Sono certo di due cose – tutti noi siamo molto orgogliosi delle canzoni che scriviamo e, al contrario, non siamo mai soddisfatti degli arrangiamenti delle canzoni. Quindi, come facciamo a creare un arrangiamento di canzoni che ci piacerà? Inoltre, come facciamo a far amare le nostre canzoni dalle etichette discografiche? Dalle stazioni radio? Gli ascoltatori di tutto il mondo? Per essere più precisi – come arrangiare una canzone come un professionista?
Si comincia con la creazione di un arrangiamento accattivante e dal suono professionale – quello che manterrà l’attenzione dell’ascoltatore e racconterà la storia della canzone.
Anche se tutti gli autori di canzoni affrontano il processo di arrangiamento con grande entusiasmo, il più delle volte si trasforma in un processo molto lungo dove sembra che i tentativi ed errori non finiscano mai. Come un paradosso, con più tempo investito – meno vicini al risultato desiderato siamo.
In questo post, Julian, l’arrangiatore musicale a noleggio di Supreme Tracks, ha creato una guida completa all’arrangiamento di canzoni in 10 passi garantita:
- migliorare drasticamente la qualità dell’arrangiamento delle tue canzoni
- insegnarti come i migliori arrangiatori affrontano il processo di arrangiamento
- risparmiarti un sacco di tempo che passeresti inseguendoti la coda
Questa guida è una sequenza di passi, quindi assicurati di seguire i passi nell’ordine presentato qui sotto.
In effetti, il consiglio più importante in questa guida è di attenersi alla sequenza dei passi di arrangiamento presentati qui sotto.
Perciò, eccoci qui.
Passo 1: Assicurarsi se la canzone funziona da sola
La canzone funziona da sola se la suonate su un piano o su una chitarra da soli mentre cantate? Se la canzone non è già “grande” da sola, nessuna quantità di produzione o di arrangiamento risolverà questo problema.
- Hai un ritornello forte?
- La linea melodica principale è a posto?
- Hai un buon “gancio” melodico o armonico?
Lavora sulla tua canzone fino a farla suonare grande “nuda”, solo con un piano/chitarra e voce. È di fondamentale importanza onorare questi passi. Una brutta canzone rimarrà una brutta canzone, anche con il miglior arrangiamento e produzione. Una buona canzone rimarrà una buona canzone, anche con una produzione meno che adeguata.
Pro tip: Non possiamo enfatizzare questo abbastanza… Assicurati di far suonare la tua canzone come una buona canzone prima di procedere al passo 2.
Step 2: Controllare quale genere(i) comprende la canzone
Prima di iniziare la sessione di arrangiamento/produzione, devi chiederti – quale genere(i) comprende la canzone?
Una volta deciso questo, può essere molto utile trovare un paio di tracce di riferimento. Le tracce di riferimento sono incredibilmente importanti sia nella fase di arrangiamento/produzione che in quella di mix/master di qualsiasi registrazione. Alcuni potrebbero dire, “Non voglio copiare nessuno perché voglio essere completamente originale.”
Ma la verità è che anche i professionisti al top – che sono molto originali – fanno costantemente riferimento ad altro materiale.
Che sia solo un ascolto leggero per ispirazione o per controllare come qualcun altro ha affrontato una certa situazione, tutti lo fanno ed è essenziale. È piuttosto difficile replicare qualcosa esattamente. Non preoccuparti di copiare qualcuno a meno che tu non lo stia letteralmente copiando nota per nota, strumento per strumento, ecc.
Pensa all’uso di tracce di riferimento come “essere parte della conversazione” della produzione musicale in generale.
Step 3: Conferma se la canzone ha una buona lunghezza. Tutte le diverse sezioni sono della lunghezza corretta e si completano a vicenda?
Questo passo rientra un po’ nel primo passo, “La canzone funziona da sola? Tuttavia, l’arrangiatore/produttore potrebbe voler modificare la forma della canzone per la registrazione. A volte il modo in cui un interprete suona la canzone dal vivo può essere diverso dalla versione in studio. Per la versione registrata, è molto importante che la canzone sia il più succinta possibile.
Step 4: Assicurati di avere una voce principale decente
“Quando inizio ad arrangiare e produrre una canzone, è imperativo avere una voce principale decente da cui lavorare. Senza di essa, puoi prendere delle decisioni piuttosto sbagliate”. – sostiene Julian.
Registrare la voce principale ti aiuterà a prendere decisioni durante l’arrangiamento.
