I am certain in two things – all of us take great pride in the songs we write and, on the opposite, we are never satisfied with song arrangements. Então, como vamos criar um arranjo de canções que vamos adorar? Além disso, como fazemos as nossas músicas serem adoradas pelas gravadoras? Estações de rádio? Ouvintes de todo o mundo? Para ser mais preciso – como arranjar uma música como um pro?
Começa com a criação de um arranjo de canções apelativo e profissional – aquele que vai manter a atenção do ouvinte e contar a história da canção.
Embora todos os compositores abordem o processo de arranjo com grande entusiasmo, na maioria das vezes ele se transforma num processo muito longo onde parece que o julgamento-e-erro nunca termina. Como um paradoxo, com mais tempo investido – menos perto do resultado desejado estamos nós.
Neste post, Julian, arranjador musical de Supreme Tracks para contratação, criou um guia de arranjo musical abrangente, com 10 passos garantidos:
- melhorar dramaticamente a qualidade do arranjo das suas músicas
- ensinar-lhe como os melhores arranjadores fazem os arranjos
- poupar-lhe muito tempo que passaria a perseguir a sua própria cauda
Este guia é uma sequência de passos, por isso certifique-se de seguir os passos na ordem apresentada abaixo.
De facto, a dica mais importante neste guia é seguir a sequência dos passos de arranjo apresentados abaixo.
Então, aqui vamos nós.
Passo 1: Tenha a certeza que a canção funciona por si só
A canção funciona por si só se a tocar num piano ou numa guitarra sozinha enquanto canta? Se a canção ainda não estiver “grande” por si só, nenhuma quantidade de produção ou arranjos irá resolver isto.
- Tens um coro forte?
- É a linha melódica principal no lugar?
- Tens um bom “gancho” melódico ou harmónico?
Trabalha na tua canção até a fazeres soar bem “nua”, apenas com um piano/guitarra e voz. É de importância crítica honrar estes passos. Uma má canção continuará sendo uma má canção, mesmo com o melhor arranjo e produção. Uma boa canção permanecerá uma boa canção, mesmo com uma produção menos que adequada.
Dica de Pro: Não podemos enfatizar esta aqui o suficiente… Certifique-se de fazer com que a sua canção soe como uma boa canção antes de prosseguir para o passo 2.
Passo 2: Verifique Qual o(s) género(s) da canção Encompass
Antes do início da sessão de arranjo/produção, deve perguntar a si mesmo – que género(s) abrange a canção?
Após isto estar decidido, pode ser muito útil encontrar um par de faixas de referência. As faixas de referência são incrivelmente importantes tanto na fase de arranjo/produção como na fase de mixagem/masterização de qualquer gravação. Alguns podem dizer, “Eu não quero copiar ninguém porque quero ser completamente original”
Mas a verdade é que, mesmo os profissionais no topo – que são muito originais – estão constantemente referenciando outro material.
Se for apenas uma escuta leve para inspiração ou para verificar como alguém abordou uma determinada situação, todos o fazem e isso é essencial. É muito difícil replicar algo exatamente. Não se preocupe em copiar alguém a menos que você esteja literalmente copiando nota por nota, instrumento por instrumento, etc.
Pense em usar faixas de referência como “sendo parte da conversa” da produção musical em geral.
Passo 3: Confirme se A Canção Tem um Bom Comprimento. As Diferentes Seções São A Comprimento Correcto e Se Complementam entre si?
Este passo cai um pouco no passo um, “A Canção Funciona por Si Própria? No entanto, o arranjador/produtor pode querer modificar a forma da canção para a gravação. Por vezes a forma como um intérprete toca a canção ao vivo pode ser diferente da versão em estúdio. Para a versão gravada, é muito importante que a música seja o mais sucinta possível.
Passo 4: Make Sure You Have a Decent Scratch Lead Vocal
“Quando eu começo a fazer arranjos e a produzir uma música, é imperativo ter um vocal de arranhão decente para trabalhar. Sem ele, você pode tomar algumas decisões muito ruins”. – afirma Julian.
Recording lead vocals will help you in your decision-making while arranging.
