Estoy seguro en dos cosas – todos nosotros nos sentimos muy orgullosos de las canciones que escribimos y, por el contrario, nunca estamos satisfechos con los arreglos de las canciones.. Entonces, ¿cómo hacemos para crear un arreglo de canción que nos encante? Además, ¿cómo hacemos para que nuestras canciones sean amadas por los sellos discográficos? ¿Las emisoras de radio? ¿Los oyentes de todo el mundo? Para ser más precisos, ¿cómo arreglar una canción como un profesional?
Empieza con la creación de un arreglo de canción atractivo y que suene profesional, que mantenga la atención del oyente y cuente la historia de la canción.
Aunque todos los compositores abordan el proceso de arreglos con gran entusiasmo, la mayoría de las veces se convierte en un proceso muy largo en el que parece que el ensayo y error nunca termina. Como paradoja, con más tiempo invertido – menos cerca del resultado deseado estamos.
En este post, Julián, el arreglista musical de Supreme Tracks en alquiler, creó una completa guía de arreglos de canciones en 10 pasos garantizados:
- mejorar drásticamente la calidad de los arreglos de tus canciones
- enseñarte cómo los mejores arreglistas realizan el proceso de arreglo
- ahorrarte un montón de tiempo que pasarías persiguiendo tu propia cola
Esta guía es una secuencia de pasos, así que asegúrate de seguir los pasos en el orden presentado a continuación.
De hecho, el consejo más importante de esta guía es ceñirse a la secuencia de los pasos de arreglo que se presentan a continuación.
Así que, allá vamos.
Paso 1: Asegúrate de si la canción funciona por sí sola
¿La canción funciona por sí sola si la tocas en un piano o en una guitarra sola mientras cantas? Si la canción no es «genial» por sí misma, ninguna producción o arreglo lo arreglará.
- ¿Tienes un estribillo fuerte?
- ¿La línea melódica principal está en su sitio?
- ¿Tienes un buen «gancho» melódico o armónico?
Trabaja en tu canción hasta que consigas que suene genial «desnuda», sólo con un piano/guitarra y la voz. Es de vital importancia cumplir con este paso. Una mala canción seguirá siendo una mala canción, incluso con el mejor arreglo y producción. Una buena canción seguirá siendo una buena canción, incluso con la producción menos adecuada.
Consejo profesional: No podemos enfatizar esto lo suficiente… Asegúrate de que consigues que tu canción suene como una buena canción antes de proceder al paso 2.
Paso 2: Comprueba qué género(s) abarca la canción
Antes de que comience la sesión de arreglos/producción, debes preguntarte: ¿qué género(s) abarca la canción?
Una vez decidido esto, puede ser muy útil encontrar un par de pistas de referencia. Las pistas de referencia son increíblemente importantes tanto en la fase de arreglo/producción como en la de mezcla/masterización de cualquier grabación. Algunos dirán: «No quiero copiar a nadie porque quiero ser completamente original»
Pero la verdad es que incluso los profesionales que están en la cima -que son muy originales- hacen constantemente referencias a otro material.
Ya sea una ligera escucha en busca de inspiración o para comprobar cómo otra persona abordó una determinada situación, todo el mundo lo hace y es esencial. Es bastante difícil replicar algo exactamente. No se preocupe por copiar a alguien a menos que esté copiando literalmente nota por nota, instrumento por instrumento, etc.
Piense en el uso de pistas de referencia como «parte de la conversación» de la producción musical en general.
Paso 3: Confirme si la canción tiene una buena longitud. ¿Son todas las diferentes secciones de la longitud correcta y se complementan entre sí?
Este paso cae un poco en el paso uno, «¿Funciona la canción por sí sola?». Sin embargo, el arreglista/productor puede querer modificar la forma de la canción para la grabación. A veces, la forma en que un intérprete toca la canción en directo puede diferir de la versión de estudio. Para la versión grabada, es muy importante que la canción sea lo más sucinta posible.
Paso 4: Asegúrate de tener una voz principal decente
«Cuando empiezo a arreglar y producir una canción, es imperativo tener una voz principal decente para trabajar. Sin ella, puedes tomar algunas decisiones bastante malas». – afirma Julian.
Grabar las voces principales te ayudará a guiarte en la toma de decisiones mientras arreglas.
