Skala szarości do koloru: Cyfrowe malowanie postaci

Witam i zapraszam do mojego tutoriala na temat cyfrowego malowania postaci! Clip Studio Paint jest wspaniałym programem i jak zobaczysz, potrzebujemy tylko kilku z jego wielu narzędzi, aby wykonać dobrze wyglądający obraz. Zobacz rys. 1.

fig 1. Główne narzędzia i okna, których będziemy używać w tym malowaniu

Zanim zaczniemy, pozwól, że nakreślę, co będziemy robić. Będziemy malować postać o w zasadzie ludzkich proporcjach, w pełnym kolorze. Zrobimy to w dwóch ogólnych etapach. Etap pierwszy to malowanie w skali szarości (lub czarno-białe). Zajmiemy się tu blokowaniem postaci i jej ogólnym wyglądem. Etap 2 to moment, w którym dodamy kolor i doprowadzimy dzieło do renderowanego wykończenia, nadającego się do portfolio lub na zamówienie!

Etap 1: Faza skali szarości

Na początek zacznijmy od nowego płótna. Przejdź do Plik > Nowy. Zobacz rys. 2 dla ustawień, których ja użyłem, ale nie krępuj się użyć dowolnych ustawień. Zostaniesz teraz skonfrontowany z jedną z najstraszniejszych rzeczy w sztuce: pustym białym płótnem, *gasp!*

fig 2. Moje ustawienia podczas tworzenia nowego płótna

Ale bez obaw! To właśnie dlatego używamy techniki od skali szarości do koloru: na początek musimy się martwić tylko o wartości. A tak przy okazji, „wartości” i „skala szarości” odnoszą się do tego samego. Patrz rys. 3.

fig 3. Skala szarości

To sprawia, że nasze podejmowanie decyzji jest o wiele mniej stresujące na samym początku. Zabijmy więc tego potwora białego płótna za pomocą narzędzia „Wypełnienie”. Na początek wybrałem dość jasną szarość. Wybrałem tę wartość, ponieważ zazwyczaj chcę mieć dużo miejsca, aby przyciemnić (aby dodać cienie i inne ciemne elementy), i potrzebuję tylko trochę miejsca, aby rozjaśnić. Zobacz rys. 4.

rys. 4. Wypełnianie płótna jasną szarością

Okay, czas zacząć rysować. Chwyciłem za narzędzie Pencil (Ołówek) i wybrałem pędzel Rough pencil (Szorstki). Nie należy przywiązywać wagi do wybranego pędzla; wybierz coś, czym czujesz się komfortowo rysując. Clip Studio Paint oferuje tak wiele wspaniałych opcji, że prawie nie można się pomylić! Zobacz rys. 5 dla moich ustawień.

fig 5. Moje wstępne ustawienia ołówka

Zablokowałem w przybliżeniu konstrukcję mojej postaci. Będzie to młoda dziewczyna z pochyloną głową. Będzie ubrana w czapkę i płaszcz, jak gdyby wybierała się na zimowy spacer.

Zauważ, że moje linie nie są tylko obrysem sylwetki; są to linie konstrukcyjne. Buduję twarz z jej głównymi płaszczyznami, myśląc o czaszce pod spodem i ogólnej strukturze głowy.

Płaszczyzny głowy nie są głównym tematem tego tutorialu, ale są nieocenioną rzeczą, której wszyscy artyści powinni się nauczyć, ponieważ wiedza ta umożliwi Ci rysowanie głowy pod każdym kątem.

Jeśli śledzisz ten tutorial i masz ochotę malować razem ze mną, nie krępuj się po prostu skopiować lub prześledzić mój rysunek! W końcu skupiamy się tutaj na technice malowania, a nie na płaszczyznach głowy. Patrz rys. 6.

rys. 6. Roughing in a sketch

Przełączając się na narzędzie Airbrush, blokuję teraz bardzo podstawowe decyzje dotyczące wartości: postać będzie ciemna, a tło pozostanie jasne. Zobacz na rys. 7 moje ustawienia narzędzia Airbrush.

