De escala de grises a color: pintura digital de personajes

¡Hola y bienvenidos a mi tutorial sobre pintura digital de personajes! Clip Studio Paint es un gran programa, y como verás, sólo necesitamos algunas de sus muchas herramientas para hacer una pintura de buen aspecto. Ver fig. 1.

fig 1. Las principales herramientas y ventanas que utilizaremos en esta pintura

Antes de empezar, permíteme resumir lo que haremos. Vamos a pintar un personaje con proporciones básicamente humanas, a todo color. Lo vamos a hacer en dos etapas generales. La etapa 1 es una pintura en escala de grises (o en blanco y negro). Nos ocuparemos del bloqueo del personaje y de su diseño general. Etapa 2 es cuando vamos a añadir en el color y llevar la pieza a un acabado de representación, apto para una cartera o comisión!

Etapa 1: La fase de escala de grises

Primero, vamos a empezar un nuevo lienzo. Vaya a Archivo > Nuevo. Vea la fig. 2 para la configuración que he utilizado, pero siéntase libre de utilizar cualquier configuración que desee. Ahora te encontrarás con una de las cosas más aterradoras del arte: un lienzo en blanco, *gastos*

fig 2. Mi configuración al crear el nuevo lienzo

¡Pero no temas! Precisamente por eso usamos la técnica de escala de grises a colores: para empezar sólo tenemos que preocuparnos de los valores. Ah, por cierto, ‘valores’ y ‘escala de grises’ se refieren a lo mismo. Véase la fig. 3.

fig 3. La escala de grises

Esto hace que nuestra toma de decisiones sea mucho menos estresante al principio. Así que vamos a matar a ese monstruo del lienzo blanco con la herramienta ‘Relleno’. He seleccionado un gris bastante claro para empezar. Elegí este valor porque tiendo a querer mucho espacio para oscurecer (para añadir sombras y otros elementos oscuros), y sólo necesito un poco de espacio para aclarar. Ver fig. 4.

fig 4. Rellenando el lienzo con un gris claro

Bien, es hora de empezar a dibujar. Cogí la herramienta Lápiz y elegí el pincel Lápiz rugoso. No hay que fijarse en el pincel que elijas; elige cualquier cosa con la que te sientas cómodo dibujando. Clip Studio Paint ofrece tantas opciones para esto, que casi no puedes equivocarte. Vea la fig. 5 para mis ajustes.

fig 5. Mi configuración inicial del lápiz

Bloqueo en una construcción aproximada para mi personaje. Será una chica joven con la cabeza inclinada hacia arriba. Llevará un sombrero y un abrigo, como si fuera a dar un paseo invernal.

Nota que mis líneas no son sólo el contorno de la silueta; son líneas de construcción. Estoy construyendo la cara con sus planos principales, pensando en el cráneo que hay debajo y en la estructura general de la cabeza.

Los planos de la cabeza no son el centro de este tutorial, pero son algo inestimable que todos los artistas deberían aprender, ya que el conocimiento te permitirá dibujar la cabeza desde cualquier ángulo.

Si estás siguiendo este tutorial y simplemente te apetece pintar conmigo, ¡siéntete libre de copiar o calcar mi dibujo! Al fin y al cabo, aquí nos centramos en la técnica de pintura, no en los planos de la cabeza. Ver fig. 6.

fig. 6. Desbastando un boceto

Cambiando a la herramienta Aerógrafo, ahora bloqueo en decisiones de valor muy básicas: el personaje será oscuro, y el fondo permanecerá claro. Véase en la fig. 7 mi configuración del Aerógrafo.

fig 7. Bloqueo de los grupos de valores más básicos

Tengo que señalar dos cosas. Primero, ¡todavía estoy trabajando en una sola capa! Además, sobre mis opciones de pincel: Siempre estoy cambiando la configuración de los pinceles.

