Jestem pewien dwóch rzeczy – wszyscy z nas są bardzo dumni z piosenek, które piszemy i, przeciwnie, nigdy nie jesteśmy zadowoleni z aranżacji piosenek. Jak więc stworzyć aranżację piosenki, którą pokochamy? Co więcej, jak sprawić, by nasze piosenki pokochały wytwórnie płytowe? Stacje radiowe? Słuchacze na całym świecie? A dokładniej – jak zaaranżować piosenkę jak profesjonalista?
Zaczyna się od stworzenia atrakcyjnej i profesjonalnie brzmiącej aranżacji piosenki – takiej, która utrzyma uwagę słuchacza i opowie historię utworu.
Chociaż wszyscy autorzy piosenek podchodzą do procesu aranżacji z wielkim entuzjazmem, częściej niż nie, zamienia się on w bardzo długi proces, w którym wydaje się, że próby i błędy nigdy się nie kończą. Paradoksalnie, z większą ilością zainwestowanego czasu – mniej zbliżamy się do pożądanego rezultatu.
W tym poście, Julian, aranżer muzyczny Supreme Tracks do wynajęcia, stworzył kompleksowy 10-stopniowy przewodnik aranżacji piosenek gwarantujący:
- dramatycznie poprawić jakość aranżacji Twoich piosenek
- nauczyć Cię, jak najlepsi aranżerzy podchodzą do procesu aranżacji
- oszczędzić Ci mnóstwo czasu, który spędziłbyś goniąc własny ogon
Ten przewodnik jest sekwencją kroków, więc upewnij się, że podążasz za krokami w kolejności przedstawionej poniżej.
Jako sprawa faktu, najważniejszą wskazówką w tym przewodniku jest trzymanie się kolejności kroków aranżacyjnych przedstawionych poniżej.
Więc, zaczynamy.
Krok 1: Upewnij się, czy piosenka działa na własną rękę
Czy piosenka działa na własną rękę, jeśli miałbyś ją grać na pianinie lub na gitarze sam podczas śpiewania? Jeśli piosenka nie jest już „wielka” na własną rękę, żadna ilość produkcji lub aranżacji to naprawi.
- Czy masz silny refren?
- Czy główna linia melodyczna jest na miejscu?
- Czy masz dobry melodyczny lub harmoniczny „hak”?
Pracuj nad swoją piosenką, aż sprawisz, że będzie brzmiała świetnie „nago”, tylko z fortepianem/gitarą i głosem. Jest niezwykle ważne, aby honorować ten krok. Zła piosenka pozostanie złą piosenką, nawet z najlepszą aranżacją i produkcją. Dobra piosenka pozostanie dobrą piosenką, nawet z mniej niż odpowiedniej produkcji.
Pro tip: Nie możemy podkreślić ten jeden wystarczająco … Upewnij się, że masz swoją piosenkę, aby brzmieć jak dobra piosenka przed przejściem do kroku 2.
Krok 2: Sprawdź jaki gatunek (gatunki) obejmuje piosenka
Przed rozpoczęciem sesji aranżacyjnej/produkcyjnej, musisz zadać sobie pytanie – jaki gatunek (gatunki) obejmuje piosenka?
Gdy to zostanie ustalone, bardzo przydatne może być znalezienie kilku ścieżek referencyjnych. Ścieżki referencyjne są niewiarygodnie ważne zarówno w fazie aranżacji/produkcji jak i miksu/masteringu każdego nagrania. Niektórzy mogą powiedzieć, „Nie chcę nikogo kopiować, bo chcę być całkowicie oryginalny.”
Ale prawda jest taka, że nawet profesjonaliści na samym szczycie – którzy są bardzo oryginalni – ciągle odnoszą się do innych materiałów.
Czy jest to tylko lekkie słuchanie dla inspiracji, czy sprawdzenie jak ktoś inny podszedł do pewnej sytuacji, każdy to robi i jest to niezbędne. Dość trudno jest coś dokładnie odwzorować. Nie martw się o kopiowanie kogoś, chyba że dosłownie kopiujesz go nuta po nucie, instrument po instrumencie, etc.
Pomyśl o używaniu utworów referencyjnych jako o „byciu częścią rozmowy” produkcji muzycznej w ogóle.
