Poprosiliśmy Was o głosowanie na najlepszy debiutancki album wszech czasów. I zagłosowaliście tysiącami. Armie fanów zebrały się w całym Internecie, aby zagłosować na swoje ulubione zespoły, a my umieściliśmy wszystko w gigantycznym arkuszu kalkulacyjnym i nacisnęliśmy przycisk, który uszeregował to wszystko w kolejności popularności.
Niektóre z wyników nie są zaskakujące. Znane twarze są na znanych pozycjach.
A niektóre z wyników są naprawdę zaskakujące. W pierwszej dziesiątce znalazły się trzy albumy, które – choć w pełni zasługują na status klasyków – prawdopodobnie nie znalazłyby się tak wysoko na listach przebojów, gdyby fani tych zespołów nie zjednoczyli się, by masowo oddawać na nie swoje głosy. I wcale nam to nie przeszkadza.
Jeśli przeprowadzilibyśmy tę samą ankietę w następnym tygodniu, jesteśmy pewni, że otrzymalibyśmy inne wyniki, i ponownie, jeśli przeprowadzilibyśmy ją w następnym tygodniu. Ani przez chwilę nie twierdzimy, że jest to ostateczne. Ale jest to wspaniała kolekcja klasycznych albumów i żywe przypomnienie oszałamiającej błyskotliwości, z jaką tak wiele z naszych ulubionych zespołów i artystów rozpoczęło swoje kariery.
Dzięki wszystkim, którzy głosowali.
Roxy Music – Roxy Music
Debiutanckie pojawienie się Roxy Music w TOTP z utworem Virginia Plain było tak samo abrazyjnie, porywająco dziwne jak Bowie wykonujący Starmana. To tam wielka brytyjska publiczność po raz pierwszy ujrzała Ferry’ego z ciężkimi powiekami, Briana Eno uśmiechającego się bezczelnie zza swojego syntezatora, saksofonistę Andy’ego Mackay’a w błyszczących żółtych i zielonych barwach, wyniosłego, długonogiego basistę Rika Kentona, gitarzystę Phila Manzanerę z brodą i w przerośniętych okularach i perkusistę Paula Thompsona, jego koszulka w lamparciej skórze była jedynym ustępstwem na rzecz normalnej budowy ciała. Indywidualnie dziwni, jako zespół byli po prostu spójni.
Ich debiutancki album pod własnym tytułem był równie oszałamiającym zderzeniem stylów i dźwięków. Utwór pierwszy Re-Make/Re-Model – najwspanialsza piosenka w historii, której refren oparty jest na numerze rejestracyjnym samochodu – rozpoczyna się od gwaru gości mieszających się w galerii sztuki, naturalnym środowisku Roxy. Od tego momentu mamy do czynienia z ledwie kontrolowanym chaosem, wszystkie saksofony, honky-tonk piano, charcząca gitara i syntezatorowe zakłócenia Eno: gdzie rock’n’roll lat 50. spotyka się z awangardowym kolażem dźwiękowym. Albo, biorąc pod uwagę jego arcyprowokację, pomyślcie o punku pięć lat przed czasem. 'Mogę mówić, mówić, mówić, mówić, mówić, mówić, mówić o sobie na śmierć’ – szydzi Ferry. Na „Ladytron” wokalista powraca do popowo-romansowych tropów („You’ve got me girl on the runaround, runaround”), ale tytuł „sci-fi/tomorrow’s world” świadczy o dystansie, jaki upłynął od czasu „Love Me Do” Beatlesów.
Kup z Amazon
Jellyfish – Bellybutton
Założony w 1989 roku i zainspirowany muzyką, którą odkryli w radiu FM podczas dorastania w podmiejskiej Kalifornii lat 70-tych – The Beatles, the Beach Boys, Cheap Trick, ELO, 10cc, Fleetwood Mac, Wings i wiele innych – debiutancki album Jellyfish był pełen cudownych pop-rockowych piosenek, labiryntowych harmonii, strzelistych aranżacji smyczkowych i melodii tak sugestywnych jak kalifornijski wschód słońca. Najlepsze z nich brzmiały jak przeboje dwóch poprzednich dekad, które w jakiś sposób umknęły zbiorowej pamięci. Ich tragedia polegała na tym, że zespół wypłynął na powierzchnię w momencie, kiedy biznes muzyczny popłynął w ciemniejsze, bardziej ponure wody grunge’u, a Jellyfish byli skazani na dryfowanie poza czasem i miejscem.
