アマチュアはうまくいくまで練習するが、プロは間違えられないまで練習すると言われます。 表面的には、この格言に反論するのは難しいです。 8071>
音楽の世界では、一度に1つのタスクに取り組み、それを完了してから次のより困難なタスクに移るという、習得学習を信じている人が多いようです。 このアプローチで重要なのは、ミスを排除し、それ以外の場合は正しいことを得ることです。 フォーカスが重要です。 確かにこのアプローチは、多くの音楽の設定によく適していますが、それは常に最適な音楽的な成長のために最善ではないかもしれません。
根本的な問題は、音楽教育における多くの人が、音楽演奏の専門知識への最良の道の一部であると想定している、専門化です。 結局のところ、「何でも屋」になろうとする人は、「何でも屋」のままである可能性が高い、ということでしょうか。 アメリカの学校での器楽教育を見てみると、専門分化はよく認められた原則であることがわかります。 若い音楽家の勉強を、一つの楽器（例えば、学校のオーケストラやコンサートバンドに必要な楽器）、一つの音楽のスタイル（例えば、クラシックやクラシックに近い音楽）、一つの音楽の作り方（例えば、印刷された楽譜から出版された作品を練習しリハーサルする）に限定するのが典型的なやり方である。 8071>
しかし、新たな研究結果は、専門化という価値観が見直されるべきであると示唆している。 ジャーナリストのデビッド・エプスタインは、2019年の著書「Range」の中で、この研究をまとめています。 Why Generalists Triumph in a Specialized World (Epstein, 2019)」という本でまとめています。 著者は特に、エリートレベルの専門性に到達するためには、パフォーマーは通常約10年にわたる1万時間の意図的な練習を積み重ねなければならないという「1万時間ルール」に異議を唱えています。 1万時間ルールは、音楽、スポーツ、チェスなど複数の領域に適用されており、ベストセラーとなったマルコム・グラッドウェル著『Outliers』（2008）やジェフ・コルビン著『Talent is Overrated』（2008）が出版されてから、この10年間で人気が高まっている。
レンジでは、エプスチャインはエリートレベルの実行者の例として2人の有名スポーツ選手を使っています。 彼は、ゴルファーのタイガー・ウッズの偉大さへの道が、幼少期の専門化と多くの意図的な練習を含むことを認める一方で、彼はまた、幼少期に多くのスポーツをし、しばしば彼のテニス技術の体系的な練習を敬遠したテニスの偉大なロジャー・フェデラーを指摘しています。
タイガーとロジャーが、まったく異なる発達過程を通してエリートアスリートのパフォーマンスを達成したことを説明するために、エプスタインは、異なる領域で必要なスキルの種類を調べた心理学研究を挙げています。 例えば、チェスやゴルフのような領域では、パフォーマンスのフィードバックが明確かつ即座に行われ、繰り返し練習することで技術を磨き、専門知識を身につけます。 心理学者は、このような領域を「親切な」学習環境と分類している。 8071>
しかし、他の領域は、より「邪悪な」学習環境である。 エプスタインは、創造性を重視する領域では、高い成果を上げるには、専門化よりも興味の幅を広げることが最も有効であると論じている。 彼は、ノーベル賞受賞者を例に挙げ、彼らは、業績の低い人と比べて、多種多様な創造的な活動に従事している可能性が非常に高いと主張している。 エプスタインは、ノーベル賞受賞者のサンティアゴ・ラモン・イ・カハルが専門家の幅広い興味について述べた言葉を引用し、「彼らはエネルギーを散逸させているように見えるが、実際にはエネルギーを注ぎ、強化しているのだ」（Root-Bernstein et al.、2008、57頁）