Per esempio, senza sentire la voce potresti facilmente rendere l’arrangiamento troppo denso. Questo non solo si tradurrà in una registrazione finale meno che piacevole, ma renderà anche il lavoro del tuo tecnico del mix molto più difficile. Le canzoni meglio registrate hanno arrangiamenti che hanno il perfetto equilibrio della densità di produzione.
Tutti i diversi elementi di un arrangiamento/produzione dovrebbero avere il loro spazio e la loro gamma sonora.
Per esempio, non vuoi avere il basso che suona una linea e la tastiera che ne suona un’altra nella stessa gamma.
Step 5: Batteria e altri componenti ritmici
Oltre alla voce principale, la batteria/componenti ritmiche della canzone sono la parte più importante dell’arrangiamento. Occupano la maggior parte dello spazio sonoro, danno all’ascoltatore il “groove” e dettano una gran parte di come la canzone si sente.
Prima di tutto, la batteria dovrebbe essere acustica (reale) o campionata?
Ovviamente questo passo non è applicabile agli arrangiamenti ridotti (come piano/voce, voce e chitarra e archi, ecc.) Una volta capito questo, potresti voler ascoltare una delle tue tracce di riferimento.
Dove dovrebbe entrare la batteria? Dove dovrebbe uscire? Di quali schemi generali sarà responsabile la batteria?
Se il brano impiegherà un vero batterista, il tuo arrangiamento dovrebbe solo tracciare la direzione generale di ciò che il batterista dovrebbe suonare.
Non ossessionarti sulla programmazione dei fill o del feel. Un buon batterista prenderà queste decisioni per te.
Questo ci porta ad un altro punto. Hai bisogno di un grande batterista se hai intenzione di usare la batteria acustica. E la batteria deve essere registrata perfettamente.
Se la batteria non è registrata alla perfezione, tutta la tua canzone suonerà come se non fosse registrata alla perfezione. E ricordate, potete sempre sottrarre e rendere il suono grintoso e lo-fi. Basta scegliere quanti canali microfonici finiscono nel mix finale e che tipo di elaborazione viene utilizzata. Inoltre, non puoi usare solo un microfono mono sulla batteria e aspettarti che il mix finale suoni come una canzone country pop che ha appena colpito la radio da Nashville!
Step 5a: Batteria programmata
Se programmi la batteria da solo, devi pensare come un batterista. Il più delle volte, scrivere semplicemente i pattern sulla griglia porta a risultati dal suono piatto.
I migliori produttori escono con gusto dalla griglia e usano diverse velocità per dare un senso all’arrangiamento della batteria.
Dettagli come fare in modo che il kick e l’hi-hat non colpiscano tutti nello stesso momento rendono un arrangiamento più grasso.
Un vero batterista non sarebbe mai in grado di suonare questi tre elementi allo stesso tempo fino al millisecondo.
Ma ne traggono beneficio perché così le nostre orecchie sentono ogni elemento in modo un po’ più distinto. Quando produco, spesso spingo il kick avanti al beat di qualche millisecondo e spingo l’hi-hat indietro. Tutto questo dipende dalla canzone e deve essere regolato con gusto. Ci sono meravigliosi plugin “groove” per MIDI che cambieranno le velocità e i tempi sottilmente sulla vostra programmazione della batteria.
Ancora una volta, non potete semplicemente usare qualsiasi vecchio “feel”, ma con l’esperienza potete trovare quelli e modificarli per adattarli alla canzone.
Step 6: Basso ed elementi di basso
Una volta che la batteria è tracciata nel tuo arrangiamento, il basso (o elementi di basso) – nella maggior parte dei casi – viene dopo.
- Dove entra il basso nell’arrangiamento?
- Dove cade il basso?
- In quale gamma suona il basso nelle strofe e nei ritornelli?
Se è una canzone pop standard, vorrai assicurarti che il basso si “apra” nel ritornello, cioè che il basso non suoni tranquillamente in un registro alto quando il ritornello cade.
Se hai un “vero” bassista sul tuo brano, è un imperativo – proprio come la batteria – che sia registrato e suonato con competenza. Niente potrebbe essere peggio per la tua traccia se il basso manca di chiarezza, di basse frequenze e di groove.
Se hai un basso sintetizzato sulla tua traccia, sii cauto con i sub bassi e i preset “phat”. Se il sub-basso è l’unico basso nella vostra traccia, la patch deve essere progettata in modo tale che abbia alcune armoniche nella gamma media in modo che l’orecchio possa trovarlo quando si ascolta su altoparlanti che non hanno una buona risposta alle basse frequenze.
