Te pedimos que votaras por el mejor álbum de debut de todos los tiempos. Y habéis votado por miles. Ejércitos de fans se reunieron en Internet para votar por sus grupos favoritos, y nosotros lo pusimos todo en una hoja de cálculo gigante y pulsamos el botón que lo clasificaba todo por orden de popularidad.
Algunos de los resultados no son sorprendentes. Son caras conocidas que están en posiciones conocidas.
Y algunos de los resultados son realmente sorprendentes. Hay tres álbumes en el Top 10 que -aunque merecen plenamente su estatus de clásicos- probablemente no habrían aparecido tan alto en las listas si los fans de esas bandas no se hubieran movilizado para depositar sus votos en grandes cantidades. Y eso no nos importa en absoluto.
Si hiciéramos la misma encuesta la semana que viene estamos seguros de que obtendríamos resultados diferentes, y de nuevo si la hiciéramos la semana siguiente. No pretendemos que sea definitiva ni mucho menos. Pero es una gran colección de álbumes clásicos, y un vívido recordatorio de la impresionante brillantez con la que muchas de nuestras bandas y artistas favoritos iniciaron sus carreras.
Gracias a todos los que han votado.
Roxy Music – Roxy Music
La aparición de Roxy Music en TOTP interpretando Virginia Plain fue tan abrasiva y emocionantemente extraña como Bowie haciendo Starman. Allí fue donde el gran público británico vio por primera vez a Ferry, Brian Eno sonriendo pícaramente detrás de su sintetizador, el saxofonista Andy Mackay vestido de amarillo y verde chispeante, el bajista Rik Kenton, el guitarrista Phil Manzanera, todo barba y gafas de sol, y el batería Paul Thompson, con su traje de piel de leopardo, la única concesión a la normalidad. Su álbum de debut, que lleva el mismo nombre, fue un choque de estilos y sonidos igualmente asombroso. La primera pista, Re-Make/Re-Model, la mejor canción con un estribillo basado en la matrícula de un coche, se abre con la algarabía de los invitados que se mezclan en una galería de arte, el entorno natural de Roxy. A partir de ahí, es un caos apenas controlado, todo graznidos de saxo, piano honky-tonk, guitarra gruñona y la perturbación del sintetizador de Eno: donde el rock’n’roll de los 50 se encuentra con el collage sonoro de vanguardia. O, teniendo en cuenta su archiprovocación, piensa en el punk cinco años antes de lo previsto. Puedo hablar, hablar, hablar, hablar, hablar hasta la muerte», se burla Ferry. Ladytron encuentra al cantante revisando tropos de romance pop (‘You’ve got me girl on the runaround, runaround’), pero el título de ciencia ficción/mundo de mañana evoca la distancia recorrida desde el Love Me Do de los Beatles.
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Jellyfish – Bellybutton
Formados en 1989 e inspirados por la música que habían descubierto en la radio FM mientras crecían en la California suburbana de los 70 – Los Beatles, los Beach Boys, Cheap Trick, ELO, 10cc, Fleetwood Mac, Wings y otros. El álbum de debut de Jellyfish estaba repleto de maravillosas canciones de pop-rock, armonías laberínticas, arreglos de cuerda y melodías tan evocadoras como un amanecer californiano. Las mejores sonaban como éxitos rotundos de las dos décadas anteriores que, de alguna manera, habían escapado a la memoria colectiva. Su tragedia fue que la banda emergió en el momento en que el negocio de la música nadaba en las aguas más oscuras y sombrías del grunge, y Jellyfish estaban condenados a ir a la deriva fuera del tiempo y del lugar.
Publicado en 1990, Bellybutton eran 10 canciones vibrantes llenas de ingenio e invención, con el brillo pop que se esperaba de un disco producido por Albhy Galuten, el tipo que había grabado Saturday Night Fever de los Bee Gees.
Roger Manning -una de las mitades de la dupla creativa de Jellyfish con Andy Sturmer- dijo que buscaban un sonido «en algún lugar entre Queen y la Patridge Family» y que si no encajaban en los años del grunge, su aspecto boho-psicodélico y su clasicismo finamente elaborado significaban que podías archivarles con espíritus retro de la época como los Black Crowes y World Party.
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The Struts – Everybody Wants
Everybody Wants (o como aparece en la portada, Everybody Wants… The Struts – ¿geddit?) es un álbum de rock’n’roll de la vieja escuela sin complejos, lo que, dado el desprecio actual de la cultura dominante por las guitarras, convierte a The Struts en la banda joven más valiente o más estúpida que existe. En cualquier caso, hay que reconocerles que no les importa lo más mínimo.