Krok 3: Potwierdź czy piosenka ma dobrą długość. Czy wszystkie różne sekcje mają odpowiednią długość i czy uzupełniają się nawzajem?
Ten krok wpada trochę w krok pierwszy, „Czy piosenka działa na własną rękę?”. Jednakże, aranżer/producent może chcieć zmodyfikować formę utworu na potrzeby nagrania. Czasami sposób, w jaki wykonawca gra piosenkę na żywo, może różnić się od wersji studyjnej. Dla nagranej wersji, to jest bardzo ważne, że piosenka jest tak zwięzły, jak to możliwe.
Krok 4: Upewnij się, że masz przyzwoity Scratch Lead Vocal
„Kiedy zaczynam aranżacji i produkcji piosenki, to jest konieczne, aby mieć przyzwoity wokal wiodący scratch do pracy z. Bez niego można podjąć kilka całkiem złych decyzji.” – twierdzi Julian.
Nagranie wokalu prowadzącego pomoże Ci kierować podejmowaniem decyzji podczas aranżacji.
Na przykład, nie słysząc wokalu mógłbyś łatwo sprawić, że aranżacja byłaby zbyt gęsta. To nie tylko spowoduje mniej niż przyjemne końcowe nagranie, ale także sprawi, że praca inżyniera miksu będzie o wiele trudniejsza. Najlepiej nagrane utwory mają aranżacje, które mają idealną równowagę gęstości produkcji.
Wszystkie różne elementy aranżacji/produkcji powinny mieć swoją własną przestrzeń i zakres dźwiękowy.
Na przykład, nie chcesz mieć basu grającego jedną linię i klawiatury grającej inną w tym samym zakresie.
Krok 5: Perkusja i inne rytmiczne komponenty
Oprócz głównego wokalu, perkusja/rytmiczne komponenty piosenki są najważniejszą częścią aranżacji. Zajmują najwięcej dźwiękowej przestrzeni, dają słuchaczowi „groove” i dyktują dużą część tego, jak piosenka się czuje.
Po pierwsze, czy perkusja powinna być akustyczna (prawdziwa) czy samplowana?
Oczywiście ten krok nie ma zastosowania do pozbawionych aranżacji (jak fortepian/wokal, głos i gitara i smyczki, itp.). Kiedy to jest już ustalone, możesz chcieć posłuchać jednej ze swoich ścieżek referencyjnych.
Gdzie powinny wejść bębny? Gdzie powinny wychodzić? Za jakie ogólne wzorce będzie odpowiedzialna perkusja?
Jeśli utwór będzie zatrudniał prawdziwego perkusistę, twoja aranżacja powinna tylko nakreślić ogólny kierunek tego, co perkusista powinien zagrać.
Nie miej obsesji na punkcie programowania wypełnień lub feelingu. Dobry perkusista podejmie te decyzje za ciebie.
To prowadzi nas do kolejnego punktu. Potrzebujesz naprawdę świetnego perkusisty, jeśli masz zamiar używać perkusji akustycznej. I, perkusja musi być nagrana perfekcyjnie.
Jeśli perkusja nie jest nagrana perfekcyjnie, cała twoja piosenka będzie brzmiała tak, jakby nie była nagrana z perfekcją. I pamiętaj, zawsze możesz odjąć i sprawić, by brzmiało to ziarniście i lo-fi. Wystarczy wybrać ile kanałów mikrofonowych znajdzie się w końcowym miksie i jaki rodzaj przetwarzania zostanie użyty. Co więcej, nie możesz użyć tylko monofonicznego mikrofonu na perkusji i oczekiwać, że końcowy miks będzie brzmiał jak popowa piosenka country, która właśnie trafiła do radia z Nashville!
Krok 5a: Zaprogramowana perkusja
Jeśli sam programujesz perkusję, musisz myśleć jak perkusista. Częściej niż nie, po prostu wpisywanie patternów na siatce prowadzi do płasko brzmiących rezultatów.
Najlepsi producenci gustownie wychodzą poza siatkę i używają różnych prędkości, aby nadać aranżacji perkusji feeling.
Detale takie jak upewnienie się, że kick i hi-hat nie uderzają w tym samym momencie sprawiają, że aranżacja brzmi grubiej.
Prawdziwy perkusista nigdy nie byłby w stanie zagrać tych trzech elementów w tym samym czasie z dokładnością do milisekundy.