音楽は「優しい」学習領域ですか、それとも「邪悪な」学習領域ですか？ この問いには、そう簡単には答えられない。 音楽の世界は非常に多様であり、多くのサブドメインで構成されている。 音楽演奏の中には、確実な演奏技術を磨くための練習を繰り返すことで成功に導くような、親切なものもあります。 8071>
音楽の学習環境に「親切」と「邪悪」というラベルを付けるのは難しいかもしれません。 ポピュラー音楽というジャンルは、しばしば定型的で限定的だと言われます (特に、ロックバンドを始めるために知っておかなければならないコードの数という点では、そうです)。 一方、クラシック音楽家を目指す人は、スケールやアルペジオなどのパターンをマスターし、レパートリーとして出てきたときに巧みに演奏できるようになることを期待されています。 音楽演奏のある側面は、限定された反復練習によって明らかに助けられるとはいえ、音楽家の学習体験に幅を持たせる理由はまだあるのです。
エプスタインは『Range』で音楽を具体的に考察し、17～18世紀のヨーロッパで、複数の楽器を使った経験によって初期の音楽的成長を遂げた一群の音楽家の物語を語っています。 この音楽的な幅、あるいは彼が言うところの「初期サンプリング期」によって、これらの音楽家は力強い音楽性を身につけ、音楽的に何でもすぐに手に入れることができるようになったのである。 8071>
確かに、幅広い音楽体験が、後に急成長するような特性を若者の中に生み出す可能性はありますね。 また、多くの若者は、学習活動の多様性によって、より意欲的になる可能性があります。 このような考え方は、早期専門化という一般的な「常識」の陰に隠れてしまっていることは確かだが、特に新しいものではない。 著名な音楽心理学者であるジョン・スロボダは、彼と同僚が1991年に完成させた、音楽的才能のある特別学校の10代の生徒にインタビューした研究をレンジで引用しています (Sloboda & Howe, 1991).
彼らのデータは、「単一の楽器での大量の初期練習は特に厳格で制約の多い体制下でしか可能ではなく、音楽性の本質であるという多くの主張がある遊び心を持った探究心を損ねるかもしれません」（20ページ）、と示唆したのです。 8071>
過度に専門化した音楽体験は、音楽の成長速度を妨げるだけでなく、成長期の音楽家が獲得する音楽性を制限する可能性もあります。 若い音楽家の創造性と自己表現の発達を願う私たちは、早すぎる専門化についての警告に特に注意を払う必要があります。 演奏の正確さに重点を置くと、洗練されたテクニックを生み出す反復練習が必要になりますが、創造性と自己表現の育成には、若い音楽家が難しい概念の問題に取り組むことが必要です。
この種の音楽学習は、生徒がいつそれを習得したかを知るのが難しいため、「雑然」とした印象を与えることがある。つまり、たとえば音楽家が適切なテンポですべての正しい音を演奏することを学ぶときのように、フィードバックが明確かつ迅速でない。 しかし、その欠点はパワーで補うことができます。 この雑多な学習は、芸術的創造性と真の自己表現に必要な幅広い理解を生み出すことができ、将来のさまざまな音楽的環境に容易に適用できる学習なのです。 8071>
さらに付け加えると、音楽教育における過去の研究では、レパートリーに焦点を当てた練習やリハーサルは、生徒が新しい音楽に移るときに持っていく一般化できる学習を確実に生み出さないことが指摘されています。 音楽教師が一般化可能な概念を明示的に教え、演奏のためのレパートリーを準備する際に生徒を問題解決に参加させない限り、曲から曲への学習伝達はほとんど行われません (Price & Byo, 2002; Lehmann, Sloboda, & Woody, 2007, ch.10)
おそらく音楽の中には、専門化が成長する音楽家に最も役立つ設定やサブジャンルが数多く存在するのだと思います。 しかし、音楽家が幅広い経験を積むことによって最も恩恵を受ける状況も、同様に存在すると考えられる。 少なくとも、意欲的な音楽家や音楽教師は、自分自身や生徒の音楽的成長のために考慮すべき2つの正当な選択肢として、幅と専門性を見るべきです。