Pero está claro que la autoestima no es un problema aquí. El pegadizo tema de apertura Roll Up imagina un mundo de fantasía de Carry On en el que The Struts son jóvenes sultanes descarados que presiden un harén de (presumiblemente) obedientes «amores». Te daré la bienvenida con Lambrini y ginebra, el perfecto de los pecados», arrulla el cantante Luke Spiller, una parte Freddie Mercury, una parte Robin Askwith. Para cuando llega al estribillo, hace rodar sus «r» por todo lo que vale: «Rrrroll up, rrrroll up, rrrrrrrrroll for satisfaction». Desde su voz sonora y sus orgullosas y protuberantes encías hasta los vestidos de Zandra Rhodes que luce en el escenario, sería un reparto de ensueño en el largamente sugerido biopic de la difunta cantante. En un mundo de frontmans de rock estereotipados, tiene el descaro y el sentido del humor necesarios para aplastar a la competencia. ¿Cuántas otras estrellas del rock mundial en ciernes harían referencias a las revistas para chicos de los 90 («She’s my high street honey») y a la jerga escolar británica («She knows what she’s got, she’s so shit hot»), plenamente conscientes de que ambas cosas desconcertarán a los habitantes de Arsegrapes, Iowa? Me quito el sombrero por su descaro.
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Journey – Journey
El primer álbum de Neal Schon y Greg Rolle, alejado del escudo protector del seno de Santana, destaca la destreza musical de todos los participantes e incluye algunos de los mejores trabajos del batería Aynsley Dunbar. El álbum perfecto si buscas acrobacias instrumentales en lugar de un estribillo de los 40 principales.
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The Rolling Stones – The Rolling Stones
A menudo pasado por alto, invariablemente infravalorado, el álbum de debut homónimo de los Stones – inexplicablemente no disponible con su lista de canciones original en el Reino Unido en CD, aunque iTunes todavía puede obligar a una descarga precisa – captura la banda en su encarnación original como proveedores evangélicos de auténtico ritmo y blues. Tell Me, un atractivo facsímil del pop del Brill Building, es un buen presagio de un crédito compositivo de Jagger/Richards que pronto será dorado, pero tres cuartas partes de la docena de canciones del álbum son un batiburrillo de punzantes versiones de R&B. El perezoso shuffle de Honest I Do de Jimmy Reed, el slide de Brian Jones en I’m A King Bee de Slim Harpo, el contoneo delincuente de Keith en Carol de Chuck Berry: bases formativas sobre las que los Stones iban a construir la mejor banda de rock ‘n’ roll del mundo.
Incluso como nulidades, los Stones rezumaban arrogancia, dejando deliberadamente su nombre fuera de la portada incluso de su primer álbum (el subtexto: «Pronto sabrás quiénes somos»). Mick y Keef apenas exprimen sus jugos creativos, pero el sonido y la sorna ya están en su sitio, y aún así se las arregló para tomar el relevo de With The Beatles en el primer puesto de la lista de éxitos del Reino Unido.
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The Band – Music From Big Pink
Pasar el rato con Bob Dylan dio sus frutos: en 1968, The Band tenía sus canciones engrasadas y ajustadas, y el respaldo de Capitol Records para un debut que evitaba la experimentación de la época por canciones de raíz, terrosas, folclóricas y ricas en armonía ejemplificadas por The Weight. «Hace unos años, tocábamos y la gente lo llamaba nostalgia», señaló el bajista y vocalista Rick Danko. «Últimamente, vuelven a llamarlo música».
The Band tuvieron una gran influencia: todos, desde los Beatles, los Beach Boys y Grateful Dead, tomaron prestado su estilo country progresivo. A su vez, tomaron ideas de Desolation Row de Dylan, especialmente en Lonesome Suzie, que tiene una deuda con el trabajo de guitarra de Charlie McCoy. Hay grandes temas por todas partes. Caledonia Mission se encargó de Workingman’s Dead y de It’s Too Late To Stop Now de Van Morrison, y se escucha To Kingdom Come filtrarse a través de los Boys’ Holland.
Fuera del plano, The Band aborda Long Black Veil (habrían conocido la original de Lefty Frizzell) y se puso de palomitas en We Can Talk. Lo más destacado es la problemática voz de Manuel en In A Station, acompañada por el clavinet de Hudson, una pieza tan escasa que convenció a George Harrison de que podía dirigir a los Beatles hacia un nuevo territorio, citando a sus nuevos compañeros como «la mejor banda del universo». Los seis extras incluyen la charla pueblerina de Helm sobre Yazoo Street Scandal, de Robbie Robertson, una historia palurda sobre la actividad de los focos rojos, y Key To The Highway, de Charlie Segar. Merece la pena refrescarse con sus delicias, Big Pink es una maravilla de debut.