En la fig. 7, se puede ver que tengo la ‘Dureza’ ajustada a un nivel bajo. Lo cambiaré a medida que trabaje, basándome en el trazo que quiero. Por ejemplo, si quiero hacer un trabajo más fino, por ejemplo, en el ojo – en lugar de cambiar mi herramienta por completo, primero simplemente intentaré añadir más dureza al aerógrafo.

Esto mantiene el flujo de trabajo en movimiento, lo que maximiza el tiempo que estás interactuando con tu arte, en lugar de fijarte en las herramientas digitales.

También cambio mucho el tamaño de mi pincel, basado en el trazo que quiero. La fig. 8 muestra cómo varios tamaños de pincel de la misma herramienta producen trazos que parecen hechos con herramientas diferentes.

fig 8. Usando el aerógrafo para lograr múltiples aspectos

Todavía trabajando con el aerógrafo, estoy construyendo una iluminación difusa en la cara del personaje. Estoy imaginando que la luz desciende suavemente desde arriba. Esto significa que los planos que miran hacia arriba recibirán valores ligeramente más claros en la escala de grises, los planos que miran hacia los lados serán un poco más oscuros, y los planos que miran hacia abajo serán los más oscuros. Ver fig. 9.

fig. 9. Iniciando el modelado de luz suave sobre las formas

Quiero que el personaje tenga una ligera inclinación para que no sea tan rígido. Acabo de hacer una selección y utilizar los widgets incorporados en la herramienta para girar la cabeza. Véase la fig. 10. Luego simplemente rellenaré los huecos que quedan con el pincel que ya tengo activo.

fig 10. Añadiendo pequeños toques de asimetría

Doy la vuelta al lienzo a menudo mientras pinto. Esto es un remanente de mis días de pintor al óleo, donde tenía un espejo gigante detrás de mí, que podía usar para ver mi pintura volteada.

La razón por la que los artistas hacen esto es que momentáneamente «engaña» a tu cerebro para que piense que está viendo tu imagen por primera vez. Así, se hace muy evidente dónde están los errores. También saca a la luz cosas a las que simplemente te acostumbras a medida que creas algo, para bien o para mal.

Como sólo estoy trabajando en una sola capa, puedo ir a Editar > Transformar > Voltear horizontal. Ver fig. 11.

fig 11. Voltear (reflejar) la capa activa

Quiero oscurecer algunas de las sombras. ¡Lo haré con una capa especial diseñada para ello! Añade una nueva capa con el botón que se muestra en la fig.12, subrayado en rojo. En la parte derecha de la fig. 12, elijo el modo Multiplicar.

fig 12. Haciendo una nueva capa (izquierda), y poniéndola en modo Multiplicar (derecha)

Este modo es específicamente para oscurecer los tonos. Por lo tanto, incluso si usted tiene un valor de la luz seleccionada, se oscurece la imagen.

Elija los valores de la luz para oscurecer ligeramente, y los valores oscuros para oscurecer dramáticamente. Siguiendo con el mismo aerógrafo de antes, aplico un poco de oscurecimiento general a los planos que miran hacia abajo, aumentando así el contraste y la sensación de luz en los planos que miran hacia arriba. Ver fig. 13.

fig 13. Oscurecer áreas para añadir acentos de modelado y diseño a las formas

Cuando haya terminado con este paso, le recomiendo que se comprometa con este botón (fig. 14). Esto le hará volver a trabajar con una sola capa.

Ahora quiero hacer una capa para manejar algún aclaramiento de valores. Añadiré una nueva capa, pero esta vez la pondré en modo Glow Dodge (ver fig. 15.)

fig 15. Nueva capa ajustada al modo Glow dodge

Esto es como lo opuesto al modo Multiplicar: si se elige un valor oscuro sólo se aclararán ligeramente los valores, y si se elige un valor claro se aclararán drásticamente. La Fig. 16 es el resultado de pintar sobre la capa. Mantuve el pincel suave, como para imitar la luz muy difusa procedente del entorno.

