Photo Credits: iTunes
Przerywnik rozpoczął się jako moment przejściowy dla publiczności, aby złapać oddech między aktami sztuki lub filmu. Dziś przerywniki są najczęściej wykorzystywane jako pit stop; okazja do rekalibracji i ponownego skupienia uwagi na szerszym obrazie. Artyści zaczęli wykorzystywać tę przestrzeń jako środek nadający impet i łączący punkty tematyczne.
Na przykład, Kendrick Lamar wykorzystuje przerywniki, aby wziąć amerykański kapitalizm i diabła na celownik w To Pimp A Butterfly; 6LACK używa „Thugger’s Interlude” na East Atlanta Love Letter, aby podziękować muzyce trapowej za utrzymywanie jego głowy nad wodą w trudnych romantycznych czasach; a frustracje Boogie’go napędzają wyuzdane wyznania „Lolsmh (Interlude)” w sposób, który przewyższa i tak już dosadny przekaz jego debiutanckiego albumu Everythings For Sale.
Najlepsze przerywniki zapewniają chwilę na zastanowienie się nad tym, co usłyszeliśmy, a górna elita przerywników wykorzystuje drobne szczegóły, aby uczynić tę przerwę tak wciągającą, jak to tylko możliwe.
„Nie mogę być pojedynczą ekspresją siebie. Jest zbyt wiele części, zbyt wiele przestrzeni, zbyt wiele manifestacji” – Solange Knowles („Can I Hold The Mic (Interlude)”)
Na When I Get Home, Solange Knowles znajduje delikatną stopę pomiędzy tym, co ujmujące, a tym, co powściągliwe. Jej nowo wydany album jest wyciszonym i ponurym hołdem dla jej rodzinnego miasta Houston, cukierkowo-kolorową płytą przykrytą sepiową osłoną przeciwdeszczową. Różnorodność, za którą Solange tęskni w utworze „Can I Hold The Mic? (Interlude)” jest wzmocniona przez senne opisy na wcześniejszym utworze „Way To The Show”, podczas gdy „Nothing Without Intention (Interlude)” wykorzystuje tytułową frazę z teledysku Goddess Lula Belle o wodzie Florydy, aby podkreślić miłość Solange do-i-odzyskanie-„Black-owned things.”
Jeśli samo „When I Get Home” jest afrofuturystyczną instalacją artystyczną, to przerywniki są planami ekspozycji. To bloki fundamentowe czekające na złożenie przez słuchaczy, podobnie jak plany, których Solange użyła do promocji albumu.
When I Get Home nie jest wyłącznie hołdem dla ulic H-Town, które wychowały Solange, ale hołdem dla idei, że Czarni ludzie na całym świecie zasługują na własne Houston. Żadna utopia nie może istnieć bez czarnej kobiecości, która jest siłą napędową naszej kultury. Te należące do Czarnych rzeczy muszą skądś pochodzić. Solange używa tych i innych przerywników, aby namalować spójny obraz ambicji, nadziei i marzeń, które rodzą Black Houston.
Odwrotnie, Queens emcee Deem Spencer używa przerywników, aby przesiać gruzy zepsutego fundamentu. Na swoim przemyślanym albumie Pretty face z 2019 roku, Spencer szczegółowo opisuje rozpad długotrwałego związku oraz fale żalu i nadziei, które pochodzą z pozbierania kawałków.
Poezja Spencera jest często przytłoczona przez wybraną produkcję, jak prowadzenie rozmowy telefonicznej podczas przebywania w zatłoczonym supermarkecie. Na Pretty face, przerywniki pomagają wzmocnić jasność dla słuchaczy zwracających uwagę na historię pod ręką.
„Shorty pt. 1” zaczyna się od kobiecego głosu osłaniającego ukryte emocje z połowiczną odpowiedzią na pytanie, którego nie słyszymy: „Chyba. Nic mi nie jest. Nic złego, kochanie. Nawet się tym nie przejmuj.” Możemy poczuć niepokój pchający każde słowo, podobnie jak Spencer, który poświęca następną piosenkę, „jak pięknie”, na gruchanie o, no cóż, jak piękna jest dla niego jego shorty.
Małe rozmowy są pieprzone w całym projekcie, służąc jako dokuczliwe przypomnienia o wątpliwych momentach, które napędzają nowo odnalezioną miłość własną Spencera. Podczas gdy na When I Get Home przerywniki pomagają budować atmosferę, tutaj ściągają watę z oczu Spencera i jego byłej kochanki, oferując spojrzenie 20/20 z perspektywy czasu na opowieść o dwudziestokilkulatkach parających się romansem w erze cyfrowej. Przerywniki zbliżają nas do smutku Deem’a, nadając albumowi i jego kolejnym emocjom wagę. Te przerwy dodają projektowi człowieczeństwa i wiarygodności, które w przeciwnym razie zostałyby przeoczone.
Odkrycie swoich niepewności przed światem nie jest łatwym zadaniem. Wystarczy zapytać Sylvana LaCue, który używa interludiów przez cały swój 2018 album Apologies In Advance, aby opowiedzieć historię zamknięcia i uzdrowienia, która ściśle przypomina jego własną. Apologies jest przeplatane kilkoma przypadkami terapii grupowej w fikcyjnym AIA Center, albo dodając wykrzyknik do poprzedniej piosenki, albo zapowiadając temat następnego.
Koncepcja porusza się w lockstepie; co kilka piosenek prowadzi do kolejnej odkrywczej dyskusji panelowej. Surowa wymiana zdań w „Step 2: Getting Uncomfortable” jest portalem do wewnętrznych bitew Sylvana w „Head Games”. Rozmowy o poczuciu winy z powodu niewystarczająco ciężkiej pracy („Step 7: What We Deserve”) przechodzą w listę osobistych problemów, które wymagają naprawy w piosence zatytułowanej, o ironio, „Coffee Break.”
Najważniejsze interludium na albumie pojawia się na samym końcu, kiedy akceptacja ostatecznie prowadzi do wolności („Step 12: Apology Accepted”), a Sylvan spogląda w przyszłość trzymając klucz w dłoni („5:55”). A wystarczyło tylko trochę terapii między piosenkami.
Podczas gdy wszystkie trzy albumy cenią sobie akceptację ponad wszystko, Apologie zaspokajają głód struktury w walce o wewnętrzny spokój, a ten głód dudniłby znacznie ciszej bez pomocy interludiów.
Interludia są czymś więcej niż tylko przestrzenią dla pomysłów, które przychodzą i odchodzą. Interludia są tkanką łączną pomiędzy pomysłami i środkiem do syntezy przemyślanej zawartości płyty w granicach mentalnej przerwy. Ciężko jest przedzierać się przez mentalne wody, kiedy wciąż płynie przez nie prąd, ale poprzez łączenie różnych ścieżek zbudowanych w celu rozwinięcia tych pomysłów, interludia są w stanie podwoić się jako pokarm dla myśli.
Jak mówią dzieciaki, poziomy.