Per esempio, è possibile che non si sentano certe patch di sub-bassi sui portatili, sugli iPhone e su alcuni auricolari e impianti stereo per auto.
Può suonare in modo bestiale in studio o in un club con ottimi subwoofer, ma nel resto del mondo potrebbe scomparire completamente. L’opposto vale per i preset “phat”.
Potresti trovare un preset per un basso mentre lavori con uno dei tuoi synth preferiti che suona assolutamente enorme, ma quando si trova in un arrangiamento, uccide la traccia e non lascia spazio ad altro. Sii cauto con i bassi “stereo” e le patch che hanno un sacco di informazioni high-end.
Il più delle volte, vuoi una patch di basso che sia mono e non vada troppo in alto nello spettro delle frequenze. Ci sono però delle eccezioni!
L’esperienza ti aiuterà a prendere queste decisioni.
Step 7: Componente armonica principale
Le informazioni armoniche vengono dopo quando si impara ad arrangiare una canzone: chitarre, tastiere, synth, archi, ecc.
Questa parte dell’arrangiamento può essere piuttosto aperta e libera, ma penso sempre allo zio di Spider Man in questa situazione, sostituendo la parola potere con libertà – “da una grande libertà derivano grandi responsabilità”. E’ una buona idea controllare le tue tracce di riferimento per vedere quali strumenti potresti voler usare.
Il principale componente armonico trainante della canzone è uno strumento a tastiera o la chitarra?
Molte canzoni hanno la chitarra o il piano come principale strumento complementare alla voce principale.
Questo strumento più spesso che no suonerà per tutta la canzone. Una volta che hai capito questo, si tratta solo di riempire l’arrangiamento con materiale scelto.
Non si può davvero insegnare questo o imparare come farlo in un articolo. È tutta una questione di tentativi, errori ed esperienza. Vorrai usare i tuoi strumenti armonici per modellare il contorno della canzone.
Per esempio, nelle sezioni del ritornello, userai più delle tue fonti per rendere l’arrangiamento più denso e “phatter”. Per le sezioni delle strofe, è più probabile che tu lo renda più sottile.
Esempi classici sono raddoppiare le chitarre nella sezione del ritornello (e fare il panning a sinistra e a destra), o fare in modo che qualsiasi sorgente tu abbia passi dall’essere mono a stereo.
Pro tip: Se decidi di usare una sezione di ottoni o archi dal vivo nel tuo arrangiamento, dovrai assicurarti che le parti si adattino incredibilmente bene alla canzone. La maggior parte delle canzoni non può avere l’intricatezza di un arrangiamento per corno degli Earth, Wind, and Fire. La maggior parte delle volte, vorrete usare i fiati per riempire gli spazi con gustose linee semplici o per “imbottire” le parti in cui il cantante sta cantando. Lo stesso vale per gli archi. E mentre ci sono alcune incredibili librerie di campioni là fuori per gli archi e le trombe, molto spesso anche con una programmazione esperta, quelle librerie possono non essere all’altezza e far suonare la vostra produzione di cattivo gusto. Quindi, usale per la demo e l’arrangiamento, ma quando è il momento della produzione e del processo di registrazione, prendi una decisione saggia!
Step 8: Considerazioni sul pop contemporaneo e EDM
Una nota sui synth e sul pop contemporaneo e EDM: è molto importante ascoltare molta di questa musica e imparare come tutte le parti stanno insieme.
La migliore roba synth e EDM può sembrare molto densa (e a volte lo è), ma più spesso che no, tutti i synth lavorano insieme in modo sofisticato e complementare. E anche se ci possono essere molte patch e “suoni”, si tratta di essere sequenziali con loro, cioè, li senti uno dopo l’altro, non allo stesso tempo. O, ogni parte sta facendo la sua cosa nella sua gamma sonora.
Step 9: “Production Dust”
Qual è l’ultima fase quando si impara ad arrangiare una canzone? Polvere di produzione.
Per un arrangiamento acustico, questo può essere l’aggiunta di percussioni in varie parti dell’arrangiamento. Esempi classici sarebbero una parte di shaker che entra nella seconda strofa e un tamburello nel bridge.
In stili più contemporanei, questo sarebbe tutto il “rumore bianco” swooshes e gli effetti sonori come impatti, alzate, uplifters, downlifters, ecc.
