Grayscale to Color: Digital Character Painting

Ciao e benvenuti al mio tutorial sulla pittura digitale dei personaggi! Clip Studio Paint è un ottimo programma, e come vedrete, abbiamo bisogno solo di alcuni dei suoi molti strumenti per fare un bel dipinto. Vedi fig. 1.

fig 1. I principali strumenti e finestre che useremo in questo dipinto

Prima di iniziare, lasciatemi spiegare cosa faremo. Dipingeremo un personaggio con proporzioni fondamentalmente umane, a colori. Lo faremo in due fasi generali. La fase 1 è una pittura in scala di grigi (o bianco e nero). Ci occuperemo del blocco del personaggio e del suo design generale. La fase 2 è quando aggiungeremo il colore e porteremo il pezzo ad una finitura renderizzata, adatta ad un portfolio o ad una commissione!

Fase 1: La fase della scala di grigi

Prima di tutto, iniziamo una nuova tela. Vai su File > Nuovo. Vedi fig. 2 per le impostazioni che ho usato, ma sentiti libero di usare le impostazioni che preferisci. Ora ti troverai di fronte a una delle cose più spaventose dell’arte: una tela bianca vuota, *gasp!*

fig 2. Le mie impostazioni durante la creazione della nuova tela

Ma non temete! Questo è precisamente il motivo per cui stiamo usando la tecnica scala di grigi-colore: dobbiamo preoccuparci solo dei valori per cominciare. Oh, a proposito, ‘valori’ e ‘scala di grigi’ si riferiscono alla stessa cosa. Vedi fig. 3.

fig 3. La scala di grigi

Questo rende il nostro processo decisionale molto meno stressante all’inizio. Quindi, uccidiamo il mostro della tela bianca con lo strumento ‘Fill’. Ho selezionato un grigio abbastanza chiaro per iniziare. Ho scelto questo valore perché tendo a volere molto spazio per andare più scuro (per aggiungere ombre e altri elementi scuri), e ho solo bisogno di un po’ di spazio per andare più chiaro. Vedi fig. 4.

fig 4. Riempire la tela con un grigio chiaro

Ok, è ora di iniziare a disegnare. Ho preso lo strumento Matita e ho scelto il pennello Matita ruvida. Il pennello che scegliete non deve essere fissato; scegliete qualsiasi cosa con cui vi sentite a vostro agio a disegnare. Clip Studio Paint offre così tante grandi scelte per questo, che quasi non si può sbagliare! Vedi la fig. 5 per le mie impostazioni.

fig 5. Le mie impostazioni iniziali a matita

Io blocco una costruzione grezza per il mio personaggio. Sarà una giovane ragazza con la testa inclinata verso l’alto. Indosserà un cappello e un cappotto, come se andasse a fare una fresca passeggiata invernale.

Nota che le mie linee non stanno solo delineando la silhouette; sono linee di costruzione. Sto costruendo il viso con i suoi piani principali, pensando al cranio sottostante e alla struttura generale della testa.

I piani della testa non sono l’obiettivo di questo tutorial, ma sono una cosa inestimabile che tutti gli artisti dovrebbero imparare, in quanto la conoscenza vi permetterà di disegnare la testa da qualsiasi angolazione.

Se state seguendo questo tutorial e avete solo voglia di dipingere con me, sentitevi liberi di copiare o ricalcare semplicemente il mio disegno! Dopo tutto, siamo concentrati sulla tecnica di pittura qui, non sui piani della testa. Vedi fig. 6.

fig 6. Sgrossatura di uno schizzo

Passando allo strumento Airbrush, ora blocco le decisioni di valore molto basilari: il personaggio sarà scuro, e lo sfondo rimarrà chiaro. Vedere la fig. 7 per le mie impostazioni dell’aerografo.

fig 7. Blocco dei gruppi di valori più basilari

Ho due cose da notare. Primo, sto ancora lavorando su un solo strato! Inoltre, riguardo alle mie scelte di pennelli: Sto sempre cambiando le impostazioni del pennello.