Wydany w 1990 roku Bellybutton to 10 wibrujących piosenek wypchanych dowcipem i inwencją, z popowym połyskiem, którego można się spodziewać po płycie wyprodukowanej przez Albhy’ego Galutena, faceta, który nagrał Gorączkę sobotniej nocy Bee Gees.
Roger Manning – jedna połowa Jellyfish wraz z Andym Sturmerem – powiedział, że ich celem było brzmienie „gdzieś pomiędzy Queen a The Patridge Family” i jeśli nie pasowali do lat grunge’u, ich boho-psychodeliczny wygląd i drobiazgowy klasycyzm oznaczały, że można było ich umieścić w gronie retro-duchów tamtych czasów, takich jak Black Crowes i World Party.
Kup z Amazona
The Struts – Everybody Wants
Everybody Wants (lub jak widnieje na okładce, Everybody Wants… The Struts – geddit?) to bezwstydnie oldschoolowy rock’n’rollowy album, który, biorąc pod uwagę obecną pogardę mainstreamowej kultury dla gitar, czyni The Struts albo najodważniejszym, albo najgłupszym młodym zespołem. Tak czy inaczej, trzeba im przyznać, że nie dają z siebie wszystkiego.
Ale wiara w siebie nie jest tutaj problemem. Chwytliwy jakebola utwór otwierający Roll Up wyobraża sobie fantastyczny świat Carry On, w którym The Struts są młodymi sułtanami przewodzącymi haremowi (przypuszczalnie) posłusznych 'kochanek’. Powitam cię Lambrini i ginem, najdoskonalszym z grzechów” – wzdycha wokalista Luke Spiller, w jednej części Freddie Mercury, w jednej Robin Askwith. Do czasu, gdy dochodzi do wznoszącego się ku niebu refrenu, Spiller wywija swoim 'r’ ile tylko jest wart: 'Rrrroll up, rrrroll up, rrrrrrroll for satisfaction.’
Tych porównań Queen/Mercury trudno się pozbyć, zwłaszcza w przypadku Spillera. Począwszy od jego dźwięcznego głosu i dumnie wypukłych ząbków, aż po stroje Zandry Rhodes, które nosi na scenie, byłby wymarzonym kandydatem do obsadzenia w długo oczekiwanej biografii zmarłej piosenkarki. W świecie rockowych frontmanów z szablonu, on ma polot i poczucie humoru, które spłaszczają konkurencję. Ile innych globalnych gwiazd rocka, które czekają na swoją kolej, potrafiłoby wpleść w swój tekst odniesienia zarówno do magazynów dla chłopaków z lat 90-tych („She’s my high street honey”), jak i do brytyjskiego słownictwa szkolnego („She knows what she’s got, she’s so shit hot”), mając pełną świadomość, że oba te słowa wprawią w zakłopotanie mieszkańców Arsegrapes w stanie Iowa? Czapki z głów za czystą odwagę.
Kupuj w Amazonie
Journey – Journey
Progresywny, jazzowy fusion romans, raczej sprzeczny z ich późniejszym, bardziej przyjaznym dla radia dorobkiem, pierwszy album Neala Schona i Grega Rolle’a z dala od ochronnej tarczy łona Santany podkreślił muzyczną sprawność wszystkich zaangażowanych i zawierał niektóre z najlepszych prac perkusisty Aynsleya Dunbara. Idealny album, jeśli szukasz instrumentalnej akrobatyki, a nie chórków z Top 40.
Kupuj w Amazon
The Rolling Stones – The Rolling Stones
Często pomijany, niezmiennie niedoceniany, tytułowy debiutancki album Stonesów – niewytłumaczalnie niedostępny z oryginalną listą utworów w Wielkiej Brytanii na CD, choć iTunes wciąż może zobowiązać do pobrania go z dokładnością co do joty – uchwycił zespół w jego pierwotnym wcieleniu jako ewangelicznych głosicieli autentycznego rhythm and bluesa. Tell Me, wciągająca popowa facsimile Brill Building, dobrze wróży jako wczesny widok wkrótce pozłacanych kompozytorskich zasług Jaggera/Richardsa, ale trzy czwarte z tuzina piosenek na albumie to szmatławe covery R&B. Leniwy shuffle Jimmy Reed’s Honest I Do, Brian Jones’s slide stings na Slim Harpo’s I’m A King Bee, Keith’s delinquent swagger przez Chuck Berry’s Carol: formacyjne fundamenty, na których Stonesi mieli zbudować największy rock 'n’ rollowy zespół na świecie.