fig 16. Pintando con algo de luz

Ahora que el personaje está tomando forma, quiero conseguir algún tipo de fondo/entorno allí. Voy a mantenerlo relativamente abstracto, como para no distraer del personaje. He creado este tutorial durante una nevada real, así que, inspirado en la vida real, ¡propongamos un país de las maravillas del invierno! Para hacer los copos de nieve, utilizaré la herramienta Aerógrafo, pero ahora con el pincel Pulverizar seleccionado (ver fig. 17.)

fig 17. Ajustes del pincel de pulverización

Haré algunos copos de nieve, intentando que tengan un aspecto aleatorio, y también colocados estratégicamente para que no interfieran demasiado con nuestro personaje. Como es habitual, aquí jugaré con los numerosos ajustes del pincel de pulverización, para crear copos de nieve de todos los tamaños. La variedad es la clave para que algo parezca orgánico. Véase la fig. 18 para ver el resultado de este paso.

fig 18. Jugando con varios tamaños de copos de nieve

Ahora seleccionaré la herramienta Fusión, que me permite mezclar y difuminar la pintura en el lienzo, ¡casi como una verdadera pintura al óleo o acrílica! Con esta herramienta puedo conseguir parte de la textura peluda del gorro de lana. Intenta utilizar trazos que vayan en varias direcciones al azar.

figura 19. Usando la herramienta Blend para conseguir algo de textura

¡Y así de fácil hemos terminado con la etapa de escala de grises/valores! Una cosa a tener en cuenta es que no necesitamos llegar al 100% de finalización en este paso. No sientas la necesidad de esclavizarte con esta etapa hasta que sea perfecta; guarda todos esos pequeños detalles para el siguiente paso, cuando trabajemos en color. Considero que la etapa de escala de grises se ha completado cuando la iluminación es creíble, y estamos utilizando la gama deseada de luces y sombras. Ver fig. 20.

fig 20. Listo para el color

Etapa 2: La fase de color

¿Estás listo para el color? Aquí es donde este método realmente vale la pena, ya que nuestra iluminación, el valor, la forma y el diseño ya se han solucionado. Empezaremos haciendo una nueva capa y poniéndola en modo Color. Véase la fig. 21. Esto preservará nuestras decisiones de valor, y simplemente glaseado el color en la parte superior.

fig 21. Haciendo una nueva capa y poniéndola en modo Color

El poder de este enfoque será inmediatamente evidente. Comenzaré añadiendo un poco de rojo a las mejillas. Ver fig. 22. Sigo utilizando mi aerógrafo suave para este paso, aunque, como siempre, puedes utilizar cualquier pincel que te dé los mejores resultados o que te parezca adecuado

fig. 22. El primer trazo de color de la pieza

Puede que te surja la pregunta: ¿qué colores son los adecuados para los tonos carne? Bueno, ese es un tema complicado. La respuesta real es: la piel no es un color, ni siquiera una gama de colores. De hecho, se puede utilizar cualquier color para la piel, dependiendo de la paleta que desees y de la iluminación. Pero si estás empezando con los tonos de piel, te recomiendo que te mantengas en la gama de colores de la fig. 23 para este paso.

fig 23. Obtención de todas las áreas coloreadas, utilizando esta gama (superior derecha) de la rueda de color

Habrá un punto en el que nuestra capa de color actual se queda sin utilidad, y en realidad querrás que tus elecciones de color afecten ligeramente a los valores que hay debajo. Para lograr esto, haga una nueva capa, y póngala en modo Superposición. Ver fig. 24.

fig 24. Haciendo una nueva capa, estableciéndola en modo Superposición

La superposición esmaltará el color como antes, pero también tiene el poder de oscurecer o aclarar los valores. Experimenta para sentirlo. Vea la fig. 25 para ver mi progreso.

fig 25. ¡El color sigue siendo bloqueado, todavía utilizando la herramienta Aerógrafo

Cuando se aíslan sólo las capas de color, la pintura es risible! Esto demuestra que el verdadero trabajo pesado se hace con nuestra pintura en escala de grises. (Ver fig. 26 – ¡LOL!)

fig 26. Las capas de color sin la pintura en escala de grises (¡puaj!)

