PrehistoriaEdit
Dwuwuwymiarowe i trójwymiarowe przedstawienia sromu, tj. malowidła i figurki, istnieją od dziesiątek tysiącleci. Są one jednymi z najwcześniejszych dzieł sztuki prehistorycznej.
Jaskinia Chufín znajdująca się w mieście Riclones w Kantabrii (Hiszpania) posiada prehistoryczną sztukę naskalną, która może być przedstawieniem sromu. Jaskinia była zamieszkiwana w różnych okresach, najstarszy jest około 20.000 lat temu. Oprócz schematycznych rycin i obrazów zwierząt, istnieje również wiele symboli, takich jak te znane jako „laski”. Istnieje również duża liczba rysunków przy użyciu punktów (puntillaje), w tym jeden, który został zinterpretowany jako przedstawienie sromu.
Figurka Wenus to górnopaleolityczna statuetka przedstawiająca kobietę. Większość z nich została odkopana w Europie, ale inne znaleziono tak daleko jak Syberia, co rozszerza ich dystrybucję na większą część Eurazji. Większość z nich pochodzi z okresu Gravettian (28,000-22,000 lat temu), ale przykłady istnieją tak wcześnie, jak Wenus z Hohle Fels, który sięga co najmniej 35,000 lat do Aurignacian, a tak późno, jak Wenus z Monruz, z około 11,000 lat temu w Magdalenian.
Te figurki zostały wyrzeźbione z miękkiego kamienia (takie jak steatyt, kalcyt lub wapień), kości lub kości słoniowej, lub uformowane z gliny i wypalane. Te ostatnie należą do najstarszej znanej ceramiki. W sumie znanych jest ponad sto takich figurek; praktycznie wszystkie są skromnych rozmiarów, o wysokości od 4 cm do 25 cm. Większość z nich ma małe głowy, szerokie biodra i nogi, które zwężają się do punktu. Różne figurki wyolbrzymiają brzuch, biodra, piersi, uda lub srom. Z kolei ręce i stopy są często nieobecne, a głowa jest zwykle mała i bez twarzy.
StarożytnośćEdit
Starożytni Sumerowie uważali srom za święty i zachowała się ogromna liczba sumeryjskich poematów wychwalających srom bogini Inanny. W religii sumeryjskiej bogini Nin-imma jest boskim uosobieniem żeńskich genitaliów. Jej imię oznacza dosłownie „pani kobiecych genitaliów”. Pojawia się w jednej z wersji mitu o Enki i Ninsikili, w której jest córką Enki i Ninkurry. Enki gwałci ją i sprawia, że rodzi Uttu, boginię tkactwa i roślinności. Płyn pochwowy jest zawsze opisywany w tekstach sumeryjskich jako „słodki”, a w sumeryjskim hymnie ślubnym młoda panna cieszy się, że jej sromowi wyrosły włosy. Gliniane modele sromów zostały odkryte w świątyni Inanny w Aszur; modele te prawdopodobnie służyły jako amulety, być może chroniące przed impotencją.
XI i XII wiekEdit
Sheela na gigs to XI i XII-wieczne rzeźby figuratywne przedstawiające nagie kobiety z wyolbrzymionymi sromami. Są to groteski architektoniczne znalezione na kościołach, zamkach i innych budynkach, szczególnie w Irlandii i Wielkiej Brytanii, czasami razem z postaciami męskimi. Jednym z najlepszych przykładów może być Round Tower w Rattoo, w hrabstwie Kerry, w Irlandii. Istnieje replika okrągłej wieży Sheela na gig w muzeum hrabstwa w mieście Tralee. Inny znany przykład można zobaczyć w Kilpeck w Herefordshire, England.
Such carvings są powiedział odpędzić śmierć i zło. Inne groteski, takie jak gargulce i punki, były częstym elementem wystroju kościołów w całej Europie. Powszechnie mówi się, że ich celem było trzymanie złych duchów z dala poprzez użycie magii apotropaicznej. Często umieszczane są nad drzwiami lub oknami, przypuszczalnie w celu ochrony tych otworów.
Weir i Jerman twierdzą, że ich lokalizacja na kościołach i groteskowe cechy postaci, według średniowiecznych standardów, sugerują, że przedstawiały one kobiece pożądanie jako ohydne i grzesznie deprawujące. Inna teoria, której zwolennikami są Joanne McMahon i Jack Roberts, głosi, że rzeźby są pozostałością po przedchrześcijańskiej religii płodności lub bogini matki. Książka z 2016 roku autorstwa Starr Goode zatytułowana Sheela na gig: The Dark Goddess of Sacred Power, śledzi te obrazy w całej historii i wnosi dyskusję na temat uniwersalności „kobiecego świętego wyświetlacza” w jego znaczeniach i funkcjach z powrotem do początków kultury widzianych w paleolitycznej sztuce jaskiniowej poprzez włączenie obrazu do sztuki współczesnej, szczególnie sztuki feministycznej.