For example, without hearing the vocal you could easily make the arrangement too dense. Isto não só resultará numa gravação final menos que agradável, mas também tornará o trabalho do seu engenheiro de mixagem muito mais difícil. As músicas mais bem gravadas têm arranjos que têm o equilíbrio perfeito de densidade de produção.
Todos os diferentes elementos de um arranjo/produção devem ter seu próprio espaço e alcance sônico.
Por exemplo, você não quer ter o baixo tocando uma linha e o teclado tocando uma linha diferente na mesma faixa.
Passo 5: Bateria e Outros Componentes Rítmicos
Antes do vocal principal, a bateria/componentes rítmicos da música são a parte mais importante do arranjo. Eles ocupam o espaço mais sônico, dão ao ouvinte o “groove” e ditam uma grande parte de como a música se sente.
Primeiro, caso a bateria seja acústica (real) ou sampleada?
Obviamente este passo não se aplica a arranjos despojados (como piano/vocais, voz e guitarra e cordas, etc.). Uma vez que isso seja descoberto, você pode querer ouvir uma de suas faixas de referência.
Onde a bateria deve entrar? Onde eles devem sair? Por quais padrões gerais a bateria será responsável?
Se a faixa empregar um baterista de verdade, seu arranjo deve apenas traçar a direção geral do que o baterista deve tocar.
Não fique obcecado com os preenchimentos de programação ou com a sensação. Um bom baterista tomará essas decisões por você.
Isso nos leva a outro ponto. Você precisa de um ótimo baterista se você vai usar tambores acústicos. E, a bateria deve ser gravada perfeitamente.
Se a bateria não for gravada com perfeição, toda a sua música soará como se não tivesse sido gravada com perfeição. E lembre-se, você pode sempre subtrair e fazer com que ela soe com grão e lo-fi. Basta escolher quantos canais de microfone acabam na mixagem final e que tipo de processamento é usado. Além disso, você não pode usar apenas um microfone mono na bateria e esperar que a mixagem final soe como uma música country pop que acabou de tocar na rádio de Nashville!
Passo 5a: Bateria programada
Se você mesmo programar a bateria, você tem que pensar como um baterista. Na maioria das vezes, apenas escrever nos padrões da grade leva a resultados de som plano.
Os melhores produtores saem da grade com bom gosto e usam velocidades diferentes para dar a sensação de que o arranjo da bateria.
Detalhes como ter certeza de que o chute e o hi-hat não batem todos no mesmo momento fazem um arranjo soar mais gordo.
Um verdadeiro baterista nunca seria capaz de tocar esses três elementos ao mesmo tempo até milissegundos.
Mas, eles se beneficiam disso porque então nossos ouvidos ouvem cada elemento um pouco mais distintamente. Ao produzir, muitas vezes vou empurrar o pontapé para a frente do ritmo por alguns milissegundos e empurrar o hi-hat para trás. Tudo isso depende da canção e tem que ser discado com gosto. Existem plugins “groove” maravilhosos para MIDI que irão mudar as velocidades e o timing subtilmente na sua programação de bateria.
Once novamente, não pode simplesmente usar qualquer “feel” antigo, mas com experiência pode encontrar e modificar os plugins para se adaptarem à canção.
Passo 6: Baixo e Elementos de Baixo
Após a bateria ser mapeada no seu arranjo, o baixo (ou elementos de baixo) – na maioria dos casos – vem a seguir.
- Onde é que o baixo entra no arranjo?
- Onde é que o baixo desiste?
- Em que faixa é que o baixo toca nos versos e nos refrões?
Se for uma canção pop normal, vai querer ter a certeza que o baixo “abre” no refrão, ou seja, o baixo não está a tocar silenciosamente num registo alto quando o refrão desce.
Se você tiver um baixista “real” na sua faixa, é imperativo – assim como a bateria – que ele seja habilmente gravado e tocado. Nada poderia ser pior para a sua faixa se o baixo estiver sem clareza, frequências baixas e groove.
Se você tiver um baixo sintetizado na sua faixa, tenha cuidado com os sub-baixos e com as predefinições de “phat”. Se o sub-baixo é o único baixo em sua faixa, o patch tem que ser projetado de tal forma que tenha alguns harmônicos na faixa média para que o ouvido possa encontrá-lo quando ouvir em alto-falantes que não têm uma boa resposta de baixo nível.
