Det begyndte som en fejring. I 1925, det samme årti, som gav os The Great Gatsby, den prisbillige bil, den første film med lyd, begrebet “grafisk design” og (vigtigst af alt) en lille cocktail kendt som mimosa, samledes det parisiske kunstmiljø til en indflydelsesrig kunstudstilling.
Der blev udstillet alt fra metalstykker til fuldt designede værelser, alt sammen i den nye moderne mode. Blandt de fremmødte var over 16 millioner kunstentusiaster fra hele verden. Målet var at fejre og legitimere “den dekorative kunst” over for offentligheden og pressen. Resultatet blev etableringen af en af historiens mest varige stilistiske bevægelser: Art Deco.
I årenes løb har Art Deco fundet udtryk i alle medier, lige fra grafisk design til møbler og til den digitale verden af videospil. Selv om dens storhedstid for længst er forbi, har bevægelsen efterladt sig en række monumenter for sin regeringstid, især i form af arkitektoniske bedrifter, der pryder mange skylines rundt om i verden, og som fortsat gør den til en del af vores hverdag. For designere, der ønsker at tilføre deres projekter en storhed, der kan matche Chrysler-bygningen, er Art Deco en stil, som du ikke vil gå glip af. Læs videre for at forstå, hvad Art Deco-bevægelsen handler om, og hvad du kan lære af den til dine egne designs.
Karakteristikaene ved Art Deco-design-
Som mange stilistiske bevægelser blev karakteristikaene ved Art Deco-design, hvoraf mange af dem var før udformningen af det officielle navn i 1925, født ud af æraens historiske kontekst.
Den tidlige 1900’er kom i hælene på den industrielle tidsalder. Det betød, at maskinteknikken ikke længere var den dominerende kraft, hvilket gav design mulighed for at komme i centrum. Det tog, som du valgte at rejse med, havde mindre at gøre med motorens hestekræfter og mere med kabinernes overdådighed. Producenterne konkurrerede med hinanden ved at gøre disse nye moderne bekvemmeligheder mere luksuriøse og iøjnefaldende. Dette fik folk til at forbinde mekaniske vidundere med ekstravagance og klasse – Titanic er det mest indlysende eksempel.
På samme tid lagde andre kunstneriske bevægelser i perioden grunden til den stilistiske retning, som Art Deco tog. Bevægelsen lånte kubismens dristige abstraktion og retlinede former og futurismens visioner om civilisationens højder, hvilket gav stilen en uhæmmet og uhæmmet udsmykning.
Hver enkelt af disse faktorer destillerede art deco-designet til en række genkendelige stilistiske karakteristika:
- Symmetri
- Lagdelte former
- Intrikat stregkunst
- Rektilineær geometri
- Aerodynamiske kurver
- Metallic farver som guld og krom
I sig selv kan denne liste føles arbitrær og måske finde anvendelse på en række andre kunststile. De vigtigste kvaliteter, der afgør, om et design virkelig er Art Deco, er langt mere abstrakte. Tænk teatralskhed og overskud; en ambitiøs optimisme over for den moderne verden og dens fremtid.
Vi vil undersøge disse kvaliteter for bedre at forstå, hvordan de typisk kommer til udtryk i Art Deco-design.
Teater- og belysningsmotiver-
Art Deco er først og fremmest en dristig stil, der skamløst henleder opmærksomheden på sig selv. I den forstand afspejler den den jublende ånd i sin tid – festlighed i lyset af forbuddet. Dengang forvandlede nye moderne bekvemmeligheder som f.eks. den elektriske glødepære selv storbyerne til prangende skuespil, med Times Square i New York i spidsen som et kulturelt centrum for teater, musik og elektrificeret reklameplads.
Ofte afspejler art deco-designet dette skuespil gennem størrelse, kontrast og eventyrlig ornamentik. I en mere bogstavelig fortolkning anvendes trekantede former, der spidser sig opad fra bunden og udad, ofte i art deco-design for at efterligne scenelys. Eller disse trekanter kan skubbes udad som solstråler, så designet bogstaveligt talt udstråler som et fyrtårn. Det vigtige er, at det afsluttende design ikke er en statist i koret, men en stjerne i sin egen ret.
Symmetrisk geometri og moderne stregkunst-
I den udstilling fra 1925, der fødte Art Deco, skulle de udstillede værker kun overholde én retningslinje: de skulle være moderne. Modernitet har altid været det vigtigste anliggende for Art Deco-design.
Kunstnere udtrykker typisk det abstrakte begreb “moderne” med geometri. Mens naturen har en tendens til at være mere kurvet og organisk, er menneskeskabt arkitektur præcis og matematisk. Linjer er byggestenene i tegninger, i de skyskrabere, som var nye dengang og dukkede op overalt i byerne. Som følge heraf blev byen – epicentret for det moderne liv – udtrykt i skarpe, indlejrede linjer, der rakte opad, opad, opad.