Trabajando con mis dos capas de color (Nota: siempre se puede volver a su capa de color original, y/o trabajar ambas capas simultáneamente) voy a completar la fase de esmaltado de color. Ver fig.27. Observe que, si bien hay color en nuestra pintura ahora, se ve … un poco soso, como un libro de colorear, en lugar de una hermosa pintura. No pasa nada. Ahora pasaremos a la fase de acabado.

fig 27. Acabado de la fase de color-esmaltado

Para terminar este cuadro, tendremos que pintar de forma opaca. Es decir, poner pinceladas por encima de todo. Ahora trabajaremos con el color y el valor juntos, por primera vez en nuestro proceso. Añade una nueva capa y mantenla en su modo Normal por defecto. Ver fig. 28.

fig 28. Creando una nueva capa, ajustada al modo por defecto (Normal)

fig 29. Cuando tenga más de una capa, utilice esta opción para voltear/espejar el lienzo

Debido a que he colocado este personaje en un entorno azul, quiero que el azul de éste se filtre en la luz y el color del personaje. Para ello, elegiré un azul bastante desaturado (es decir, un azul cercano al gris), y presionaré ligeramente con mi tableta para que afecte a los planos del personaje que miran hacia arriba (¡recuerda la fig. 6!) Ver en la fig. 30 las zonas que estoy eligiendo para añadir algunos azules.

Ten en cuenta que, al presionar ligeramente con tu tableta, podrás mezclar el color en el propio lienzo. A veces incluso me «paso» del azul en mi selector de color (es decir, elijo un color demasiado azul), pero presionando ligeramente, llego a la mezcla deseada.

figura 30. Usando azules con una suave presión de la tableta para enfriar algunos de los tonos carne, mezclando el color en el lienzo

En este punto, me comprometo con mis capas. Los he combinado hasta una sola capa. ¡No tenga miedo de hacer esto! Puede sentir miedo al principio, pero con el tiempo es realmente útil para construir la confianza. Sin embargo, si usted es tímido para comprometerse y perder sus capas, recomiendo guardar el archivo antes de combinar las capas, a continuación, guardar un nuevo archivo en el que seguir adelante y combinar todo. De esta manera siempre se puede volver atrás.

fig 31. Aplanando las capas (¡no tengas miedo!)

Pensé que las pecas encajarían en este personaje. Usando el pincel de Spray de la herramienta Aerógrafo (la misma herramienta que usé para los copos de nieve), y en una nueva capa, rociaré algunas pecas. Como lo he hecho en su propia capa, puedo suavizar el efecto con el deslizador de opacidad de la capa (ver fig.32). También puedo usar la herramienta Borrador para eliminar las pecas que no quiero.

fig 32. Bloqueando algunas pecas en una nueva capa

Ahora cambiaré a algunos pinceles diferentes para ayudar a que la pintura tenga un aspecto orgánico y tradicional (que me parece más realista e interesante.) Seleccionaré la herramienta Acuarela y utilizaré el pincel Acuarela. Ver la fig. 33 para mis ajustes. Este pincel aplicará el color, así como frotar o difuminar los colores que ya están allí. Mira el pelo en la fig. 33 para ver este efecto en la pintura.

(Nota: Sólo soy capaz de lograr este efecto de mancha porque estoy trabajando con todo en una sola capa. Si utilizara esta herramienta en una capa separada, no emborronaría la pintura de las capas inferiores.)

figura 33. Un bonito pincel de estilo pictórico, que permite una sutil mezcla de colores

Además de crear pinceladas interesantes, en esta fase me centro en ampliar mi paleta. El pelo, por ejemplo, está hecho de una miríada de colores. Mi personaje tiene el pelo castaño rojizo, pero fíjate en los sutiles toques de azul y en la variedad de rojos y marrones (tanto saturados como apagados) que existen, ¡todos entrelazados! Véase la figura 34.