Tradycje folklorystyczneEdit
The vagina loquens, lub „gadająca wagina”, jest znaczącą tradycją w literaturze i sztuce, sięgającą starożytnych motywów folklorystycznych. Opowieści te zazwyczaj obejmują waginy mówić ze względu na działanie magii lub uroków, a często przyznając się do ich unchastity.
Inna opowieść ludowa dotyczy vagina dentata („zębaty pochwy”). Implikacją tych opowieści jest to, że stosunek seksualny może spowodować obrażenia, emaskulację lub kastrację dla mężczyzny zaangażowanego. Historie te były często opowiadane jako opowieści ostrzegawcze, ostrzegające przed niebezpieczeństwami nieznanych kobiet i zniechęcające do gwałtu.
Sztuka współczesnaEdit
W 1966 roku, francuski artysta Niki de Saint Phalle współpracował z dadaistycznym artystą Jean Tinguely i Per Olof Ultvedt na dużej instalacji rzeźbiarskiej zatytułowanej „hon-en katedral” (również pisane „Hon-en-Katedrall”, co oznacza „ona-katedra”) dla Moderna Museet, w Sztokholmie, Szwecja. Zewnętrzna forma to gigantyczna, leżąca rzeźba kobiety z rozłożonymi nogami. Goście muzeum mogą wejść do jej wnętrza przez otwór waginalny wielkości drzwi. Saint Phalle stwierdził, że rzeźba reprezentuje boginię płodności, która była w stanie przyjąć gości do swojego ciała, a następnie „urodzić” ich ponownie. Wewnątrz jej ciała znajduje się ekran, na którym wyświetlane są filmy Grety Garbo, staw ze złotymi rybkami oraz automat z napojami bezalkoholowymi. Praca wywołała ogromną reakcję publiczną w czasopismach i gazetach na całym świecie.
W 1975 roku lesbijska artystka Tee Corinne opublikowała swoją „Cunt Coloring Book”, w której przyszłe liczne rysunki kobiecych wagin. Stworzyła książkę, aby dać grup edukacji seksualnej użyteczne narzędzie do zrozumienia waginy. W 1981 roku, po trzech wydrukach musiała zmienić nazwę na 'Labiaflowers’, ale to wpłynęło na sprzedaż, więc szybko zmieniła ją z powrotem na oryginalną nazwę. W latach 1974-1979 Judy Chicago, artystka feministyczna, stworzyła instalację o tematyce sromowej „The Dinner Party”. Składa się ona z 39 misternych nakryć dla 39 mitycznych i historycznych sławnych kobiet, ustawionych wzdłuż trójkątnego stołu. Wśród uhonorowanych są Virginia Woolf, Susan B. Anthony, Sojourner Truth, Eleonora z Akwitanii i Teodora z Bizancjum. Każdy z talerzy, z wyjątkiem tego, który odpowiada Sojourner Truth (czarnoskórej kobiecie), przedstawia jaskrawo kolorową, misternie stylizowaną formę motyla-wulwy. Po wyprodukowaniu, pomimo oporu ze strony świata sztuki, odbyła się jej trasa koncertowa w 16 miejscach w sześciu krajach, którą obejrzało 15 milionów widzów. Od 2007 roku znajduje się na stałej wystawie w Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art w Brooklyn Museum w Nowym Jorku. Chicago przyznało Georgii O’Keeffe poczesne miejsce w The Dinner Party, ponieważ niektóre współczesne feministki uważają, że szczegółowe obrazy kwiatów O’Keeffe, takie jak Black Iris III (1926), ewokują zawoalowane przedstawienie kobiecych genitaliów. O’Keeffe konsekwentnie zaprzeczała ważności tych freudowskich interpretacji jej sztuki.
Amerykanka Annie Sprinkle przekształciła swoje genitalia w sztukę performance z jej „Publicznym Ogłoszeniem Szyjki Macicy”, po raz pierwszy odsłoniętym we wczesnych latach 80-tych, a następnie powtórzonym dla jej pokazu objazdowego z lat 90-tych, „Post-Porn Modernist”. W nim, położyła się na krześle na niskiej scenie, włożyła wziernik do pochwy i zaprosiła członków publiczności, aby spojrzeli na jej szyjkę macicy. Fraza została podjęta w 2018 roku przez organizacje charytatywne zajmujące się rakiem w Wielkiej Brytanii i Australii, prosząc kobiety o wykonanie testu Pap, aby wykluczyć raka szyjki macicy.