Nella fig. 7, potete vedere che ho la ‘Durezza’ impostata bassa. Lo cambio mentre lavoro, in base al tratto che voglio. Per esempio, se voglio fare un lavoro più fine, diciamo, sull’occhio – invece di cambiare il mio strumento del tutto, proverò prima semplicemente ad aggiungere più durezza all’aerografo.

Questo mantiene il flusso di lavoro in movimento, che massimizza il tempo in cui si interagisce con la propria arte, piuttosto che fissarsi sugli strumenti digitali.

Cambio anche la dimensione del mio pennello molto, in base al tratto che voglio. La fig. 8 mostra come diverse dimensioni del pennello dallo stesso strumento producono tratti che sembrano fatti da strumenti diversi!

fig 8. Utilizzo dell’aerografo per ottenere molteplici look

Sempre lavorando con l’aerografo, sto costruendo un’illuminazione diffusa sul viso del personaggio. Sto immaginando che la luce scenda dolcemente dall’alto. Questo significa che i piani rivolti verso l’alto riceveranno valori leggermente più chiari nella scala di grigi, i piani rivolti verso il lato saranno un po’ più scuri, e i piani rivolti verso il basso saranno i più scuri. Vedi fig. 9.

fig 9. Iniziare la modellazione della luce morbida sulle forme

Voglio che il personaggio abbia una leggera inclinazione, per non essere così rigido. Ho appena fatto una selezione e ho usato i widget incorporati dello strumento per ruotare la testa. Vedi fig. 10. Poi riempirò semplicemente i vuoti che sono rimasti con il pennello che ho già attivo.

fig 10. Aggiungere piccoli tocchi di asimmetria

Trasporto spesso la mia tela mentre dipingo. Questo è un retaggio dei miei giorni di pittura a olio, dove avevo uno specchio gigante dietro di me, che potevo usare per vedere il mio dipinto capovolto.

La ragione per cui gli artisti fanno questo è che “inganna” momentaneamente il tuo cervello nel pensare di vedere la tua immagine per la prima volta. Come tale, diventa molto ovvio dove sono gli errori. Inoltre porta alla luce cose a cui ci si abitua semplicemente mentre si crea qualcosa, nel bene e nel male.

Perché sto lavorando solo su un singolo livello, posso andare su Modifica > Trasforma > Capovolgi orizzontale. Vedi fig. 11.

fig 11. Capovolgere (speculare) il livello attivo

Voglio scurire alcune delle ombre. Lo farò con un livello speciale progettato per questo scopo! Aggiungete un nuovo livello con il pulsante mostrato in fig.12, delineato in rosso. Sulla destra della fig. 12, sto scegliendo la modalità Multiply.

fig 12. Creazione di un nuovo livello (a sinistra) e impostazione della modalità Moltiplica (a destra)

Questa modalità è specifica per scurire i toni. Quindi, anche se hai selezionato un valore chiaro, scurirà la tua immagine.

Scegli i valori chiari per scurire leggermente, e i valori scuri per scurire drasticamente. Sempre usando lo stesso aerografo di prima, applico un po’ di scurimento generale ai piani rivolti verso il basso, aumentando così il contrasto e il senso di luce sui piani rivolti verso l’alto! Vedi fig. 13.

fig 13. Scurire le aree per aggiungere accenti di modellazione e disegno alle forme

Quando avete finito questo passo, vi consiglio di impegnarvi con questo pulsante (fig. 14). Questo vi riporterà a lavorare con un solo livello.

Ora voglio fare un livello per gestire qualche schiarimento di valori. Aggiungerò un nuovo livello, ma questa volta lo imposterò in modalità Glow Dodge (vedi fig. 15.)

fig 15. Nuovo livello impostato sulla modalità Glow dodge

Questo è l’opposto della modalità Multiply: scegliendo un valore scuro i valori si schiariscono solo leggermente, mentre scegliendo un valore chiaro si schiariscono drasticamente. La fig. 16 è il risultato della pittura sul livello. Ho tenuto il pennello morbido, per imitare la luce molto diffusa proveniente dall’ambiente.