Por exemplo, você pode não ouvir certos baixos secundários em laptops, iPhones, e botões de ouvido selecionados e sistemas de estéreo para carros.
Pode soar bestial no estúdio ou no clube com excelentes sub woofers, mas no resto do mundo, pode desaparecer completamente. O oposto vale para “phat” presets.
Você pode encontrar um preset para um baixo enquanto trabalha com um dos seus synths favoritos que soa absolutamente enorme, mas quando sentado em um arranjo, ele mata a faixa e não deixa espaço para mais nada. Seja cauteloso com os baixos “estéreo” e os patches que têm muita informação de alto nível.
A maior parte do tempo, você quer um patch de baixo que seja mono e não vá muito alto no espectro de frequência. Excepções aplicam-se no entanto!
Experiência irá ajudá-lo a tomar estas decisões.
Passo 7: Componente Harmónica de Condução Principal
Informação Harmónica vem a seguir quando aprender como arranjar uma música: guitarras, teclados, sintetizadores, cordas, etc.
Esta parte do arranjo pode ser bastante aberta e livre, mas penso sempre no tio do Homem-Aranha nesta situação, substituindo a palavra poder pela liberdade – “com grande liberdade vem grande responsabilidade”. É uma boa idéia verificar suas faixas de referência para ver que instrumentos você pode querer usar.
O principal componente harmônico de condução da música é um instrumento de teclado ou guitarra?
Muitas músicas ou têm guitarra ou piano como principal instrumento complementar ao vocal principal.
Este instrumento irá tocar com mais freqüência ao longo de toda a música. Uma vez que você tenha isto descoberto, é tudo sobre apimentar o arranjo com material de escolha.
Você não pode realmente ensinar isto ou aprender como fazer isto em um artigo. É tudo uma questão de tentativa, erro e experiência. Você vai querer usar seus instrumentos harmônicos para moldar o contorno da música.
Por exemplo, nas seções do refrão, você vai usar mais de suas fontes para tornar o arranjo mais denso e “phatter”. Para as seções de versos, você provavelmente irá torná-lo mais fino.
Exemplos clássicos estão dobrando as guitarras na seção de refrão (e girando-as para esquerda e direita), ou fazendo qualquer fonte que você tenha passar de mono a estéreo.
Dica: Se você decidir usar a seção de metais ou cordas ao vivo em seu arranjo, você vai querer ter certeza de que as partes se encaixam incrivelmente bem na música. A maioria das músicas não pode ter a complexidade de um arranjo de corneta Terra, Vento e Fogo. Na maioria das vezes, você vai querer usar chifres para preencher os espaços com linhas simples saborosas ou “almofadar” as partes onde o vocalista está cantando. O mesmo vale para as cordas. E embora existam algumas bibliotecas de amostras incríveis para cordas e chifres, muitas vezes mesmo com programação de especialistas, essas bibliotecas podem ser insuficientes e tornar a sua produção um som foleiro. Então, use-as para demo e arranjos, mas quando for hora do processo de produção e gravação, tome uma sábia decisão!
Passo 8: Considerações sobre Pop e EDM contemporâneos
Uma nota sobre sintetizadores e pop e EDM contemporâneos: é muito importante ouvir muita desta música e aprender como todas as partes se encaixam.
O melhor synth e EDM pode soar muito denso (e às vezes é), mas na maioria das vezes, todos os synths estão trabalhando juntos de uma forma sofisticada e complementar. E embora possa haver muitos remendos e “sons”, é tudo uma questão de ser sequencial com eles, ou seja, você os ouve um após o outro, não ao mesmo tempo. Ou, cada parte está a fazer a sua própria coisa na sua gama sónica.
Step 9: “Production Dust”
Qual é a última fase quando se aprende a arranjar uma canção? Poeira de produção”
Para um arranjo acústico, isto pode estar adicionando percussão em várias partes do arranjo. Exemplos clássicos seriam uma parte agitadora entrando no segundo verso e um pandeiro na ponte.
Em estilos mais contemporâneos, este seria todo o “ruído branco” swooshes e som FX tais como impactos, risers, elevadores, downlifters, etc.
Ao usar estes FX, é muito importante que eles se encaixem na música.