Nowoczesna artystyczna reprezentacja pochwy zbiega się z XVIII-wieczną anatomiczną dysekcją i identyfikacją genitaliów (tj. William Hunter). Sztuka współczesna, z perspektywy feministycznej, powróciła i zdekonstruowała androcentryczne spojrzenie na kobiece genitalia i stereotypową identyfikację z kobiecą podmiotowością (np. Ana Mendieta, Enrique Chagoya, Vik Muniz, Candice Lin, etc.).
Londyńska grupa sztuki performance Neo Naturists miała piosenkę i akt o nazwie „Cunt Power”, nazwę, którą garncarz Grayson Perry zapożyczył dla jednej ze swoich wczesnych prac: „Nieszkliwiony kawałek o skromnych wymiarach, wykonany z terakoty jak glina – labia starannie uformowane z niegdyś mokrego materiału, mniej więcej w połowie jego obwodu”.
The Vagina Monologues, epizodyczna sztuka Eve Ensler z 1996 roku, przyczyniła się do uczynienia kobiecej seksualności tematem dyskursu publicznego. Składa się ona ze zmiennej liczby monologów czytanych przez kilka kobiet. Początkowo Ensler sama wygłaszała każdy monolog, w kolejnych przedstawieniach wystąpiły trzy aktorki; w ostatnich wersjach w każdej roli występuje inna aktorka. Każdy z monologów dotyczy jakiegoś aspektu kobiecego doświadczenia, poruszając takie kwestie jak aktywność seksualna, miłość, gwałt, menstruacja, okaleczanie żeńskich narządów płciowych, masturbacja, poród, orgazm, różne potoczne nazwy waginy, czy po prostu fizyczny aspekt ciała. Powtarzającym się tematem w kawałkach jest wagina jako narzędzie kobiecego umocnienia i ostateczne ucieleśnienie indywidualności.
Jamie McCartney, z siedzibą w Brighton na południowym wybrzeżu Anglii, stworzył Wielki Mur Waginy, wykonane z kilkudziesięciu odlewów prawdziwych sromu, pokazując szerokie zróżnicowanie.
22 października 2001 roku sitcom telewizyjny Everybody Loves Raymond, pokazał odcinek, w którym Marie wykonała abstrakcyjną rzeźbę, która zdaniem wielu wyglądała „nieodpowiednio” Chociaż było jasne, jak miała wyglądać, słowo „v” nigdy nie zostało użyte.
Aidan Salahova jest azerską artystką, galerzystką i osobą publiczną. W artykule zatytułowanym „Vagina Art Veiled at Azerbaijan’s Venice Biennale Pavilion, Causing Some to Cry Censorship”, Kate Deimling stwierdziła, że w 2011 roku „Black Stone” Salahova, „rzeźba przedstawiająca czarny kamień w Mekce czczony przez muzułmanów w marmurowej ramie przypominającej waginę, były zarówno zakryte”. Reprezentowała ona Pawilon Azerbejdżański wśród innych artystów narodowych na 54 Biennale w Wenecji. Dwa z jej dzieł sztuki, wcześniej zatwierdzone przez ministerstwo kultury, zostały zakryte i ostatecznie usunięte z wystawy na dzień przed otwarciem, „z powodu wrażliwości rządu na status narodu jako świeckiego kraju muzułmańskiego”. Urzędnicy powiedzieli, że prace zostały uszkodzone podczas transportu. Komentując konflikt, kurator pawilonu Beral Madra stwierdził, że koncepcja usuniętych rzeźb została źle zinterpretowana przez rząd, i dodał, że w ciągu ponad 25 lat kuratorowania ona „nigdy nie doświadczył tego rodzaju konfliktu”.
W 2012 roku, obraz 1866 Gustave Courbet obraz kobiecych genitaliów, zatytułowany „Pochodzenie świata”, umieszczony na Facebooku doprowadził do sporu prawnego. Po tym jak francuski nauczyciel zamieścił zdjęcie obrazu, Facebook uznał je za pornograficzne i zawiesił jego konto za naruszenie warunków użytkowania. The Huffington Post nazwał obraz „szczerym obrazem waginy”. Mark Stern z Slate, który nazwał obraz oszałamiającym, błyskotliwym „….cornerstone francuskiego ruchu realistycznego”, stwierdza, że nauczyciel następnie pozwał stronę internetową za rzekome naruszenie jego wolności słowa. W październiku 2013 roku artysta Peter Reynosa stworzył „… czerwono-biały obraz akrylowy przedstawiający Madonnę namalowaną w kształcie wyzywającego symbolu jońskiego, który wygląda jak wagina lub srom.”
