È iniziato come una festa. Nel 1925, lo stesso decennio che ci ha dato Il Grande Gatsby, l’auto economica, il primo film con il sonoro, il termine “graphic design” e (soprattutto) un piccolo cocktail conosciuto come mimosa, la comunità artistica parigina si riunì per un’influente mostra d’arte.
In mostra c’era tutto, da pezzi di metallo a stanze completamente progettate, tutto nel nuovo modo moderno. Tra i partecipanti c’erano oltre 16 milioni di appassionati d’arte di tutto il mondo. L’obiettivo era quello di celebrare e legittimare le “arti decorative” al pubblico e alla stampa. Il risultato fu la creazione di uno dei movimenti stilistici più duraturi della storia: Art Deco.
Nel corso degli anni, l’Art Deco ha trovato espressione in ogni mezzo, dal design grafico ai mobili al mondo digitale dei videogiochi. Anche se il suo periodo d’oro è passato da tempo, il movimento ha lasciato una serie di monumenti al suo regno, in particolare nelle opere architettoniche che punteggiano molti skyline in tutto il mondo, che continuano a renderlo una parte della nostra vita quotidiana. Per i progettisti che vogliono infondere ai loro progetti una grandezza all’altezza del palazzo Chrysler, l’Art Deco è uno stile da non perdere. Continuate a leggere per capire cos’è il movimento Art Deco e cosa potete imparare da esso per i vostri progetti.
Le caratteristiche del design Art Deco-
Come molti movimenti stilistici, le caratteristiche del design Art Deco, molte delle quali hanno preceduto la coniazione del nome ufficiale nel 1925, sono nate dal contesto storico dell’epoca.
I primi anni del 1900 erano alle porte dell’era industriale. Questo significava che l’ingegneria meccanica non era più la forza dominante, permettendo al design di prendere il centro della scena. Il treno su cui si sceglieva di viaggiare aveva meno a che fare con la potenza del suo motore e più con l’opulenza delle sue cabine. I produttori facevano a gara per rendere queste nuove comodità moderne più lussuose e appariscenti. Questo portò la gente ad associare le meraviglie meccaniche con la stravaganza e la classe – il Titanic ne è l’esempio più ovvio.
Al tempo stesso, altri movimenti artistici del periodo stavano gettando le basi per la direzione stilistica dell’Art Deco. Il movimento prese in prestito l’audace astrazione e le forme rettilinee del Cubismo e la visione del Futurismo per le altezze della civiltà, che portò la decorazione dilagante e senza scrupoli allo stile.
Ognuno di questi fattori distillò il design Art Deco in una serie di caratteristiche stilistiche riconoscibili:
- Simmetria
- Forme stratificate
- Linee intricate
- Geometria rettilinea
- Curve aerodinamiche
- Colori metallici come oro e cromo
Di per sé, questa lista può sembrare arbitraria e forse applicabile a qualsiasi altro stile artistico. Le qualità più importanti che determinano se un design è veramente Art Deco sono molto più astratte. Pensate alla teatralità e all’eccesso; un ambizioso ottimismo per il mondo moderno e il suo futuro.
Esamineremo queste qualità per capire meglio come sono tipicamente espresse nel design Art Deco.
Teatro e motivi di illuminazione-
L’Art Deco è soprattutto uno stile audace, che attira spudoratamente l’attenzione su di sé. In questo senso, rispecchia lo spirito giubilante del suo tempo: lo splendore di fronte al proibizionismo. A quel tempo, le nuove comodità moderne come la lampadina elettrica trasformarono le grandi città in spettacoli appariscenti, con Times Square a New York a fare da apripista come centro culturale di teatro, musica e spazi pubblicitari elettrificati.
Spesso il design Art Deco rispecchia questo spettacolo attraverso le dimensioni, il contrasto e l’ornamentazione avventurosa. In un’interpretazione più letterale, le forme triangolari, che si assottigliano dal basso verso l’esterno, sono spesso usate nei design Art Deco per imitare le luci di scena. Oppure questi triangoli possono essere spinti verso l’esterno come raggi di sole, il disegno si irradia letteralmente come un faro. L’importante è che il disegno finale non sia una comparsa nel coro, ma una stella a sé stante.
Geometria simmetrica e line art moderna-
Nella mostra del 1925 che ha dato vita all’Art Deco, i pezzi esposti dovevano aderire ad una sola linea guida: dovevano essere moderni. La modernità è sempre stata la principale preoccupazione del design Art Deco.
Gli artisti esprimono tipicamente il concetto astratto di “moderno” con la geometria. Mentre la natura tende ad essere più sinuosa e organica, l’architettura fatta dall’uomo è precisa e matematica. Le linee sono gli elementi costitutivi dei progetti, dei grattacieli che erano nuovi a quei tempi e che spuntavano in tutto il mondo urbano. Di conseguenza, la città – l’epicentro della vita moderna – era espressa in linee nette, annidate, che vanno su, su, su.