Ale korzysta na tym, ponieważ wtedy nasze uszy słyszą każdy element nieco wyraźniej. Podczas produkcji, często będę przesuwał kick przed beat o kilka milisekund i przesuwał hi-hat do tyłu. Wszystko to jest zależne od utworu i musi być dobrane z gustem. Istnieją wspaniałe wtyczki „groove” dla MIDI, które zmienią prędkości i timing subtelnie na twoim programowaniu bębnów.
Po raz kolejny, nie możesz po prostu użyć każdego starego „feelingu”, ale z doświadczeniem możesz znaleźć takie i zmodyfikować je tak, aby pasowały do utworu.
Krok 6: Bas i elementy basu
Od kiedy perkusja jest odwzorowana w twojej aranżacji, bas (lub elementy basu) – w większości przypadków – przychodzi następny.
- Gdzie bas pojawia się w aranżacji?
- Gdzie bas odpada?
- W jakim zakresie bas gra na wersach i na refrenach?
Jeśli jest to standardowa piosenka pop, będziesz chciał się upewnić, że bas „otwiera się” na refrenie, co oznacza, że bas nie gra cicho w wysokim rejestrze, gdy refren opada.
Jeśli masz „prawdziwego” basistę na swojej ścieżce, jest to imperatyw – tak jak perkusja – że jest to fachowo nagrane i zagrane. Nic nie może być gorsze dla twojej ścieżki, jeśli basowi brakuje przejrzystości, niskich częstotliwości końcowych i groove.
Jeśli masz syntezatorowy bas na swojej ścieżce, bądź ostrożny z subbasami i „tłustymi” presetami. Jeśli subbas jest jedynym basem w twoim utworze, poprawka musi być zaprojektowana w taki sposób, że ma pewne harmoniczne w średnim zakresie, tak aby ucho mogło go znaleźć podczas słuchania na głośnikach, które nie mają dobrej odpowiedzi na niskie tony.
Na przykład, możesz nie słyszeć pewnych poprawek sub basu na laptopach, iPhone’ach, i wybranych wkładkach dousznych i samochodowych systemach stereo.
Może to brzmieć bestialsko w studio lub w klubie z doskonałymi subwooferami, ale w reszcie świata, może całkowicie zniknąć. Odwrotnie jest z „tłustymi” presetami.
Możesz znaleźć preset dla basu podczas pracy z jednym z twoich ulubionych syntezatorów, który brzmi absolutnie potężnie, ale kiedy siedzi w aranżacji, zabija utwór i nie pozostawia miejsca na nic innego. Bądź ostrożny z „stereofonicznymi” basami i patchami, które mają dużo informacji high-end.
Większość czasu, chcesz patch basu, który jest mono i nie idzie zbyt wysoko w spektrum częstotliwości. Wyjątki mają jednak zastosowanie!
Doświadczenie pomoże ci podjąć te decyzje.
Krok 7: Główny napędzający składnik harmoniczny
Informacje harmoniczne przychodzą jako następne, gdy uczysz się jak zaaranżować utwór: gitary, klawisze, syntezatory, smyczki, itd.
Ta część aranżacji może być całkiem otwarta i swobodna, ale zawsze myślę o wujku Spider Mana w tej sytuacji, zastępując słowo moc wolnością – „z wielką wolnością przychodzi wielka odpowiedzialność”. To dobry pomysł, aby sprawdzić swoje ścieżki referencyjne, aby zobaczyć, jakich instrumentów możesz chcieć użyć.
Czy główny napędzający składnik harmoniczny piosenki jest instrumentem klawiszowym czy gitarą?
Wiele piosenek albo ma gitarę albo fortepian jako główny instrument uzupełniający do głównego wokalu.
Ten instrument częściej niż nie będzie grał przez całą piosenkę. Kiedy już to rozgryziesz, chodzi o pieprzenie aranżacji z materiałem do wyboru.
Nie możesz naprawdę nauczyć tego lub dowiedzieć się, jak to zrobić w artykule. To wszystko jest o próbie i błędzie i doświadczeniu. Będziesz chciał użyć swoich instrumentów harmonicznych do kształtowania konturu utworu.