fig 16. Dipingere un po’ di luce

Ora che il personaggio sta prendendo forma, voglio inserire una sorta di sfondo/ambiente. Lo terrò relativamente astratto, per non distrarre dal personaggio. Ho creato questo tutorial durante una vera nevicata, quindi, ispirandomi alla vita reale, proponiamo un paese delle meraviglie invernale! Per fare i fiocchi di neve, userò lo strumento Aerografo, ma ora con il pennello Spray selezionato (vedi fig. 17.)

fig 17. Impostazioni del pennello spray

Farò dei fiocchi di neve, cercando di farli sembrare casuali, e anche posizionati strategicamente in modo che non interferiscano troppo con il nostro personaggio. Come al solito, qui giocherò con le molte impostazioni del pennello Spray, in modo da creare fiocchi di neve di tutte le dimensioni. La varietà è la chiave per far apparire qualcosa di organico! Vedere la fig. 18 per il risultato di questo passo.

fig 18. Giocare con varie dimensioni di fiocchi di neve

Ora selezionerò lo strumento Blend, che mi permette di mescolare e sbavare la pittura sulla tela, quasi come un vero dipinto ad olio o acrilico! Con questo strumento posso ottenere una parte della texture pelosa del cappello di lana. Prova ad usare tratti che vanno in direzioni multiple e casuali.

fig 19. Usare lo strumento Blend per un po’ di texture

E proprio così, abbiamo finito la fase della scala di grigi/valore! Una cosa da tenere a mente è che non abbiamo bisogno di arrivare al 100% di completamento in questa fase. Non sentite il bisogno di schiavizzare questa fase finché non è perfetta; conservate tutti quei piccoli dettagli per la fase successiva, quando lavoreremo a colori! Considero la fase della scala di grigi completata quando l’illuminazione è credibile, e stiamo usando la gamma desiderata di luci e ombre. Vedi fig. 20.

fig 20. Pronto per il colore!

Fase 2: La fase del colore

Sei pronto per un po’ di colore? Questo è il momento in cui questo metodo ripaga davvero, poiché la nostra illuminazione, il valore, la forma e il design sono già stati presi in considerazione! Inizieremo creando un nuovo livello e impostandolo sulla modalità colore. Vedi fig. 21. Questo preserverà le nostre decisioni di valore, e semplicemente smaltiamo il colore sopra.

fig 21. Creare un nuovo livello e impostarlo in modalità colore

La potenza di questo approccio sarà immediatamente evidente. Comincerò aggiungendo un po’ di rosso alle guance. Vedi fig. 22. Sto ancora usando il mio aerografo morbido per questo passo, anche se, come sempre, potete usare qualsiasi pennello vi dia i migliori risultati o vi sembri giusto!

fig 22. Il primo tratto di colore del pezzo

Potreste avere la domanda: quali colori sono appropriati per i toni della carne? Beh, questo è un argomento complicato. La vera risposta è: la pelle non è un colore, e nemmeno una gamma di colori. Infatti, qualsiasi colore può essere usato per la pelle, a seconda della tavolozza desiderata e dell’illuminazione. Ma se state appena iniziando con i toni della pelle, vi consiglio di rimanere nella gamma di colori della fig. 23 per questo passo.

fig 23. Ottenere tutte le aree colorate, usando questa gamma (in alto a destra) della ruota dei colori

Ci sarà un punto in cui il nostro attuale livello Colore esaurisce la sua utilità, e vorrete effettivamente che le vostre scelte di colore influenzino leggermente i valori sottostanti. Per ottenere questo, fai un nuovo livello e impostalo in modalità Overlay. Vedi fig. 24.

fig 24. Fare un nuovo livello, impostandolo in modalità Overlay

Overlay smaltisce il colore come prima, ma ha anche il potere di scurire o schiarire i valori. Sperimentate per avere un’idea! Vedere la fig. 25 per i miei progressi.

fig 25. Il colore ancora bloccato, sempre usando lo strumento Aerografo

Quando si isolano solo gli strati di colore, il dipinto è ridicolo! Dimostra che il vero lavoro pesante viene fatto con la nostra pittura in scala di grigi. (Vedi fig. 26 – LOL!)

fig 26. Gli strati di colore senza la pittura in scala di grigi (bleah!)