Nawet jako nie-istoty, Stonesi emanowali arogancją, celowo nie umieszczając swojej nazwy na okładce nawet swojego pierwszego albumu (podtekst: „Wkrótce się dowiecie, kim jesteśmy.”). Mick i Keef ledwo wyciskają soki twórcze, ale brzmienie i szyderstwo są już na swoim miejscu, a i tak udało im się przejąć pałeczkę od With The Beatles na szczycie brytyjskiej listy przebojów.
Kupuj w Amazon
The Band – Music From Big Pink
Wieszanie się z Bobem Dylanem opłaciło się: do 1968 roku, The Band mieli naoliwione i dokręcone kotlety do pisania piosenek oraz poparcie Capitol Records dla debiutu, który porzucił eksperymenty epoki na rzecz korzennych, ziemistych, folkowych, bogatych w harmonię piosenek, których przykładem jest The Weight. „Kilka lat temu graliśmy, a ludzie nazywali to nostalgią” – zauważa basista i wokalista Rick Danko. „Ostatnio znów nazywają to muzyką.”
The Band byli ogromnie wpływowi: wszyscy od The Beatles, Beach Boys i Grateful Dead zapożyczali ich progresywny szyk country. Oni z kolei skopiowali pomysły z Desolation Row Dylana, szczególnie w Lonesome Suzie, który zawdzięcza dług gitarowej pracy Charliego McCoya. Świetne kawałki są wszędzie. Caledonia Mission odpaliła Workingman’s Dead i It’s Too Late To Stop Now Vana Morrisona, i słychać, że To Kingdom Come perkoluje przez Holland Boys.
Outside the blueprint, The Band tackle Long Black Veil (they’d have known Lefty Frizzell’s original) and went popcorn on We Can Talk. Wyróżnikiem może być niespokojny wokal Manuela w In A Station, któremu towarzyszy clavinet Hudsona, utwór tak oszczędny, że przekonał George’a Harrisona, iż może poprowadzić The Beatles w kierunku nowego terytorium, nazywając swoich nowych kumpli „najlepszym zespołem we wszechświecie”. Sześć dodatków zawiera małomiasteczkową rozmowę Helma na temat „Yazoo Street Scandal” Robbiego Robertsona, opowieść o działalności w czerwonych światłach, oraz „Key To The Highway” Charliego Segara. Warte odświeżenia z jego zachwytami, Big Pink jest cudem debiutu.
Kupuj w Amazon
Stiff Little Fingers – Inflammable Material
Eksplodujący z Belfastu i tchnący nowe życie w podupadającą scenę punkową, Stiff Little Fingers – z surowym głosem Jake’a Burnsa na czele – zobaczyli swój debiutancki album Inflammable Material, który dotarł do Top 20 w Wielkiej Brytanii w 1979 roku. Surowe, pełne złości brzmienie, na które duży wpływ miały irlandzkie problemy, Inflammable Material wahało się od ostrych hymnów, takich jak Suspect Device i White Noise, do niezwykle dojrzałego ujęcia „Johnny Was” Boba Marleya, które rzuciło światło na rodzące się zdolności kwartetu.
„Belfast był zaściankiem w tamtych czasach, więc zawsze mieliśmy zamiar grać w dogonienie”, Burns powiedział Classic Rock w 2017 roku. „Kiedy po raz pierwszy weszliśmy w muzykę rockową, byliśmy przyzwyczajeni do zespołów omijających Irlandię Północną. Uznaliśmy, że jedynym sposobem, w jaki kiedykolwiek usłyszymy muzykę rockową graną na żywo, było zrobienie tego samemu. był naszym początkowym wybuchem gniewu, porównywalnym do początkowych wybuchów na kontynencie i w Nowym Jorku.”