101 Vagina to czarno-biała fotoksiążka z 2013 roku autorstwa Philipa Wernera, z przedmową Toni Childs. Książka zawiera 101 zbliżeń nagich zdjęć wykonanych w sposób nieprowokacyjny, wraz z towarzyszącą im historią lub wiadomością napisaną przez każdą kobietę o jej waginie. Zdjęcia i historie z książki były wystawiane pięciokrotnie w Australii w 2013 roku, a w 2014 roku odbyła się trasa po Stanach Zjednoczonych i Kanadzie, obejmująca sześć lokalizacji. Werner początkowo zainspirował się Monologami waginy, a tematy zostały znalezione za pośrednictwem mediów społecznościowych po tym, jak Werner ogłosił swój cel stworzenia książki, która miałaby zarówno cel edukacyjny, jak i celebrycki. Historie towarzyszące zdjęciom poruszają różne tematy, w tym starzenie się, ciążę, depilację brazylijską, pierwszy kontakt seksualny i zły obraz ciała. W Sydney wystawa została odwiedzona przez policję w związku ze skargą, że zdjęcia były widoczne z ulicy. Obrazy musiały zostać ocenzurowane jako część wystawy grupowej na Sydney Fringe.
Lena Marquise jest urodzoną w Rosji, amerykańską artystką wizualną i performerką. Jej prace często poruszają tematy pracy seksualnej i cenzury, wywołując krytyczną reakcję za kontrowersyjny erotyzm. W 2014 roku, podczas Art Basel Miami, Marquise wystąpiła w instalacji „Body As Commodity” w VECTOR Gallery. W tym dziele sztuki ładowała telefony komórkowe za pomocą swojej waginy. Artysta muzyczny Usher odwiedził VECTOR Gallery 3 grudnia 2014 roku i wziął w niej udział, ładując swój telefon komórkowy wewnątrz instalacji. Była to topowa historia wygenerowana podczas Art Basel. VECTOR Gallery jest kuratorowana i prowadzona przez JJ Brine’a, który jest amerykańskim artystą wizualnym i galerzystą. Zwrócił na siebie uwagę i krytykę za wykorzystanie kontrowersyjnych wyobrażeń satanistycznych. Brine i Lena Marquise współpracowali wcześniej nad erotycznym satanistycznym filmem krótkometrażowym „The Visitor” napisanym przez Brine’a i wykonywanym przez Marquise jako biblijną Marię, gdzie masturbuje się nożem podczas śpiewania patriarchalnych wersetów jako komentarz do masowego okaleczania narządów płciowych w Egipcie.
W Japonii artystka Megumi Igarashi zwróciła uwagę na swoje prace przedstawiające waginy i sromy, które uważa za „zbyt ukryte” w Japonii w porównaniu z męskimi genitaliami. W lipcu 2014 r., Igarashi została aresztowana przez japońskie władze za rozpowszechnianie danych 3D jej sromu wśród uczestników jej kampanii crowdsource. Wykonała również rzeźby o tematyce waginy. Podczas gdy policja oskarżyła Igarashi za jej dzieła sztuki o tematyce sromu i waginy, w Japonii odbywa się kilka festiwali fallusa, w których uczestnicy paradują z masywnymi rzeźbami penisów, co jest praktyką uznaną przez władze za akceptowalną.
W 2015 roku Anish Kapoor, artysta nagrodzony Turner Prize, wywołał kontrowersje swoją rzeźbą zatytułowaną „Dirty Corner”, „masywny stalowy lej osadzony w łamanym kamieniu, umieszczony w ogrodzie…Pałacu Wersalskiego”, który, jak twierdzi, jest przedstawieniem waginy byłej królowej Francji. W 2016 roku Lori-Malépart Traversy zrealizowała animowany dokument o nierozpoznanej anatomii łechtaczki. W 2017 roku Alli Sebastian Wolf stworzył złoty model anatomiczny łechtaczki w skali 100:1, nazwany Glitoris i powiedział, ma nadzieję, że wiedza o łechtaczce wkrótce stanie się tak niekontrowersyjna, że robienie sztuki o nich będzie tak samo nieistotne, jak robienie sztuki o penisach.
W 2018 roku brytyjska artystka Laura Dodsworth stworzyła książkę i odpowiadający jej dokument, w którym znalazło się 100 fotografii wagin. Książka, nazwana „Womanhood”, pokazała każdą kobiecą waginę wraz z jej osobistą historią. Zawierała historie kobiet trans, kobiet, które doznały okaleczenia żeńskich narządów płciowych, kobiet, które urodziły i kobiet, które zostały zaatakowane seksualnie. zdecydowała się na ten projekt po sukcesie z mężczyznami w „Manhood” i chciała dać taki sam głos, jaki mieli mężczyźni, ale dla kobiet.