Fotokreditering: iTunes
Mellemspillet begyndte som et overgangsmoment, hvor publikum kunne få vejret mellem akterne i et teaterstykke eller en film. I dag bruges interludes oftest som et pitstop; en mulighed for at rekalibrere og fokusere vores ører på det større billede. Kunstnere er begyndt at bruge dette rum som et middel til at skabe momentum og forbinde tematiske punkter.
For eksempel bruger Kendrick Lamar interludes til at tage den amerikanske kapitalisme og Djævelen til indtægt på To Pimp A Butterfly; 6LACK bruger “Thugger’s Interlude” på East Atlanta Love Letter til at takke trap-musikken for at holde hans hoved oven vande i en turbulent romantisk tid; og Boogies frustrationer giver næring til de kærlighedsfulde bekendelser i “Lolsmh (Interlude)” på en måde, der formår at overgå det allerede skarpe budskab på hans debutalbum Everythings For Sale.
De bedste interludes giver et øjeblik til at reflektere over det, vi har hørt, og det øverste niveau af interludes bruger minutiøse detaljer til at gøre dette stop så engagerende som muligt.
“Jeg kan ikke være et enestående udtryk for mig selv. Der er for mange dele, for mange rum, for mange manifestationer” -Solange Knowles (“Can I Hold The Mic (Interlude)”)
På When I Get Home finder Solange Knowles en delikat fodfæste mellem det indtagende og det distancerede. Hendes nyligt udgivne album er en afdæmpet og dyster hyldest til hendes hjemby Houston, en slikfarvet plade draperet med et sepia regnslag. Den variation, som Solange længes efter på “Can I Hold The Mic? (Interlude)” forstærkes af de drømmende beskrivelser på det forudgående nummer “Way To The Show”, mens “Nothing Without Intention (Interlude)” bruger titelsætningen fra en Goddess Lula Belle-video om Florida Water til at fremhæve Solanges kærlighed til – og genbrug af – “Black-owned things.”
Hvis selve When I Get Home er den afrofuturistiske kunstinstallation, så er de gennemgående interludes blå tegninger til udstillingen. De er grundsten, der venter på at blive samlet af lytterne, ligesom de blåtryk, Solange brugte til at promovere albummet.
When I Get Home er ikke kun en hyldest til de gader i H-Town, der opfostrede Solange, men en hyldest til ideen om, at sorte mennesker verden over fortjener et Houston, der er deres eget. Ingen utopi som denne kan eksistere uden den sorte kvindelighed, som er vores kulturs livsblod. Disse ting, der ejes af sorte, skal komme et eller andet sted fra. Solange bruger disse og andre interludes til at tegne et sammenhængende billede af de ambitioner, håb og drømme, der giver fødsel til Black Houston.
Omvendt bruger Queens-emcee Deem Spencer interludes til at gennemgå murbrokkerne fra et ødelagt fundament. På sit tankevækkende 2019-album Pretty face beskriver Spencer sammenbruddet af et langvarigt forhold og de bølger af sorg og håb, der kommer af at samle stumperne op.
Spencers poesi overvældes ofte af hans valgte produktion, som at føre en telefonsamtale, mens man befinder sig i et overfyldt supermarked. På Pretty face er mellemspillene med til at styrke en klarhed for lyttere, der er opmærksomme på den aktuelle historie.
“shorty pt. 1” begynder med en kvindestemme, der afskærmer skjulte følelser med et halvhjertet svar på et spørgsmål, som vi ikke hører: “Jeg tror det. Jeg har det fint. Intet galt, skat. Don’t even worry about it.” Vi kan mærke angsten, der presser hvert ord, og det samme kan Spencer, der dedikerer den næste sang, “how beautiful”, til at kurrere om, ja, hvor smuk hans shorty er for ham.
Lille samtaler er spækket over hele projektet og fungerer som nagende påmindelser om tvivlsomme øjeblikke, der giver brændstof til Spencers nyfundne selvkærlighed. Mens interludierne på When I Get Home er med til at skabe atmosfære, trækker de her Spencer og hans eks-kæreste det hele ud af øjnene og giver et 20/20-øjeblik på en fortælling om 20-somethings, der analyserer romantikken i den digitale tidsalder. Mellemspillene trækker os tættere på Deem’s sorg og giver albummet og hans efterfølgende følelser en meget værdsat tyngde. Disse pauser tilføjer menneskelighed og troværdighed til projektet, som ellers ville blive savnet.
Det er ikke nogen let opgave at knække sine usikkerheder op for verden at være vidne til. Spørg bare Sylvan LaCue, der bruger interludes på hele sit 2018-album Apologies In Advance til at fortælle en historie om afslutning og healing, der minder meget om hans egen historie. Apologies er skåret ind i flere tilfælde af gruppeterapi på det fiktive AIA Center, som enten tilføjer et udråbstegn til den foregående sang eller varsler temaet for den næste.
Konceptet bevæger sig i takt; hvert par sange fører til endnu en afslørende paneldiskussion. Den rå deling på “Step 2: Getting Uncomfortable” er en portal ind til Sylvans indre kampe på “Head Games”. Samtaler om skyldfølelse over ikke at arbejde hårdt nok (“Step 7: What We Deserve”) bløder over i en vaskebog over personlige problemer, der skal løses på et nummer, der ironisk nok hedder “Coffee Break”.”
Det vigtigste intermezzo på albummet kommer til allersidst, når accept til sidst fører til frihed (“Step 12: Apology Accepted”), og Sylvan kigger mod fremtiden med nøglen i hånden (“5:55”). Og alt det, der skulle til, var en lille terapi mellem sangene.
Mens alle tre album værdsætter accept frem for alt andet, så tilfredsstiller Apologies en pang af sult efter struktur i kampen for indre fred, og den sult ville rumle meget mere stille uden hjælp fra interludes.
Interludes er dog mere end plads til, at ideer kan komme og gå. Interludes er bindeleddet mellem ideer og et middel til at syntetisere en plades tankevirksomhed inden for rammerne af en mental pause. Det er svært at vade gennem mentale farvande, når der stadig løber en elektrisk strøm igennem dem, men ved at forbinde forskellige veje, der er bygget for at konkretisere disse idéer, er interludes i stand til at fordoble som mad til eftertanke.
Som de unge siger, levels.