Rys. 7. Blokowanie najbardziej podstawowych grup wartości

Mam dwie rzeczy do odnotowania. Po pierwsze, nadal pracuję tylko na jednej warstwie! A także o moich wyborach pędzli: Ciągle zmieniam ustawienia pędzla.

Na rys. 7 widać, że mam ustawioną niską „Twardość”. Zmieniam je w trakcie pracy, w zależności od pożądanego efektu. Na przykład, jeśli chcę wykonać jakąś drobniejszą pracę, powiedzmy na oku – zamiast całkowicie zmieniać narzędzie, najpierw po prostu spróbuję dodać więcej twardości do aerografu.

To utrzymuje przepływ pracy w ruchu, co maksymalizuje czas interakcji z twoją sztuką, zamiast skupiać się na narzędziach cyfrowych.

Często też zmieniam rozmiar pędzla, w zależności od pożądanego pociągnięcia. Rys. 8 pokazuje, jak kilka rozmiarów pędzla z tego samego narzędzia daje pociągnięcia, które wydają się być wykonane przez różne narzędzia!

Rys. 8. Użycie aerografu do uzyskania wielu wyglądów

Pracując nadal z aerografem, buduję trochę rozproszonego oświetlenia na twarzy postaci. Wyobrażam sobie, że światło jest łagodnie padające z góry. Oznacza to, że płaszczyzny zwrócone ku górze otrzymają nieco jaśniejsze wartości w skali szarości, płaszczyzny zwrócone w bok będą nieco ciemniejsze, a płaszczyzny zwrócone w dół będą najciemniejsze. Patrz rys. 9.

rys. 9. Rozpoczęcie modelowania miękkiego światła na postaciach

Chcę, aby postać miała lekkie pochylenie, aby nie była tak sztywna. Po prostu zrobiłem zaznaczenie i użyłem wbudowanych widżetów narzędzia do obrócenia głowy. Zobacz rys. 10. Następnie po prostu wypełnię pozostawione luki za pomocą pędzla, który mam już aktywny.

fig. 10. Dodawanie małych akcentów asymetrii

Często odwracam płótno podczas malowania. Jest to pozostałość po moich czasach malarstwa olejnego, kiedy to miałem za sobą ogromne lustro, w którym mogłem zobaczyć swój obraz odwrócony dookoła.

Powodem, dla którego artyści to robią jest to, że chwilowo „oszukuje” to twój mózg, który myśli, że widzi twój obraz po raz pierwszy. Jako takie, staje się bardzo oczywiste, gdzie są błędy. To również wydobywa na światło dzienne rzeczy, do których po prostu się przyzwyczajasz, gdy coś tworzysz, na dobre i na złe.

Ponieważ pracuję tylko na jednej warstwie, mogę przejść do Edycja > Przekształć > Przerzuć poziomo. Patrz rys. 11.

Rys. 11. Przerzucanie (odbicie lustrzane) aktywnej warstwy

Chcę przyciemnić niektóre z cieni. Zrobię to za pomocą specjalnej, przeznaczonej do tego celu warstwy! Dodaj nową warstwę za pomocą przycisku pokazanego na rys. 12, zaznaczonego na czerwono. Po prawej stronie rys. 12 wybieram tryb Multiply (Mnożenie).

fig 12. Tworzenie nowej warstwy (po lewej) i ustawianie jej w trybie Multiply (po prawej)

Tryb ten służy w szczególności do przyciemniania tonów. Tak więc nawet jeśli masz wybraną jasną wartość, przyciemni ona Twój obraz.