Por exemplo, não apenas qualquer pacote de risers irá funcionar para qualquer arranjo. Melhor ainda, crie o seu próprio FX para cada música. É mais demorado, mas pode levar a resultados maravilhosos. Se você usa FX pré-fabricado (o que é totalmente bom) apenas tenha certeza de que você tem acesso a muitas bibliotecas diferentes para que você não seja enganado a usar apenas alguns FX selecionados. Elas podem realmente se destacar em um álbum ou EP se você usar as mesmas repetidas vezes.
Passo 10: Background Vocals
Assumindo que o vocal principal tem sido praticamente “fixo” o tempo todo, enquanto na fase de arranjos/produção, surgindo alguns vocais de fundo (frequentemente chamados de BGVs) realmente apimenta uma faixa e lhe dá vida.
Como produtor/arranjador você pode ter idéias sobre o que os BGVs devem ser, mas eu descobri pela minha experiência que é melhor trabalhar com o(s) vocalista(s) diretamente no estúdio. Alguns bons exemplos de instruções que você pode dar ao(s) seu(s) vocalista(s) são:
- “Duplique essa linha no verso” para que você possa acentuar uma certa frase.
- “Cante o refrão um terço acima ou abaixo” para que você tenha uma faixa de harmonia.
- “Cante uma parte adicional para que tenhamos harmonia em três partes.
Nota: a harmonia em três partes pode ser complicada. Em geral, para canções pop, eu fico com “igreja” harmonia em três partes e você pode aprender a juntar essas partes, aprendendo a harmonizar uma escala em Dó Maior. A sucessão de notas é a seguinte: posição da raiz da tríade maior em Dó, posição da raiz da tríade menor em Ré, 1ª inversão da tríade maior em Dó, 1ª inversão da tríade menor em Dó, 2ª inversão da tríade menor em Ré, de volta à posição da raiz da tríade maior em Dó. Note a exclusão do tom principal do 7º grau (B)! Quando há um tom principal na melodia, você terá que trabalhar BGVs em torno dela para se adequar ao contexto e gênero. Geralmente, apenas uma voz em V normal funcionará, mas você terá que ouvi-la.
Adiantando o Processo de Gravação e Produção
A partir do momento em que o arranjo estiver terminado, você está pronto para passar para a gravação e/ou mistura.
Mais frequentemente, o arranjo ou produção pode mudar um pouco. Por exemplo, o processo de mixagem pode indicar que você precisa subtrair ou adicionar certos elementos da disposição, e isso é totalmente bom e normal. Todos os processos de gravação de uma música sangram uns nos outros até um certo ponto. Basta manter-se a par de como a música está soando em termos do quadro geral.
Ouvir a música contra suas faixas de referência.
O produto final é muito mais importante do que todos os pequenos detalhes discutidos nesta lista de verificação, e é muito fácil de se perder em todos os detalhes.
Uma boa canção é uma boa canção e soará bem não importa o que você faça no arranjo musical e no processo de produção, desde que o arranjador/produtor não tome decisões que destruam a canção.
Uma má canção é uma má canção e não importa o quanto a produção/arranjo/mixagem de alta qualidade seja feita, sempre será ruim. A qualidade começa desde o início e é algo que deve ser mantido até o master final.
Como organizar uma música – Checklist
Vamos resumir como organizar uma música – siga estes passos para garantir que o seu arranjo de música cativa os ouvintes.
- A canção soa bem sozinha?
- Forma e duração da canção foram determinadas
- Gênero(s) da canção foi determinado
- Faixas de referência foram encontradas (1-3 referências)
- Raspadinha foi gravada
- Decisão feita – tambores acústicos ou tambores programados?
- As partes da bateria foram mapeadas ou programadas
- As partes do baixo foram trabalhadas, elogiando a bateria
- Instrumentos harmónicos (guitarras, teclados, cordas, etc.)) foram escolhidas com bom gosto e elogiam a melodia, baixo e bateria
- “Production Dust” (percussões, FX, etc.) foram adicionadas com bom gosto
- Nenhum dos elementos do arranjo se chocam entre si
- Déas para BGVs estão no lugar
Então aí está. Boa sorte com seus arranjos e lembre-se – a prática faz perfeito!
Sobre Supreme Tracks
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