Por ejemplo, sin escuchar la voz podrías fácilmente hacer el arreglo demasiado denso. Esto no sólo dará lugar a una grabación final poco agradable, sino que también dificultará el trabajo de tu ingeniero de mezclas. Las canciones mejor grabadas tienen arreglos que tienen el equilibrio perfecto de densidad de producción.
Todos los diferentes elementos de un arreglo/producción deben tener su propio espacio y rango sonoro.
Por ejemplo, no quieres que el bajo toque una línea y el teclado otra diferente en el mismo rango.
Paso 5: Batería y otros componentes rítmicos
Además de la voz principal, la batería/los componentes rítmicos de la canción son la parte más importante del arreglo. Ocupan la mayor parte del espacio sonoro, dan al oyente el «groove» y dictan gran parte de la sensación de la canción.
En primer lugar, ¿la batería debe ser acústica (real) o estar muestreada?
Obviamente, este paso no es aplicable a los arreglos despojados (como piano/voz, voz y guitarra y cuerdas, etc.). Una vez resuelto esto, puede escuchar una de sus pistas de referencia.
¿Dónde debería entrar la batería? ¿Dónde deberían salir? ¿Qué patrones generales tendrá la batería?
Si la pista va a emplear un baterista real, su arreglo debería simplemente trazar la dirección general de lo que el baterista debería tocar.
No se obsesione con la programación de los rellenos o la sensación. Un buen baterista tomará esas decisiones por ti.
Esto nos lleva a otro punto. Necesitas un gran baterista si vas a usar baterías acústicas. Y, la batería debe ser grabada perfectamente.
Si la batería no está grabada a la perfección, toda tu canción sonará como si no estuviera grabada con perfección. Y recuerda que siempre puedes restar y hacer que suene arenoso y lo-fi. Sólo tienes que elegir cuántos canales de micrófono acaban en la mezcla final y qué tipo de procesamiento se utiliza. Además, no puedes usar sólo un micro mono en la batería y esperar que la mezcla final suene como una canción country pop que acaba de salir en la radio desde Nashville!
Paso 5a: Batería programada
Si programas la batería tú mismo, tienes que pensar como un batería. La mayoría de las veces, escribir simplemente los patrones en la parrilla conduce a resultados de sonido plano.
Los mejores productores se salen de la parrilla con buen gusto y utilizan diferentes velocidades para dar sensación al arreglo de batería.
Detalles como asegurarse de que el bombo y el hi-hat no golpeen todos al mismo tiempo hacen que un arreglo suene más gordo.
Un baterista real nunca sería capaz de tocar esos tres elementos al mismo tiempo hasta el milisegundo.
Pero, se benefician de ello porque entonces nuestros oídos escuchan cada elemento un poco más distintivo. Cuando produzco, suelo adelantar el bombo unos milisegundos y retrasar el hi-hat. Todo esto depende de la canción y hay que ajustarlo con gusto. Hay maravillosos plugins de «groove» para MIDI que cambiarán las velocidades y los tiempos sutilmente en tu programación de batería.
Una vez más, no puedes usar cualquier «sensación», pero con experiencia puedes encontrar algunas y modificarlas para que se ajusten a la canción.
Paso 6: Bajo y elementos de bajo
Una vez que los tambores están mapeados en su arreglo, el bajo (o los elementos de bajo) -en la mayoría de los casos- viene a continuación.
- ¿Dónde entra el bajo en el arreglo?
- ¿Dónde se retira el bajo?
- ¿En qué rango toca el bajo en las estrofas y en los estribillos?
Si es una canción pop estándar, querrá asegurarse de que el bajo «se abre» en el estribillo, es decir, que el bajo no está tocando tranquilamente en un registro alto cuando cae el estribillo.
Si tienes un bajista «real» en tu pista, es un imperativo -al igual que la batería- que esté grabado y tocado de forma experta. Nada podría ser peor para su pista si el bajo carece de claridad, frecuencias bajas y groove.
Si tiene un bajo sintetizado en su pista, tenga cuidado con los subbajos y los presets «phat». Si el subgrave es el único bajo en su pista, el parche tiene que ser diseñado de tal manera que tenga algunos armónicos en el rango medio para que el oído pueda encontrarlo cuando se escucha en altavoces que no tienen una buena respuesta de gama baja.