Quando usi questi FX, è molto importante che si adattino alla canzone.
Per esempio, non un qualsiasi fascio di alzate funzionerà per qualsiasi arrangiamento. Ancora meglio, crea i tuoi FX per ogni canzone. Richiede più tempo ma può portare a risultati meravigliosi. Se usi FX pre-fatti (il che va benissimo) assicurati solo di avere accesso a molte librerie diverse in modo da non essere costretto a usare solo alcuni FX selezionati. Possono davvero spiccare in un album o EP se usi gli stessi più e più volte.
Step 10: Voci di sottofondo
Assumendo che la voce principale sia stata più o meno “fissata” per tutto il tempo durante la fase di arrangiamento/produzione, trovare delle voci di sottofondo (spesso chiamate BGV) rende davvero più piccante una traccia e le dà vita.
Come produttore/arrangiatore potresti avere delle idee su come dovrebbero essere i BGV, ma ho scoperto per esperienza che è meglio lavorare con i cantanti direttamente in studio. Alcuni buoni esempi di indicazioni che puoi dare ai tuoi cantanti sono:
- “Raddoppia quella linea nella strofa” così puoi accentuare una certa frase.
- “Canta il ritornello una terza sopra o sotto” così hai una traccia armonica.
- “Canta una parte in più così abbiamo un’armonia a tre parti”
Nota: l’armonia a tre parti può essere difficile. In generale, per le canzoni pop, mi attengo all’armonia a tre parti “da chiesa” e puoi imparare a mettere insieme quelle parti imparando ad armonizzare una scala di C Major. La successione delle note è la seguente: C major triad root position, D minor triad root position, C major triad 1st inversion, D minor triad 1st inversion, C major triad 2nd inversion, D minor triad 2nd inversion, back to C major root position. Notate l’esclusione del tono principale di 7° grado (B)! Quando c’è un tono principale nella melodia, dovrai lavorare i BGV intorno ad esso per adattarlo al contesto e al genere. Generalmente, solo un normale accordo di V voicing funzionerà, ma dovrai sentirlo.
Andare avanti nel processo di registrazione e produzione
Una volta che il tuo arrangiamento è finito, sei pronto per passare alla registrazione e/o al mixaggio.
Più spesso che no, l’arrangiamento o la produzione possono cambiare un po’. Per esempio, il processo di mixaggio potrebbe indicare che hai bisogno di sottrarre o aggiungere alcuni elementi dall’arrangiamento, e questo va benissimo ed è normale. Tutti i processi di registrazione di una canzone sanguinano l’uno nell’altro in una certa misura. Tieniti aggiornato su come sta suonando la canzone in termini di quadro generale.
Ascoltala rispetto alle tue tracce di riferimento.
Il prodotto finale è molto più importante di tutti i piccoli dettagli discussi in questa lista di controllo, ed è molto facile perdersi in tutti i particolari.
Una buona canzone è una buona canzone e suonerà bene indipendentemente da quello che si fa nel processo di arrangiamento e produzione musicale, finché l’arrangiatore/produttore non prende decisioni che distruggono la canzone.
Una brutta canzone è una brutta canzone e non importa quanta produzione/arrangiamento/miscelazione di alta qualità venga fatta, sarà sempre brutta. La qualità inizia dall’inizio ed è qualcosa che deve essere mantenuta fino al master finale.
Come arrangiare una canzone – Lista di controllo
Riassumiamo come arrangiare una canzone – segui questi passi per assicurarti che il tuo arrangiamento catturi gli ascoltatori.
- La canzone suona bene da sola?
- Forma e lunghezza della canzone sono state determinate
- Il genere(i) della canzone è stato determinato
- Sono state trovate le tracce di riferimento (1-3 riferimenti)
- È stato registrato uno scratch vocale decente
- Decisione presa – batteria acustica o batteria programmata?
- Le parti di batteria sono state mappate o programmate
- Le parti di basso sono state elaborate, completando la batteria
- Gli strumenti armonici (chitarre, tastiere, archi, ecc.) sono stati scelti e completati con gusto.) sono stati scelti con gusto e completano la melodia, il basso e la batteria
- La “polvere di produzione” (percussioni, FX, ecc.) è stata aggiunta con gusto
- Nessuno degli elementi nell’arrangiamento si scontra con l’altro
- Le idee per i BGV sono a posto
Così avete tutto. Buona fortuna con i tuoi arrangiamenti e ricorda – la pratica rende perfetti!
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