figura 34. La miríada de colores que existen en el pelo

Volviendo a los ojos, utilizaré la herramienta Mezcla para difuminar la pintura en forma de pestañas. Ver fig. 35.

fig. 35. La herramienta Mezcla utilizada para pintar pestañas

Cambié a la herramienta Lápiz y elegí el pincel Lápiz de color para crear algunas pinceladas más duras que ayudarán a afinar la pintura. Estoy utilizando pinceladas finas que se mueven en la dirección de la forma. Véase la fig. 36. Esta técnica se denomina comúnmente «sombreado»

fig 36. Utilizando la eclosión como método para ajustar la pintura

Quiero algo más de textura peluda en su chaqueta y en su sombrero, especialmente en las zonas de lana blanca. Por lo tanto, voy a añadir una nueva capa, y encontrar una herramienta de aerógrafo que me permite rociar en un poco de textura. Véase la fig. 37 para ver mis ajustes y cómo he aplicado las pinceladas. Al igual que hice con las pecas, ajustaré la opacidad de la capa, así como borraré zonas para conseguir que la textura se «asiente» como me gusta.

fig 37. Un buen pincel para simular una textura peluda en la chaqueta

Vea la fig. 38 para ver nuestro progreso. Lo estamos consiguiendo

fig 38. Nuestro progreso

Siempre estoy evaluando la representación de las formas. Me pareció que sus pómulos podrían ser un poco más pronunciados. Cambié a un aerógrafo suave con un tamaño de pincel grande. Escogí un color rojizo intenso, y con un pincel suave oscurecí un poco debajo del pómulo, para ayudar a que el cambio de plano se sintiera más pronunciado. Ver fig. 39.

fig 39. Utilizando un aerógrafo grande para profundizar en la zona del pómulo

A medida que avanzaba hacia los trazos finales del cuadro, me encontré utilizando el pincel de acuarela redondo con bastante frecuencia. Véase la fig. 40 para mis ajustes.

figura 40. Otra configuración del pincel que uso a menudo

Mientras trabajaba en esta fase de color, los copos de nieve se fueron pintando poco a poco. Ahora quiero volver a añadirlos. Utilizaré exactamente la misma configuración de pinceles de pulverización que utilicé en la fase de escala de grises, sólo que esta vez incluiré el color en mis decisiones. Quiero que los copos de nieve sean más cálidos que el fondo azul. Algunos de los copos de nieve serán de un azul cian muy desaturado (que sigue siendo más cálido que el fondo azul saturado), mientras que otros copos de nieve tendrán un tinte amarillo. Me ha resultado muy útil incluir algunas partículas muy, muy, grandes con el pincel de pulverización, lo que ha ayudado a simular un efecto de profundidad de campo. Véase la fig. 41.

Figura 41. Pintando de nuevo los copos de nieve, usando dos capas separadas

Finalmente voy a acercarme al pelo y pintar algunas hebras individuales. Para ello estoy utilizando el pincel de acuarela redondo (fig. 40), con un tamaño de pincel muy pequeño.

fig 42. Por último, pintar algunos mechones de pelo

La fig. 43 muestra el nivel de representación que considero «terminado» para esta pieza. Recuerde que usted es su propio artista, y tendrá sus propias opiniones sobre cómo le gustaría que las cosas fueran en la final. Su pintura puede ser más suelta que esto o más apretada que esto; la estética de su trabajo depende totalmente de usted, y su gusto estético es tan válido como el mío!

figura 43. Un primer plano del ojo terminado

Bueno amigos, lo hicimos – ¡el cuadro está terminado! Ver fig. 44.

fig 44. La pintura terminada

Este es un enfoque muy versátil para la pintura digital. Puedes usarlo para pintar todo tipo de personajes, con todo tipo de iluminación, con todo tipo de paletas – todo con unas simples (pero poderosas) herramientas en Clip Studio Paint. Espero que hayas disfrutado conmigo y te deseo lo mejor en tu trabajo. Este es Marco Bucci, despidiéndose!