Lavorando con i miei due strati di colore (Nota: potete sempre tornare al vostro strato di colore originale, e/o lavorare entrambi gli strati simultaneamente) completerò la fase di velatura del colore. Vedi fig.27. Notate che, mentre c’è colore nel nostro dipinto ora, sembra … un po’ insipido, come un libro da colorare, piuttosto che un bel dipinto. Questo va bene! Ora passeremo alla fase di finitura.

fig 27. Finitura della fase di velatura del colore

Per finire questo quadro, dovremo dipingere in modo opaco. Cioè, mettere la pennellata sopra tutto. Lavoreremo ora con il colore e il valore insieme, per la prima volta nel nostro processo. Aggiungete un nuovo livello e mantenetelo nella sua modalità predefinita Normal. Vedi fig. 28.

fig 28. Fare un nuovo livello, impostato sulla modalità predefinita (Normal)

fig 29. Quando hai più di un livello, usa questa opzione per capovolgere/specchiare la tela

Perché ho messo questo personaggio in un ambiente blu, voglio che il blu di questo ambiente filtri la sua strada nella luce e nel colore sul personaggio. Per fare questo, sceglierò un blu abbastanza desaturato (cioè un blu vicino al grigio), e premerò leggermente con la mia tavoletta per influenzare i piani del personaggio che sono rivolti verso l’alto (ricordate la fig. 6!) Vedi la fig. 30 per le aree che ho scelto per aggiungere alcuni blu.

Tenete a mente che, premendo leggermente con la vostra tavoletta, sarete in grado di mescolare il colore sulla tela stessa. A volte mi capita anche di “sforare” il blu nel mio color picker (cioè, scegliere un colore troppo blu), ma premendo leggermente, arrivo alla miscela desiderata.

fig 30. Usando i blu con una pressione morbida della tavoletta per raffreddare alcuni dei toni della carne, mescolando il colore sulla tela

A questo punto, mi impegno con i miei strati. Li ho combinati in un solo strato. Non abbiate paura di fare questo! Può sembrare spaventoso all’inizio, ma col tempo è davvero utile per costruire la fiducia. Comunque, se hai paura di impegnarti e perdere i tuoi livelli, ti consiglio di salvare il file prima di combinare i livelli, poi salvare un nuovo file dove vai avanti e combini tutto. In questo modo puoi sempre tornare indietro.

fig 31. Appiattimento dei livelli (non abbiate paura!)

Ho pensato che le lentiggini sarebbero state adatte a questo personaggio. Usando il pennello Spray dello strumento Aerografo (lo stesso strumento che ho usato per i fiocchi di neve), e su un nuovo livello, spruzzo qualche lentiggine. Siccome l’ho fatto sul suo livello, posso ammorbidire l’effetto con il cursore dell’opacità del livello (vedi fig.32.) Posso anche usare lo strumento Gomma per eliminare le lentiggini che non voglio.

fig 32. Blocco alcune lentiggini su un nuovo livello

Passerò ora ad alcuni pennelli diversi per aiutare il dipinto a sembrare organico e tradizionale (che mi sembra più realistico e interessante.) Selezionerò lo strumento Acquerello e userò il pennello Acquerello. Vedere la fig. 33 per le mie impostazioni. Questo pennello applicherà il colore, così come strofinerà o sbaverà i colori che sono già presenti. Guardate i capelli in fig. 33 per vedere questo effetto sul dipinto.

(Nota: sono in grado di ottenere questo effetto di sbavatura solo perché sto lavorando con tutto su un singolo livello. Se tu stessi usando questo strumento su un livello separato, non sbaverebbe la pittura sui livelli sottostanti.)

fig 33. Un bel pennello in stile pittorico, che permette una sottile miscelazione dei colori

A parte la creazione di pennellate interessanti, in questa fase sono davvero concentrato sull’espansione della mia tavolozza. I capelli, per esempio, sono fatti di una miriade di colori. Il mio personaggio ha i capelli castano-rossicci, ma notate i sottili accenni di blu, e la varietà di rossi e marroni (sia saturi che smorzati) che esistono, tutti intrecciati insieme! Vedi fig. 34.