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Stiff Little Fingers – Inflammable Material
Explotando desde Belfast e insuflando nueva vida a una escena punk en decadencia, Stiff Little Fingers -liderados por el incendiario de garganta cruda Jake Burns- vieron cómo su álbum de debut Inflammable Material alcanzaba el Top 20 del Reino Unido en su lanzamiento en 1979. El sonido crudo y angustioso, influenciado en gran medida por los problemas irlandeses, Inflammable Material viró desde himnos punzantes como Suspect Device y White Noise hasta una versión notablemente madura de Johnny Was, de Bob Marley, que iluminó las florecientes habilidades del vibrante cuarteto.
«Belfast era un remanso en aquellos días, así que siempre íbamos a jugar a ponernos al día», dijo Burns a Classic Rock en 2017. «Cuando nos metimos en la música rock estábamos acostumbrados a que las bandas pasaran de largo por Irlanda del Norte. Calculamos que la única forma en que íbamos a escuchar música rock tocada en vivo era hacerlo nosotros mismos. fue nuestro estallido inicial de ira, comparable a los estallidos iniciales en el continente y en Nueva York.»
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Tom Petty & The Heartbreakers – Tom Petty & The Heartbreakers
El álbum de debut de Petty duraba sólo 10 temas y 30 minutos, pero bastaba con escuchar su canción estrella para ser alcanzado por un rayo. Aquí estaba el sonido del rock y el pop americanos clásicos que se iniciaban en una nueva era, y también una lección de cómo salir con una explosión.
¿Quién deja que una canción tan duradera como American Girl sea el último tema de su álbum de debut? Bueno, Tom Petty & The Heartbreakers, por ejemplo. Puede que American Girl sea la canción más conocida del álbum, pero TP&TH está repleto de canciones de raíz e himnos como The Wild One, Forever y Breakdown. Inusualmente, teniendo en cuenta lo americano que suena este debut, tuvo éxito primero en este lado del Atlántico.
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Patti Smith – Horses
Raramente ha habido una colisión tan cataclísmica de arte alto y bajo como cuando se publicó el álbum Horses de Patti Smith en el 75. En el momento de su publicación, Smith era más poeta que cantante, y el álbum surgió de sus lecturas y actuaciones en la iglesia de San Marcos de Nueva York en 1971.
Smith volcó su alma en Horses, especialmente en la primera canción, Gloria, con uno de los primeros versos más célebres de toda la historia del rock: «Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos» (algo que tomó de su poema Oath). Más declaración de autonomía y libertad personal que rechazo a su Dios personal, fundió con pulcritud el estridente poema en una versión acelerada y bastante deslenguada del clásico de rock garajero de Them que puso a los de Van Morrison en el mapa.
La revista Crawdaddy! calificó la canción de «declaración de existencia», pero para el resto de nosotros fue la fiesta de presentación de Smith, y no estamos hablando de algo sexual, a pesar de las provocadoras líneas sobre una «dulce jovencita follando en un parquímetro». La confusión nunca molestó a Smith. «Nunca he sido específico en cuanto al género, ni he querido serlo como artista o como ser humano». Igualmente incomprendida es Redondo Beach, que los críticos supusieron que trataba de una disputa entre dos amantes sáficos, uno de los cuales se suicidó. No es así. Se inspiró en una rara riña con su hermana Linda, que se marchó furiosa y no volvió esa noche.
En definitiva, Horses fue más una llamada a la acción que un verdadero álbum, que ayudó a engendrar una revolución cultural. «Me dirigía a los desheredados, a la gente de fuera de la sociedad, a la gente como yo», dice Patti. «Creo que Horses logró lo que esperaba. Habló a la gente que necesitaba escucharlo».
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Angel – Angel
Vestidos con trajes blancos vírgenes, Angel eran la antítesis del cuero negro y las tachuelas aggro de Kiss, los Beatles ‘buenos’ en relación con los Rolling Stones ‘malos’ de Kiss. Pero en realidad, Angel compartía el espectáculo de rock teatral de Kiss, junto con su incansable ética de trabajo, grabando seis álbumes entre los años 1975-’80. También compartieron la misma astucia en el marketing de la marca, lanzando su propio club de fans Earth Force y vendiendo collares, hebillas de cinturón, pósters y camisetas de la marca.
El debut autotitulado de Angel, de 1975, extrajo un sonido prog ganador, caracterizado por unas voces elevadas y operísticas y una musicalidad consumada. «Angel era como si Yes se encontrara con Led Zeppelin y Queen», dijo el guitarrista Punky Meadows, con bastante precisión.
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