Linjerne i art deco-design fremstår ofte lige så mekanisk indviklede som tandhjulene i et ur, mens symmetrien får kompositionen til at føles lige så stabil som den højeste bygning. Dette kan især være nyttigt til udsmykning af rektangulære designs som f.eks. emballage eller visitkort. Her fungerer art deco-linjekunsten som en ramme. Brug en krom- eller guldfinish for at give det den prangende, maskininspirerede flair.
Bevægelse og aerodynamiske kurver-
Som tidligere nævnt forbindes afrundede former typisk med statiske elementer i naturen som træer og bakker, men Art Deco-designere brugte kurver til at repræsentere bevægelse.
I 20’erne og 30’erne handlede det hele om bevægelse. Ikke alene voksede bybilledet hurtigt, men transportformerne havde også ændret sig fra den ene dag til den anden fra hestevogne til fly, tog og biler. Uanset om man var en af de tusindvis af mennesker, der ankom til byen med det nyeste lokomotiv, eller om man kørte gennem byen i en taxa for at nå den seneste fest, var der derfor en følelse af, at bylivet bevægede sig hurtigt. Dette fik kunstnere og designere til at repræsentere fremadgående bevægelse med zeppelin-lignende, aerodynamiske kurver og til at overdrive den moderne maskines træk, hvilket gav den et futuristisk udseende.
Fra et rent æstetisk synspunkt giver cirkler også en god kontrast til hårdere geometriske former, hvilket er grunden til, at meget art deco-typografi blander både hårde linjer og overdrevne kurver. Designere kan også gøre brug af stive linjer ved at skråtstille dem for at antyde bevægelse.
Gamle egyptiske påvirkninger-
Ud over de tekniske og industrielle fremskridt skete der i begyndelsen af 1900-tallet en række arkæologiske gennembrud i det gamle Egypten, som kulminerede med opdagelsen af kong Tut’s grav i 1922. Den efterfølgende medie- og kulturbølge, der fulgte, blev kaldt Egyptomania, og den berørte både film (“Mumien” og “Cleopatra”), mode (flappers løse kjoler og pandebånd) og arkitektur (Washington Monument-obelisken).
Og selv om det kan virke som om, at oldtidshistorien ville være verdensfjernt fra det maskininspirerede look, som Art Deco ofte gik efter, havde bronzealderens egyptere meget til fælles med 1920’ernes byboere. Nemlig deres besættelse af monumental arkitektur, det hellige i deres materielle ejendele og den prangende ekstravagance i deres mode. Som følge heraf har meget af Art Deco tendens til at have et egyptisk inspireret udseende baseret på pyramideformer, vifteformede rør og stiliserede vinger.
Propagandaplakater og mejslet illustration-
På samme tid som genoplivningen af den gamle egyptiske kunst blev mange kunstnere i art deco-perioden inspireret til at genfortolke den klassiske kunsts religiøse ikonografi gennem bylivets briller, hvor skyskrabere fungerede som den moderne tidsalders templer. Mens renæssancens kunstnere i høj grad var optaget af fotorealistiske skildringer af Bibelen og den græske mytologi, betød opfindelsen af kameraet og spillefilmen, at billedkunst ikke længere behøvede at være bogstavelig. Derfor blev friser og statuer fra den gamle verden genfortolket i Art Deco-stilen med lagdelt ciselering og muskulatur tegnet med skarpe, kantede linjer.
Denne genoplivning inspirerede Art Deco-maleri og -illustrationer, hvor figurer er stiliseret i stil med mytiske relieffer, hieroglyffer og de historiske figurer, der er mejslet ind på hverdagsmønter. Effekten var at sidestille plakatens emne med guddommelighed, hvilket passede til en tidsperiode, der var vidne til berømmelsens fødsel. Selv om dette ofte havde propagandistiske overtoner, kan designere i dag genanvende denne æstetik på en mere velvillig måde gennem for det meste todimensionelle illustrationer, der har flade farver, subtile skygger og hårde linjer for at skabe et lagdelt udseende.
Decennium senere, Art Deco-designet består –
Som så mange andre designbevægelser blev art deco-æraen til sidst afløst af sin modsætning. Med udbruddet af Anden Verdenskrig og de efterfølgende rationeringer gik de stilistiske tendenser i retning af det utilitaristiske og sparsomme. Vores nuværende æra, der fokuserer på interaktivt design og nem brugervenlighed, føles nogle gange endnu mere minimalistisk. Art deco er århundredets svanesang for ekstravagance og dristigt design. Et sidste hurra for overbærende dekoration.
Det er interessant, at Art Deco fortsat finder udtryk i design i dag, når man tænker på, at det i høj grad er en stil fra sin tid. Når man ser et Art Deco-stykke, kan man ikke lade være med straks at tænke på 1920’erne og 30’erne. Man kan ikke lade være med at høre champagneglassene klirre, jazzhornene brøle og de perleklædte selskabslæger grine i flok. Man kan ikke lade være med at tænke på en fremtid, der kunne have været, hvis ikke den økonomiske depression og verdenskrigen havde skygget for os. Måske er det, der gør Art Deco så vedvarende, ikke kun stilens dristighed, men også den livsglæde, den formår at indkapsle.