Wybierz jasne wartości, aby lekko przyciemnić, i ciemne wartości, aby drastycznie przyciemnić obraz. Wciąż używając tego samego aerografu co wcześniej, stosuję ogólne przyciemnienie płaszczyzn skierowanych w dół, zwiększając w ten sposób kontrast i poczucie światła na płaszczyznach skierowanych w górę! Patrz rys. 13.

rys. 13. Przyciemnianie obszarów w celu dodania akcentów modelarskich i projektowych do form

Gdy skończysz ten krok, zalecam jego zatwierdzenie za pomocą tego przycisku (rys. 14). Spowoduje to powrót do pracy z jedną warstwą.

Teraz chcę zrobić warstwę, która będzie obsługiwała pewne rozjaśnienie wartości. Dodam nową warstwę, ale tym razem ustawię ją w trybie Glow Dodge (patrz rys. 15.)

fig 15. Nowa warstwa ustawiona w trybie Glow Dodge (Blask)

Jest to jakby przeciwieństwo trybu Multiply (Mnożenie): wybranie ciemnej wartości tylko nieznacznie rozjaśni wartości, a wybranie jasnej wartości radykalnie je rozjaśni. Rys. 16 to rezultat malowania na warstwie. Trzymałem pędzel miękko, aby imitować bardzo rozproszone światło pochodzące z otoczenia.

Ryc. 16. Malowanie w świetle

Teraz, gdy postać nabiera kształtów, chcę wprowadzić jakiś rodzaj tła/środowiska. Utrzymam je w miarę abstrakcyjne, aby nie odwracać uwagi od postaci. Stworzyłem ten tutorial podczas opadów śniegu, więc zainspirowany prawdziwym życiem, zaproponujmy zimową krainę czarów! Aby stworzyć płatki śniegu, użyję narzędzia Aerograf, ale teraz z wybranym pędzlem Spray (patrz rys. 17.)

Rys. 17. Ustawienia pędzla Spray

Wykonam kilka płatków śniegu, starając się, aby wyglądały na przypadkowe, a także były rozmieszczone strategicznie, aby nie przeszkadzały zbytnio naszej postaci. Jak zwykle, pobawię się tutaj wieloma ustawieniami pędzla Spray, aby stworzyć płatki śniegu w różnych rozmiarach. Różnorodność jest kluczem do nadania czemuś organicznego wyglądu! Zobacz rys. 18, aby zobaczyć rezultat tego kroku.

Rys. 18. Zabawa z różnymi rozmiarami płatków śniegu

Teraz wybiorę narzędzie Blend (Mieszanie), które pozwala mi mieszać i rozmywać farbę na płótnie, prawie jak w prawdziwym obrazie olejnym lub akrylowym! Dzięki temu narzędziu mogę uzyskać trochę futrzanej tekstury wełnianej czapki. Spróbuj użyć pociągnięć, które idą w wielu, przypadkowych kierunkach.

Rys. 19. Użycie narzędzia Blend do nadania tekstury

I tak oto zakończyliśmy etap skali szarości/wartości! Jedną rzeczą, o której należy pamiętać, jest to, że nie musimy osiągnąć 100% ukończenia na tym etapie. Nie odczuwaj potrzeby niewolniczej pracy nad tym etapem, aż będzie idealny; zachowaj wszystkie te małe szczegóły na następny etap, kiedy będziemy pracować w kolorze! Etap skali szarości uważam za zakończony, gdy oświetlenie jest wiarygodne, a my używamy pożądanego zakresu świateł i cieni. Patrz rys. 20.

Ryc. 20. Gotowy na kolor!

Etap 2: Faza koloru

Czy jesteś gotowy na kolor? To właśnie tutaj ta metoda naprawdę się opłaca, ponieważ nasze oświetlenie, wartość, forma i projekt są już załatwione! Zaczniemy od utworzenia nowej warstwy i ustawienia jej w trybie Kolor. Zobacz rys. 21. Dzięki temu zachowamy nasze decyzje dotyczące wartości i po prostu nałożymy kolor na wierzch.

rys. 21. Utworzenie nowej warstwy i ustawienie jej w trybie Kolor

Siła tego podejścia będzie natychmiast widoczna. Zacznę od dodania odrobiny czerwieni do policzków. Zobacz rys. 22. Do tego kroku nadal używam mojego miękkiego aerografu, ale jak zawsze, możesz użyć dowolnego pędzla, który da ci najlepsze rezultaty lub będzie ci odpowiadał!