Por ejemplo, es posible que no se escuchen ciertos parches de subgraves en ordenadores portátiles, iPhones y determinados auriculares y sistemas estéreo de automóviles.
Puede sonar de forma bestial en el estudio o en el club con excelentes subwoofers, pero en el resto del mundo puede desaparecer por completo. Lo contrario ocurre con los presets «phat».
Puede que encuentres un preset para un bajo mientras trabajas con uno de tus sintetizadores favoritos que suene absolutamente enorme, pero cuando se encuentra en un arreglo, mata la pista y no deja espacio para nada más. Tenga cuidado con los bajos «estéreo» y con los parches que tienen mucha información de gama alta.
La mayoría de las veces, querrá un parche de bajo que sea mono y que no vaya demasiado alto en el espectro de frecuencias. La experiencia le ayudará a tomar estas decisiones.
Paso 7: Componente armónico principal
La información armónica viene a continuación cuando se aprende a arreglar una canción: guitarras, teclados, sintetizadores, cuerdas, etc.
Esta parte del arreglo puede ser bastante abierta y libre, pero siempre pienso en el tío de Spider Man en esta situación, sustituyendo la palabra poder por libertad: «una gran libertad conlleva una gran responsabilidad». Es una buena idea comprobar las pistas de referencia para ver qué instrumentos quieres utilizar.
¿El componente armónico principal de la canción es un instrumento de teclado o una guitarra?
Muchas canciones tienen una guitarra o un piano como instrumento principal complementario a la voz principal.
Este instrumento suele sonar durante toda la canción. Una vez que tengas esto claro, se trata de salpicar el arreglo con material selecto.
No puedes enseñar esto o aprender a hacerlo en un artículo. Todo es cuestión de ensayo y error y experiencia. Querrás utilizar tus instrumentos armónicos para dar forma al contorno de la canción.
Por ejemplo, en las secciones del estribillo, utilizarás más de tus fuentes para que el arreglo sea más denso y «phatter». Para las secciones de las estrofas, lo más probable es que lo hagas más fino.
Los ejemplos clásicos son duplicar las guitarras en la sección de los coros (y panoramizarlas a izquierda y derecha), o hacer que cualquier fuente que tengas pase de ser mono a estéreo.
Consejo profesional: Si decides utilizar una sección de metales o cuerdas en directo en tu arreglo, deberás asegurarte de que las partes encajan increíblemente bien en la canción. La mayoría de las canciones no pueden tener la complejidad de un arreglo de vientos de Earth, Wind, and Fire. La mayoría de las veces, querrás utilizar las trompas para rellenar los espacios con líneas sencillas y sabrosas o para «rellenar» las partes en las que canta el vocalista. Lo mismo ocurre con las cuerdas. Y aunque hay algunas librerías de muestras increíbles para cuerdas y vientos, muchas veces, incluso con una programación experta, esas librerías pueden quedarse cortas y hacer que tu producción suene cursi. Por lo tanto, utilízalas para hacer demos y arreglos, pero cuando llegue el momento de la producción y el proceso de grabación, ¡toma una decisión sabia!
Paso 8: Consideraciones sobre el pop contemporáneo y la EDM
Una nota sobre los sintetizadores y el pop contemporáneo y la EDM: es muy importante escuchar mucha de esta música y aprender cómo encajan todas las partes.
El mejor material de sintetizadores y EDM puede sonar muy denso (y a veces lo es), pero la mayoría de las veces, todos los sintetizadores están trabajando juntos de una manera complementaria sofisticada. Y aunque haya muchos parches y «sonidos», se trata de ser secuencial con ellos, es decir, los escuchas uno tras otro, no al mismo tiempo. O, cada parte está haciendo su propia cosa en su propio rango sónico.
Paso 9: «Polvo de producción»
¿Cuál es la última fase cuando se aprende a arreglar una canción? Polvo de producción.
Para un arreglo acústico, esto puede ser añadir percusión en varias partes del arreglo. Los ejemplos clásicos serían una parte de shaker en la segunda estrofa y una pandereta en el puente.
En estilos más contemporáneos, serían todos los swooshes de «ruido blanco» y los FX de sonido como impactos, risers, uplifters, downlifters, etc.
Cuando uses estos FX, es muy importante que se ajusten a la canción.