Kupuj z Amazon
Tom Petty & The Heartbreakers – Tom Petty & The Heartbreakers
Debiutancki album Petty’ego liczył zaledwie 10 utworów i 30 minut, ale wystarczyło usłyszeć jego popisową piosenkę, by zostać porażonym piorunem. To był dźwięk klasycznego amerykańskiego rocka i popu, który wskoczył w nową erę, a także lekcja, jak odejść z hukiem.
Kto zostawia piosenkę tak trwałą jak American Girl jako ostatni utwór na swoim debiutanckim albumie? Cóż, Tom Petty & The Heartbreakers, dla jednego. American Girl może być najbardziej znaną piosenką na albumie, ale TP&TH jest pełen korzennych, hymnicznych numerów, takich jak The Wild One, Forever i Breakdown. Co niezwykłe, biorąc pod uwagę, jak bardzo amerykański brzmi ten debiut, odniósł on sukces najpierw po tej stronie Atlantyku.
Kupuj w Amazon
Patti Smith – Horses
Rzadko zdarzało się tak kataklizmiczne zderzenie sztuki wysokiej i niskiej, jak wtedy, gdy album Horses Patti Smith został wydany w ’75 roku. W momencie wydania albumu Smith wciąż była bardziej poetką niż piosenkarką, a album wyrósł z jej odczytów-performansów w nowojorskim kościele św. Marka w 1971 roku.
Smith wlała w Horses swoją duszę, zwłaszcza w pierwszym utworze, Gloria, kreśląc jeden z najsłynniejszych wersów otwierających w całej historii rocka: „Jezus umarł za czyjeś grzechy, ale nie za moje” (co zaczerpnęła ze swojego wiersza Oath). Bardziej deklarując osobistą autonomię i wolność niż odrzucając swojego osobistego Boga, zgrabnie połączyła ostry wiersz z dość zawiesistą, przyspieszoną wersją klasyka garażowego rocka Them, który umieścił Van Morrisona na mapie.
Magazyn Crawdaddy! nazwał tę piosenkę „deklaracją istnienia”, ale dla reszty z nas była to impreza coming out Smitha – i nie mówimy tu o seksie, mimo prowokacyjnych wersów o „słodkiej młodej rzeczy obciągającej na parkometrze”. To zamieszanie nigdy nie przeszkadzało Smithowi. „Nigdy nie byłem specyficzny pod względem płci, ani nie chciałem być specyficzny pod względem płci jako artysta lub istota ludzka”. Równie niezrozumiałe jest Redondo Beach, które krytycy domyślili się, że opowiada o kłótni dwóch sapphic lovers, z których jeden popełnił samobójstwo. Nie jest tak. Została zainspirowana rzadką sprzeczką z siostrą Lindy, która wyszła w furii i nie wróciła tej nocy.
Ostatecznie Horses była bardziej wezwaniem do działania niż prawdziwym albumem, pomagając zrodzić rewolucję kulturową. „Przemawiałam do pozbawionych praw obywatelskich, do ludzi spoza społeczeństwa, ludzi takich jak ja” – mówi Patti. „Nie znałam tych ludzi, ale wiedziałam, że oni tam są. Myślę, że Horses zrobiło to, na co liczyłam. Przemówił do ludzi, którzy potrzebowali go usłyszeć.”
Kupuj w Amazon
Angel – Angel
Ubrani w dziewicze białe kostiumy, Angel byli antytezą do czarnej skóry i ćwieków aggro Kiss, 'dobrzy’ Beatlesi w stosunku do 'złych’ Rolling Stonesów. W rzeczywistości jednak, Angel podzielali teatralne rockowe show Kiss, wraz z ich niezmordowaną etyką pracy, nagrywając sześć albumów w latach 1975-80. Dzielili również tę samą bystrą marketingową smykałkę do marki, zakładając własny fanklub Earth Force i sprzedając markowe naszyjniki, sprzączki do pasków, plakaty i t-shirty.
Samodzielny debiut Angel z 1975 roku wydobywał zwycięskie progresywne brzmienie, naznaczone strzelistymi, operowymi wokalami i doskonałą muzykalnością. „Angel był jak Yes spotykający Led Zeppelin i Queen”, powiedział gitarzysta Punky Meadows, całkiem dokładnie.
Buy from Amazon