Rys. 22. Pierwsze pociągnięcie kolorem

Możesz zadać sobie pytanie: jakie kolory są odpowiednie dla tonów cielistych? Cóż, to skomplikowany temat. Prawdziwa odpowiedź brzmi: skóra nie jest jednym kolorem, ani nawet jednym zakresem kolorów. W rzeczywistości, każdy kolor może być użyty dla skóry, w zależności od pożądanej palety i oświetlenia. Jeśli jednak dopiero zaczynasz pracę z odcieniami skóry, zalecam, aby w tym kroku pozostać w zakresie kolorów z rys. 23.

fig 23. Uzyskanie kolorystyki wszystkich obszarów przy użyciu tego zakresu (prawy górny róg) koła kolorów

W pewnym momencie nasza obecna warstwa Color (Kolor) przestanie być użyteczna i będziesz chciał, aby wybrane przez Ciebie kolory miały niewielki wpływ na wartości znajdujące się pod nią. Aby to osiągnąć, utwórz nową warstwę i ustaw ją w trybie nakładki. Zobacz rys. 24.

Rys. 24. Utworzenie nowej warstwy i ustawienie jej w trybie Overlay (Nakładka)

Overlay (Nakładka) będzie szklił kolor tak jak poprzednio, ale ma również możliwość przyciemniania lub rozjaśniania wartości. Poeksperymentuj, aby się z tym oswoić! Zobacz na rys. 25 moje postępy.

Rys. 25. Kolor nadal zablokowany, nadal przy użyciu narzędzia Airbrush

Gdy wyizolujesz tylko warstwy koloru, obraz jest śmieszny! Jest to dowód na to, że prawdziwa ciężka praca jest wykonywana przy malowaniu w skali szarości. (Patrz rys. 26 – LOL!)

Ryc. 26. Warstwy koloru bez malowania w skali szarości (fuj!)

Pracując z moimi dwiema warstwami koloru (Uwaga: zawsze możesz wrócić do swojej oryginalnej warstwy koloru, i/lub pracować z obiema warstwami jednocześnie) zakończę fazę kolor-szkło. Zobacz rys.27. Zauważ, że chociaż na naszym obrazie jest teraz kolor, wygląda on… trochę nijako, jak kolorowanka, a nie piękny obraz. Ale to nic nie szkodzi! Przejdziemy teraz do fazy wykończeniowej.

fig.27. Wykończenie fazy kolor-szkliwo

Aby zakończyć ten obraz, będziemy musieli malować kryjąco. To znaczy nałożyć na wszystko pędzel. Będziemy teraz pracować z kolorem i walorem razem, po raz pierwszy w naszym procesie. Dodajemy nową warstwę i ustawiamy ją w domyślnym trybie normalnym. Zobacz rys. 28.

Rys. 28. Tworzenie nowej warstwy, ustawionej na domyślny tryb (Normalny)

rys. 29. Gdy masz więcej niż jedną warstwę, użyj tej opcji, aby obrócić/odbić płótno

Ponieważ umieściłem tę postać w niebieskim otoczeniu, chcę, aby jego niebieskość przefiltrowała się przez światło i kolor na postaci. Aby to zrobić, wybiorę dość zdesaturowany niebieski (to jest niebieski zbliżony do szarego) i lekko nacisnę tabletem, aby wpłynąć na płaszczyzny postaci, które są zwrócone ku górze (pamiętaj rys. 6!) Patrz rys. 30, aby zobaczyć obszary, do których chcę dodać trochę błękitu.