Le linee nel design Art Deco appaiono spesso meccanicamente intricate come gli ingranaggi di un orologio mentre la simmetria fa sentire la composizione stabile come l’edificio più alto. Questo può essere particolarmente utile per ornare disegni rettangolari, come imballaggi o biglietti da visita. Qui, l’arte delle linee Art Deco agisce come una cornice. Usa una finitura cromata o dorata per dargli quel tocco appariscente, ispirato alle macchine.
Movimento e curve aerodinamiche-
Come detto prima, le forme arrotondate sono tipicamente associate agli elementi statici della natura come alberi e colline, ma i designer dell’Art Deco usavano le curve per rappresentare il movimento.
Gli anni 20 e 30 erano tutti all’insegna del movimento. Non solo il paesaggio urbano stava crescendo rapidamente, ma i modi di trasporto erano cambiati da un giorno all’altro, da cavalli e passeggini ad aerei, treni e automobili. Di conseguenza, che tu fossi uno delle migliaia di persone che arrivavano in città sull’ultima locomotiva o che tu stessi correndo attraverso la città in un taxi per raggiungere l’ultima festa, c’era la sensazione che la vita in città si stesse muovendo velocemente. Questo portò gli artisti e i designer a rappresentare il movimento in avanti con curve aerodinamiche tipo zeppelin e ad esagerare le caratteristiche della macchina moderna, dandole un aspetto futuristico.
Da un punto di vista puramente estetico, i cerchi forniscono anche un grande contrasto con forme geometriche più dure, ed è per questo che molta tipografia Art Deco mescola sia linee dure che curve esagerate. I designer possono anche fare uso di linee rigide inclinandole per implicare il movimento.
Antiche influenze egizie-
Oltre ai progressi ingegneristici e industriali, i primi anni del 1900 videro una serie di scoperte archeologiche nell’antico Egitto, che culminarono nella scoperta della tomba del re Tut nel 1922. La conseguente mania mediatica e culturale fu soprannominata Egittomania, e toccò il cinema (“La mummia” e “Cleopatra”), la moda (gli abiti larghi e le fasce indossate dalle flapper) e l’architettura (l’obelisco del Washington Monument).
Anche se potrebbe sembrare che la storia antica sia un mondo a parte rispetto al look ispirato alle macchine che l’Art Deco spesso cercava, gli egiziani dell’età del bronzo avevano molto in comune con gli abitanti delle città degli anni venti. Vale a dire, la loro ossessione per l’architettura monumentale, la sacralità dei loro beni materiali e la stravaganza appariscente della loro moda. Come risultato, gran parte dell’Art Deco tende ad avere un aspetto ispirato all’Egitto, basato su forme piramidali, canne a ventaglio e ali stilizzate.
Poster di propaganda e illustrazione cesellata-
In tandem con il revival dell’arte egizia antica, molti artisti del periodo Art Deco furono ispirati a reimmaginare l’iconografia religiosa dell’arte classica attraverso la lente della vita urbana, con i grattacieli che fungevano da templi dell’era moderna. Mentre gli artisti del Rinascimento erano in gran parte interessati alle rappresentazioni fotorealistiche della Bibbia e della mitologia greca, l’invenzione della macchina fotografica e del cinema significò che l’arte non doveva più essere letterale. Come tale, i fregi e le statue del vecchio mondo furono reimmaginati attraverso lo stile Art Deco con cesellatura a strati e muscolatura disegnata con linee taglienti e spigolose.
Questo revival ispirò la pittura e l’illustrazione Art Deco, dove le figure sono stilizzate nel modo dei rilievi mitici, dei geroglifici e delle figure storiche cesellate sulle monete di tutti i giorni. L’effetto era quello di equiparare il soggetto del manifesto alla divinità, cosa che si addiceva a un periodo che vedeva la nascita della celebrità. Anche se questo aveva spesso toni propagandistici, i designer di oggi possono riproporre questa estetica in modo più benevolo attraverso illustrazioni per lo più bidimensionali che hanno colori piatti, ombreggiature sottili e linee dure per creare un aspetto stratificato.
Decenni dopo, Il design Art Deco resiste-
Come molti movimenti di design, l’era dell’Art Deco fu alla fine soppiantata dal suo opposto. Con l’inizio della seconda guerra mondiale e le razioni che ne seguirono, le tendenze stilistiche tendevano verso l’utilitaristico e lo scarno. La nostra epoca attuale, focalizzata sul design interattivo e sulla facilità d’uso, a volte sembra ancora più minimalista. L’Art Deco è il canto del cigno del secolo della stravaganza e del design audace. Un ultimo urrà per la decorazione indulgente.
È interessante che l’Art Deco continui a trovare espressione nel design di oggi, considerando che è uno stile del suo tempo. Ogni volta che si vede un pezzo Art Deco, non si può fare a meno di pensare immediatamente agli anni ’20 e ’30. Non si può fare a meno di sentire il tintinnio dei bicchieri di champagne, il ruggito dei corni jazz e le risate affollate delle mondane vestite di perle. Non si può fare a meno di interrogarsi su un futuro che avrebbe potuto essere, se non fosse stato per le ombre della depressione economica e della guerra mondiale. Forse ciò che rende l’Art Deco così duratura non è solo l’audacia del suo stile, ma la gioia di vivere che riesce a incapsulare.