fig 34. La miriade di colori che esistono nei capelli

Tornando agli occhi, userò lo strumento Blend per sfumare la pittura a forma di ciglia. Vedi fig. 35.

fig 35. Lo strumento Blend usato per dipingere le ciglia

Sono passato allo strumento Matita e ho scelto il pennello Matita colorata per creare alcune pennellate più dure che aiuteranno a rendere più nitida la pittura. Sto usando pennellate sottili che si muovono nella direzione della forma. Vedi fig. 36. Questa tecnica è comunemente chiamata “tratteggio”.

fig 36. Usando il tratteggio come metodo per stringere il dipinto

Voglio qualche texture più pelosa sulla sua giacca e sul cappello, in particolare per le aree di lana bianca. Quindi, aggiungo un nuovo livello, e trovo uno strumento aerografo che mi permette di spruzzare un po’ di texture. Vedi fig. 37 per le mie impostazioni e come ho applicato le pennellate. Come ho fatto con le lentiggini, regolerò l’opacità del livello, così come cancellerò le aree per far sì che la texture si “accomodi” nel modo che mi piace.

fig 37. Un buon pennello per simulare una texture pelosa sulla giacca

Vedi la fig. 38 per i nostri progressi. Ci stiamo arrivando!

fig 38. I nostri progressi

Sto sempre valutando la resa delle forme. Sentivo che i suoi zigomi potevano essere un po’ più pronunciati. Sono passato ad un aerografo morbido con un pennello grande. Ho scelto un colore profondo, rossastro, e ho pennellato dolcemente un po’ di scurimento sotto lo zigomo, per aiutare il cambio di piano a sentirsi più pronunciato. Vedi fig. 39.

fig 39. Uso di un grande aerografo per approfondire l’area dello zigomo

Come mi sono mosso verso i tratti finali del dipinto, mi sono trovato ad usare il pennello ad acquerello rotondo abbastanza spesso. Vedi la fig. 40 per le mie impostazioni.

fig 40. Un’altra impostazione del pennello che uso spesso

Come ho lavorato su questa fase di colore, i fiocchi di neve sono stati lentamente dipinti via. Ora voglio aggiungerli di nuovo! Userò esattamente le stesse impostazioni del pennello Spray che ho fatto nella fase in scala di grigi, solo che questa volta includerò il colore nelle mie decisioni. Voglio che i fiocchi di neve siano più caldi dello sfondo blu. Alcuni dei fiocchi di neve saranno di un blu ciano molto desaturato (che è ancora più caldo dello sfondo blu saturo!) mentre altri fiocchi di neve avranno una tinta gialla. Ho trovato molto utile includere alcune particelle molto, molto, grandi con il pennello Spray, che ha aiutato a simulare un effetto di profondità di campo! Vedi fig. 41.

fig 41. Dipingere di nuovo i fiocchi di neve, usando due strati separati

Infine ingrandisco i capelli e dipingo alcune singole ciocche. Sto usando il pennello Round watercolor (fig. 40) per questo, con una dimensione del pennello molto piccola.

fig 42. Infine dipingo alcune singole ciocche di capelli

Fig. 43 mostra il livello di rendering che considero “finito” per questo pezzo. Ricorda che tu sei il tuo artista, e avrai le tue opinioni su come vorresti che le cose siano rese nel finale. Il tuo dipinto può essere più sciolto di questo o più stretto di questo; l’estetica del tuo lavoro dipende interamente da te, e il tuo gusto estetico è valido quanto il mio!

fig 43. Un primo piano dell’occhio finito

Bene gente, ce l’abbiamo fatta – il dipinto è finito! Vedi fig. 44.

fig 44. Il dipinto finito

Questo è un approccio molto versatile alla pittura digitale. Potete usarlo per dipingere tutti i tipi di personaggi, in tutti i tipi di illuminazione, con tutti i tipi di tavolozze – tutto con pochi semplici (ma potenti) strumenti in Clip Studio Paint. Spero che vi sia piaciuto seguirmi e vi auguro il meglio per il vostro lavoro! Questo è Marco Bucci, che si congeda!