Por ejemplo, no cualquier paquete de risers servirá para cualquier arreglo. Mejor aún, crea tus propios FX para cada canción. Lleva más tiempo pero puede dar resultados maravillosos. Si utilizas efectos prefabricados (lo cual está muy bien), asegúrate de que tienes acceso a muchas bibliotecas diferentes para no tener que usar sólo unos pocos efectos. Si usas los mismos una y otra vez, pueden sobresalir en un álbum o EP.
Paso 10: Voces de fondo
Suponiendo que la voz principal ha estado más o menos «fijada» todo el tiempo durante la fase de arreglos/producción, la creación de algunas voces de fondo (a menudo denominadas BGVs) realmente condimentan una pista y le dan vida.
Como productor/arreglista puedes tener ideas sobre lo que deberían ser las BGVs, pero he descubierto por mi experiencia que es mejor trabajar con el vocalista(s) directamente en el estudio. Algunos buenos ejemplos de indicaciones que puedes dar a tu(s) vocalista(s) son:
- «Dobla esa línea en el verso» para que puedas acentuar una determinada frase.
- «Canta el estribillo un tercio por encima o por debajo» para que tengas una pista de armonía.
- «Canta una parte adicional para que tengamos una armonía a tres voces»
Nota: la armonía a tres voces puede ser complicada. En general, para las canciones pop, me quedo con la armonía a tres partes «de iglesia» y puedes aprender a juntar esas partes aprendiendo a armonizar una escala de Do Mayor. La sucesión de notas es la siguiente: Posición de la raíz de la tríada de do mayor, posición de la raíz de la tríada de re menor, primera inversión de la tríada de re menor, segunda inversión de la tríada de do mayor, segunda inversión de la tríada de re menor y vuelta a la posición de la raíz de do mayor. Observe la exclusión del tono principal de 7º grado (Si). Cuando hay un tono principal en la melodía, tendrá que trabajar BGVs alrededor de él para adaptarse al contexto y al género. Por lo general, un acorde V normal funcionará, pero tendrás que escucharlo.
Avanzando en el proceso de grabación y producción
Una vez que su arreglo está terminado, está listo para pasar a la grabación y/o mezcla.
Muchas veces, el arreglo o la producción pueden cambiar un poco. Por ejemplo, el proceso de mezcla puede indicar que necesitas restar o añadir ciertos elementos del arreglo, y esto está totalmente bien y es normal. Todos los procesos de grabación de una canción se mezclan entre sí en cierta medida. Simplemente manténgase al tanto de cómo está sonando la canción en términos de la imagen general.
Escúchela contra sus pistas de referencia.
El producto final es mucho más importante que todos los pequeños detalles discutidos en esta lista de control, y es muy fácil perderse en todos los detalles.
Una buena canción es una buena canción y sonará muy bien sin importar lo que se haga en el proceso de arreglo y producción musical, siempre y cuando el arreglista/productor no tome decisiones que destruyan la canción.
Una mala canción es una mala canción y por más que se haga una producción/arreglo/mezcla de alta calidad, siempre será mala. La calidad empieza desde el principio y es algo que debe mantenerse hasta el master final.
Cómo arreglar una canción – Lista de comprobación
Resumamos cómo arreglar una canción – siga estos pasos para asegurarse de que el arreglo de su canción cautiva a los oyentes.
- ¿Suena bien la canción por sí sola?
- Se ha determinado la forma y la longitud de la canción
- Se ha determinado el(los) género(s) de la canción
- Se han encontrado pistas de referencia (1-3 referencias)
- Se ha grabado una voz de raspado decente
- Se ha tomado una decisión: ¿batería acústica o batería programada?
- Se han mapeado o programado partes de batería
- Se ha trabajado la(s) parte(s) de bajo, complementando la batería
- Los instrumentos armónicos (guitarras, teclados, cuerdas, etc.) han sido elegidos con buen gusto y complementan la melodía, el bajo y la batería
- El «polvo de producción» (percusiones, FX, etc.) ha sido añadido con buen gusto
- Ninguno de los elementos del arreglo choca entre sí
- Las ideas para los BGVs están en su sitio
Así que ahí lo tienes. La mejor de las suertes con tus arreglos y recuerda: ¡la práctica hace la perfección!
Acerca de Supreme Tracks
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