav den ett futuristiskt utseende.
Från en rent estetisk synvinkel ger cirklar också en bra kontrast till hårdare geometriska former, vilket är orsaken till att en hel del art deco-typografi blandar både hårda linjer med överdrivna kurvor. Formgivare kan också använda sig av stela linjer genom att luta dem för att antyda rörelse.
Antika egyptiska influenser-
Förutom tekniska och industriella framsteg skedde under det tidiga 1900-talet ett antal arkeologiska genombrott i det gamla Egypten, vilket kulminerade i upptäckten av kung Tut’s grav 1922. Den medie- och kulturgrej som följde kallades Egyptomania och berörde film (”Mumien” och ”Cleopatra”), mode (de lösa klänningar och pannband som flappers bar) och arkitektur (Washingtonmonumentets obelisk).
Och även om det kan tyckas som om antikens historia skulle ligga långt ifrån den maskininspirerade look som Art Deco ofta strävade efter, så hade bronsålderns egyptier en hel del gemensamt med 1920-talets stadsbor. Nämligen deras besatthet av monumental arkitektur, det heliga i deras materiella ägodelar och den flashiga extravagansen i deras mode. Som ett resultat av detta tenderar mycket av Art Deco att ha ett egyptiskt inspirerat utseende baserat på pyramidformade former, fläktande vassrör och stiliserade vingar.
Propagandaposter och utmejslad illustration-
I samband med återupplivandet av den forntida egyptiska konsten inspirerades många konstnärer under Art Deco-perioden att återskapa den klassiska konstens religiösa ikonografi genom stadslivets lins, där skyskraporna fungerade som den moderna tidens tempel. Medan renässansens konstnärer till stor del sysslade med fotorealistiska skildringar av Bibeln och den grekiska mytologin, innebar uppfinningen av kameran och den rörliga filmen att den fina konsten inte längre behövde vara bokstavlig. Friser och statyer från den gamla världen återskapades genom Art Deco-stilen med skiktad ciselering och muskulatur ritad i skarpa, kantiga linjer.
Denna återupplivning inspirerade Art Deco-måleri och -illustrationer, där figurer stiliseras på samma sätt som mytiska reliefer, hieroglyfer och de historiska figurer som mejslats ut på vardagliga mynt. Effekten var att affischens motiv likställdes med gudomlighet, vilket passade bra för en tidsperiod där kändisskap föddes. Även om detta ofta hade propagandistiska övertoner kan designers i dag återanvända denna estetik på ett mer välvilligt sätt genom mestadels tvådimensionella illustrationer som har platta färger, subtila skuggor och hårda linjer för att skapa ett skiktat utseende.
Dekennier senare, Art Deco-designen består-
Som så många andra designrörelser ersattes Art Deco-eran så småningom av sin motsats. I och med andra världskriget och de ransoneringar som följde tenderade de stilistiska trenderna att bli utilitaristiska och sparsmakade. Vår nuvarande era, med fokus på interaktiv design och enkel användbarhet, känns ibland ännu mer minimalistisk. Art deco är århundradets svanesång av extravagans och djärv design. Ett sista hurra för överseende dekoration.
Det är intressant att Art Deco fortsätter att ta sig uttryck i designen i dag med tanke på att det i hög grad är en stil från sin tid. När man ser ett Art Deco-objekt kan man inte låta bli att omedelbart tänka på 1920- och 30-talen. Man kan inte låta bli att höra hur champagneglasen klirrar, hur jazzhornen dånar och hur de pärlklädda societeterna skrattar i trängsel. Man kan inte låta bli att undra över en framtid som kunde ha varit, om det inte hade varit för den ekonomiska depressionens och världskrigets skuggor. Kanske är det som gör Art Deco så bestående inte bara stilens djärvhet utan också den livsglädje som den lyckas inkapsla.