Pamiętaj, że lekko naciskając tabletem, będziesz w stanie mieszać kolory na samym płótnie. Czasami zdarza mi się nawet „przesadzić” z kolorem niebieskim w moim próbniku kolorów (to znaczy wybrać kolor, który jest zbyt niebieski), ale lekko naciskając, dochodzę do pożądanej mieszanki.

Rys. 30. Używając błękitów z miękkim naciskiem tabletu, aby ochłodzić niektóre odcienie cieliste, mieszając kolor na płótnie

W tym momencie zobowiązuję się do moich warstw. Połączyłem je do jednej warstwy. Nie bój się tego robić! Na początku może się to wydawać przerażające, ale z czasem naprawdę pomaga w budowaniu pewności siebie. Jeśli jednak boisz się popełnić błąd i stracić swoje warstwy, polecam zapisanie pliku przed połączeniem warstw, a następnie zapisanie nowego pliku, w którym kontynuujesz i łączysz wszystko. W ten sposób zawsze możesz się cofnąć.

fig 31. Spłaszczanie warstw (nie bój się!)

Pomyślałem, że piegi będą pasować do tej postaci. Używając pędzla Spray z narzędzia Airbrush (to samo narzędzie, którego użyłem do płatków śniegu), na nowej warstwie naniosę sprayem trochę piegów. Ponieważ zrobiłam to na osobnej warstwie, mogę złagodzić efekt, korzystając z suwaka krycia tej warstwy (patrz rys. 32.) Mogę też użyć narzędzia Gumka, aby usunąć piegi, których nie chcę.

Rys. 32. Zablokowanie piegów na nowej warstwie

Przełączę się teraz na kilka różnych pędzli, aby nadać obrazowi organiczny i tradycyjny wygląd (co moim zdaniem wygląda bardziej realistycznie i interesująco).) Wybieram narzędzie Watercolor (Akwarela) i używam pędzla Watercolor. Moje ustawienia znajdziesz na rys. 33. Ten pędzel zarówno nakłada kolor, jak i rozciera lub rozmazuje kolory, które już tam są. Spójrz na włosy na rys. 33, aby zobaczyć ten efekt na obrazie.

(Uwaga: Jestem w stanie osiągnąć ten efekt rozmazania tylko dlatego, że pracuję ze wszystkim na jednej warstwie. Jeśli używałbyś tego narzędzia na osobnej warstwie, nie rozmazałoby ono farby na warstwach znajdujących się pod nim.)

Rys. 33. Ładny pędzel w stylu malarskim, pozwalający na subtelne mieszanie kolorów

Poza tworzeniem interesujących prac pędzlem, na tym etapie naprawdę skupiam się na poszerzaniu palety. Włosy, na przykład, są wykonane z niezliczonej ilości kolorów. Moja postać ma rudawo-brązowe włosy, ale zwróć uwagę na subtelne odcienie niebieskiego oraz różnorodność czerwieni i brązów (zarówno nasyconych, jak i stonowanych), które istnieją, a wszystko to splata się ze sobą! Patrz rys. 34.

fig 34. Niezliczona ilość kolorów, które istnieją we włosach

Powracając do oczu, użyję narzędzia Blend, aby rozmazać farbę w formie rzęs. Zobacz rys. 35.

Rys. 35. Narzędzie Blend użyte do namalowania rzęs

Przełączyłem się na narzędzie Pencil (Ołówek) i wybrałem pędzel Colored pencil (Kolorowy ołówek), aby stworzyć kilka mocniejszych pociągnięć pędzla, które pomogą wyostrzyć obraz. Używam cienkich pociągnięć pędzla, które poruszają się zgodnie z kierunkiem formy. Patrz rys. 36. Ta technika jest powszechnie określana jako „kreskowanie”

fig. 36. Użycie kreskowania jako metody zacieśniania obrazu

Chcę trochę więcej futrzanej tekstury na jej kurtce i czapce, szczególnie w obszarach białej wełny. Dodam więc nową warstwę i znajdę narzędzie aerografu, które pozwoli mi rozpylić trochę tekstury. Na rys. 37 zobaczysz, jakie mam ustawienia i jak nakładam pociągnięcia pędzlem. Podobnie jak w przypadku piegów, dostosuję krycie warstwy, a także wymażę obszary, aby uzyskać teksturę, która będzie „siedziała” tak, jak lubię.

