Het begon als een viering. In 1925, hetzelfde decennium dat ons The Great Gatsby, de betaalbare auto, de eerste film met geluid, de term “grafisch ontwerp” en (het belangrijkste) een kleine cocktail bekend als de mimosa schonk, kwam de Parijse kunstgemeenschap samen voor een invloedrijke kunsttentoonstelling.
Er werd van alles tentoongesteld, van metaalwerkstukken tot volledig ontworpen kamers, allemaal in de nieuwe moderne mode. Onder de aanwezigen bevonden zich meer dan 16 miljoen kunstliefhebbers uit de hele wereld. Het doel was om de “decoratieve kunsten” te vieren en te legitimeren bij het publiek en de pers. Het resultaat was de oprichting van een van de meest blijvende stijlbewegingen in de geschiedenis: Art Deco.
Door de jaren heen heeft Art Deco expressie gevonden in elk medium, van grafisch ontwerp tot meubels tot de digitale werelden van videogames. Hoewel de hoogtijdagen al lang voorbij zijn, heeft de beweging een aantal monumenten voor zijn heerschappij achtergelaten, met name in architectonische hoogstandjes die vele skylines over de hele wereld versieren, waardoor het nog steeds een deel van ons dagelijks leven is. Voor ontwerpers die willen hun projecten te doordringen met een grandeur aan de Chrysler gebouw, Art Deco is een stijl die je niet wilt missen. Lees verder om te begrijpen wat de Art Deco beweging inhoudt en wat u ervan kunt leren voor uw eigen ontwerpen.
De kenmerken van Art Deco-design-
Zoals vele stilistische bewegingen, werden de kenmerken van Art Deco-design, waarvan vele dateren van voor de officiële naamgeving in 1925, geboren uit de historische context van het tijdperk.
Het begin van de 20e eeuw kwam na de Industriële Eeuw. Dit betekende dat de machinebouw niet langer de dominante kracht was, waardoor design centraal kwam te staan. In welke trein je wilde reizen, had minder te maken met de paardenkracht van de motor en meer met de weelde van de cabines. Fabrikanten concurreerden met elkaar door deze nieuwe moderne gemakken luxueuzer en opvallender te maken. Dit leidde ertoe dat mensen mechanische wonderen associeerden met extravagantie en klasse – de Titanic is daarvan het duidelijkste voorbeeld.
Op hetzelfde moment legden andere artistieke stromingen uit die tijd de basis voor de stilistische richting van de Art Deco. De beweging leende de gedurfde abstractie en rechtlijnige vormen van het kubisme en de visie van het futurisme op de hoogten van de beschaving, die ongebreidelde en unapologetic decoratie naar de stijl bracht.
Elke van deze factoren distilleerde Art Deco design in een aantal herkenbare stilistische kenmerken:
- Symmetrie
- Gelaagde vormen
- Gecompliceerde lijnkunst
- Rectilineaire geometrie
- Aerodynamische rondingen
- Metallic kleuren zoals goud en chroom
Op zichzelf kan deze lijst arbitrair aanvoelen en wellicht van toepassing zijn op een willekeurig aantal andere kunststijlen. De belangrijkste kwaliteiten die bepalen of een ontwerp echt Art Deco is, zijn veel abstracter. Denk aan theatraliteit en overdaad; een ambitieus optimisme voor de moderne wereld en haar toekomst.
We zullen deze kwaliteiten onderzoeken om beter te begrijpen hoe ze typisch tot uitdrukking komen in Art Deco-design.
Theater- en verlichtingsmotieven-
Art Deco is bovenal een gedurfde stijl, die schaamteloos de aandacht op zichzelf vestigt. In dat opzicht weerspiegelt het de jubelende geest van die tijd – feestvreugde tegenover het verbod. In die tijd veranderden nieuwe moderne gemakken zoals de elektrische gloeilamp grote steden in flitsende spektakels, met Times Square in New York als cultureel centrum van theater, muziek en geëlektrificeerde advertentieruimte.
Vaak weerspiegelt Art Deco design dit spektakel door middel van grootte, contrast en avontuurlijke ornamentiek. In een meer letterlijke interpretatie, driehoekige vormen, taps toelopend van de bodem naar buiten, worden vaak gebruikt in Art Deco ontwerpen om podium lichten na te bootsen. Of deze driehoeken kunnen als zonnestralen naar buiten worden geduwd, waarbij het ontwerp letterlijk als een baken uitstraalt. Het belangrijkste is dat het eindontwerp geen figurant in het koor is, maar een ster op zich.
Symmetrische geometrie en moderne lijnkunst-
In de tentoonstelling van 1925 die de Art Deco ontketende, moesten de tentoongestelde stukken zich aan slechts één richtlijn houden: ze moesten modern zijn. Moderniteit is altijd de belangrijkste zorg van Art Deco design geweest.
Artiesten drukken het abstracte concept van “modern” meestal uit met geometrie. Terwijl de natuur de neiging heeft meer gebogen en organisch te zijn, is door de mens gemaakte architectuur precies en mathematisch. Lijnen zijn de bouwstenen van blauwdrukken, van de wolkenkrabbers die in die tijd nieuw waren en overal in de stedelijke wereld opdoken. Als gevolg daarvan werd de stad – het epicentrum van het moderne leven – uitgedrukt in scherpe, geneste lijnen die omhoog, omhoog, omhoog reiken.
Lijnen in Art Deco-design lijken vaak zo mechanisch ingewikkeld als de tandwielen in een klok, terwijl de symmetrie de compositie zo stabiel doet aanvoelen als het hoogste gebouw. Dit kan vooral nuttig zijn voor het versieren van rechthoekige ontwerpen, zoals verpakkingen of visitekaartjes. Hier fungeert Art Deco lijntekeningen als een kader. Gebruik een chromen of gouden afwerking om het die flitsende, op machines geïnspireerde flair te geven.
Beweging en aërodynamische krommingen-
Zoals eerder vermeld, worden ronde vormen doorgaans geassocieerd met de statische elementen van de natuur, zoals bomen en heuvels, maar Art Deco ontwerpers gebruikten krommingen om beweging weer te geven.
De jaren ’20 en ’30 stonden in het teken van beweging. Niet alleen groeide het stedelijke landschap snel, ook de vervoerswijzen waren van de ene dag op de andere veranderd van paard en wagen in vliegtuigen, treinen en auto’s. Het gevolg was dat of je nu een van de duizenden was die met de nieuwste locomotief naar de stad kwamen of dat je in een taxi door de stad racete om het nieuwste feestje mee te pikken, er een gevoel was dat het leven in de stad snel ging. Dit bracht kunstenaars en ontwerpers ertoe voorwaartse beweging weer te geven met zeppelinachtige, aerodynamische krommingen en de kenmerken van de moderne machine te overdrijven, waardoor deze er futuristisch uitzag.
Puur esthetisch gezien vormen cirkels ook een groot contrast met hardere geometrische vormen, wat de reden is waarom veel Art Deco typografie zowel harde lijnen als overdreven krommingen mengt. Ontwerpers kunnen ook gebruik maken van strakke lijnen door ze schuin te trekken om beweging te suggereren.
Oeroude Egyptische invloeden-
Naast de technische en industriële vooruitgang waren er begin 1900 ook een aantal archeologische doorbraken in het oude Egypte, met als hoogtepunt de ontdekking van de graftombe van koning Toet in 1922. De daaruit voortvloeiende media- en cultuurgekte werd Egyptomania genoemd, en raakte de film (“The Mummy” en “Cleopatra”), de mode (de losse jurken en hoofdbanden die door flappers werden gedragen) en de architectuur (de obelisk van het Washington Monument).
Hoewel het misschien lijkt alsof de antieke geschiedenis werelden ver verwijderd is van de op machines geïnspireerde look waar de Art Deco vaak voor ging, hadden de Egyptenaren uit de Bronstijd veel gemeen met de stadsbewoners van de jaren twintig van de vorige eeuw. Namelijk hun obsessie met monumentale architectuur, de heiligheid van hun materiële bezittingen en de opzichtige extravagantie van hun mode. Als gevolg daarvan heeft veel Art Deco de neiging een Egyptisch geïnspireerd uiterlijk te hebben, gebaseerd op piramidale vormen, uitwaaierend riet en gestileerde vleugels.
Propaganda-affiches en gebeitelde illustratie-
Gelijktijdig met de heropleving van de Oud-Egyptische kunst werden veel kunstenaars uit de Art Deco-periode geïnspireerd om de religieuze iconografie van de klassieke kunst te herinterpreteren door de lens van het stadsleven, waarbij wolkenkrabbers fungeerden als de tempels van de moderne tijd. Terwijl Renaissance kunstenaars waren grotendeels bezig met fotorealistische voorstellingen van de Bijbel en de Griekse mythologie, de uitvinding van de camera en de film betekende dat beeldende kunst niet langer hoefde te letterlijk zijn. Zo werden oude wereld friezen en standbeelden gereconstrueerd in Art Deco stijl met gelaagd beitelwerk en musculatuur getekend in scherpe, hoekige lijnen.
Deze opleving inspireerde Art Deco schilderkunst en illustratie, waar figuren zijn gestileerd in de mode van mythische reliëfs, hiërogliefen en de historische figuren gebeiteld op alledaagse munten. Het effect was dat het onderwerp van de affiche werd gelijkgesteld met goddelijkheid – passend bij een tijdperk waarin beroemdheid werd geboren. Hoewel dit vaak een propagandistische ondertoon had, kunnen ontwerpers vandaag de dag deze esthetiek op een meer welwillende manier hergebruiken door middel van meestal tweedimensionale illustraties met vlakke kleuren, subtiele arceringen en harde lijnen om een gelaagd uiterlijk te creëren.
Decennia later, Art Deco design houdt stand-
Zoals zoveel designbewegingen, werd het tijdperk van de Art Deco uiteindelijk verdrongen door zijn tegendeel. Met het begin van de Tweede Wereldoorlog en de rantsoenen die daarop volgden, neigden stilistische trends naar het utilitaire en het spaarzame. Ons huidige tijdperk, gericht op interactief design en gebruiksgemak, voelt soms nog minimalistischer aan. Art Deco is de zwanenzang van de eeuw van extravagantie en gedurfd design. Een laatste hoera voor overdadige decoratie.
Het is interessant dat Art Deco vandaag de dag nog steeds tot uitdrukking komt in design, gezien het feit dat het een stijl van zijn tijd is. Als je een Art Deco object ziet, denk je meteen aan de jaren twintig en dertig. Het klinken van champagneglazen, het gebrul van jazzhoorns en het drukke gelach van in parels gehulde socialites. Je vraagt je af hoe de toekomst eruit had kunnen zien als de economische depressie en de wereldoorlog er niet waren geweest. Misschien is wat Art Deco zo duurzaam maakt niet alleen de gedurfdheid van de stijl, maar de joie de vivre die het erin slaagt te omsluiten.