Rys. 37. Dobry pędzel do symulowania futrzanej tekstury na kurtce

Zobacz rys. 38, aby zobaczyć nasze postępy. Jesteśmy coraz bliżej!

fig 38. Nasze postępy

Ciągle oceniam oddanie form. Czułem, że jej kości policzkowe mogłyby być nieco bardziej wyraziste. Przeszedłem na miękki aerograf z dużym rozmiarem pędzla. Wybrałem głęboki, czerwonawy kolor i delikatnie wprowadziłem pędzlem trochę przyciemnienia pod kośćmi policzkowymi, aby zmiana płaszczyzny była bardziej wyraźna. Zobacz rys. 39.

rys. 39. Użycie dużego aerografu do pogłębienia obszaru kości policzkowych

As I moved towards the finishing strokes in the painting, I found myself using the Round watercolor brush quite often. Zobacz rys. 40, aby zobaczyć moje ustawienia.

rys. 40. Inne ustawienie pędzla, którego często używam

Podczas pracy nad tą fazą kolorystyczną, płatki śniegu powoli znikały. Teraz chcę je dodać z powrotem! Użyję dokładnie tych samych ustawień pędzla Spray, co w fazie szarości, tylko tym razem uwzględnię w swoich decyzjach kolor. Chcę, aby płatki śniegu były cieplejsze niż niebieskie tło. Niektóre płatki śniegu będą miały bardzo zdesaturowany, cyjanowo-niebieski odcień (który i tak jest cieplejszy od nasyconego niebieskiego tła!), podczas gdy inne płatki śniegu będą miały żółty odcień. Bardzo pomocne okazało się dodanie bardzo, bardzo, bardzo dużych cząsteczek za pomocą pędzla Spray, co pomogło zasymulować efekt głębi ostrości! Zobacz rys. 41.

rys. 41. Ponowne malowanie płatków śniegu, przy użyciu dwóch oddzielnych warstw

Na koniec przybliżę włosy i namaluję kilka pojedynczych pasm. Używam do tego okrągłego pędzla akwarelowego (rys. 40), z bardzo małym rozmiarem pędzla.

fig 42. Na koniec malowanie pojedynczych pasm włosów

Rys. 43 pokazuje poziom renderingu, który uważam za „skończony” dla tego dzieła. Pamiętaj, że jesteś swoim własnym artystą i będziesz miał swoje własne opinie na temat tego, jak bardzo chciałbyś, aby rzeczy były wyrenderowane w ostatecznym rozrachunku. Twój obraz może być luźniejszy niż ten lub ciaśniejszy niż ten; estetyka twojej pracy zależy wyłącznie od ciebie, a twój gust estetyczny jest tak samo ważny jak mój!

Rys. 43. Zbliżenie gotowego oka

Well folks, we did it – the painting is finished! Patrz rys. 44.

fig 44. Gotowy obraz

To jest bardzo wszechstronne podejście do malarstwa cyfrowego. Możesz użyć go do malowania wszystkich rodzajów postaci, w każdym rodzaju oświetlenia, z wszystkimi rodzajami palet – wszystko za pomocą zaledwie kilku prostych (ale potężnych) narzędzi w Clip Studio Paint. Mam nadzieję, że podobało ci się śledzenie ze mną, i życzę ci wszystkiego najlepszego w twojej pracy! To jest Marco Bucci, podpisuję się!

.