Na przykład, na sekcjach refrenu, użyjesz więcej swoich źródeł, aby uczynić aranżację gęstszą i „fatter”. Dla sekcji zwrotek, będziesz bardziej niż prawdopodobne, aby uczynić go cieńszym.
Klasyczne przykłady to podwajanie gitar na sekcji refrenu (i panoramowanie ich w lewo i w prawo), lub uczynienie jakiegokolwiek źródła, które masz, z bycia mono do stereo.
Pro tip: Jeśli zdecydujesz się użyć sekcji dętej lub żywych smyczków w swojej aranżacji, będziesz chciał się upewnić, że części pasują do piosenki niewiarygodnie dobrze. Większość piosenek nie może mieć takiej zawiłości jak aranżacja rogów Earth, Wind, and Fire. W większości przypadków będziesz chciał użyć rogów do wypełnienia przestrzeni smacznymi, prostymi liniami lub „wyścielić” partie, w których śpiewa wokalista. To samo tyczy się smyczków. I chociaż istnieje kilka niesamowitych bibliotek sampli dla smyczków i rogów, to w wielu przypadkach, nawet przy fachowym programowaniu, biblioteki te mogą okazać się niewystarczające i sprawić, że Twoja produkcja będzie brzmiała tandetnie. Więc, użyj ich do demo i aranżacji, ale kiedy nadejdzie czas na produkcję i proces nagrywania, podejmij mądrą decyzję!
Krok 8: Contemporary Pop and EDM Considerations
Uwaga o syntezatorach i współczesnym popie i EDM: bardzo ważne jest, aby słuchać dużo tej muzyki i nauczyć się jak wszystkie części pasują do siebie.
Najlepsze syntezatorowe rzeczy i EDM mogą brzmieć bardzo gęsto (i czasami tak jest), ale częściej niż nie, wszystkie syntezatory pracują razem w wyrafinowany komplementarny sposób. I chociaż może być wiele patchy i „dźwięków”, to chodzi o bycie sekwencyjnym z nimi, co oznacza, że słyszysz je jeden po drugim, a nie w tym samym czasie. Albo, każda część robi swoją własną rzecz w swoim własnym zakresie dźwiękowym.
Krok 9: „Pył produkcyjny”
Jaka jest ostatnia faza podczas nauki aranżacji piosenki? Pył produkcyjny.
Dla akustycznej aranżacji, może to być dodanie perkusji w różnych częściach aranżacji. Klasyczne przykłady byłyby shaker część wchodząc na drugim wersie i tamburyn na bridge.
W bardziej współczesnych stylów, to będzie wszystkie „biały szum” swooshes i dźwięku FX, takich jak uderzenia, risery, uplifters, downlifters, itp.
Gdy przy użyciu tych FX, to jest bardzo ważne, że pasują do piosenki.
Na przykład, nie tylko każda wiązka risery będzie działać dla każdej aranżacji. Jeszcze lepiej, stwórz własne FX dla każdego utworu. Jest to bardziej czasochłonne, ale może prowadzić do wspaniałych rezultatów. Jeśli używasz gotowych FX (co jest całkowicie w porządku), upewnij się, że masz dostęp do wielu różnych bibliotek, aby nie być zmuszonym do używania tylko kilku wybranych FX. Mogą one naprawdę wyróżniać się w albumie lub EP-ce, jeśli używasz tych samych w kółko.
Krok 10: Wokale tła
Zakładając, że główny wokal został dość mocno „naprawiony” przez cały czas podczas fazy aranżacji/produkcji, wymyślenie kilku wokali tła (często określanych jako BGV) naprawdę doprawia utwór i daje mu życie.
Jako producent/aranżer możesz mieć pomysły na to, jakie powinny być BGV, ale z mojego doświadczenia wiem, że lepiej jest pracować z wokalistą(ami) bezpośrednio w studio. Niektóre dobre przykłady wskazówek, które możesz dać swojemu wokaliście (swoim wokalistom) to:
- „Podwój tę linię w wersie”, abyś mógł zaakcentować pewną frazę.
- „Zaśpiewaj refren o jedną trzecią wyżej lub niżej”, abyś miał ścieżkę harmonii.
- „Zaśpiewaj dodatkową część, abyśmy mieli trzyczęściową harmonię.”
Uwaga: trzyczęściowa harmonia może być trudna. Ogólnie rzecz biorąc, dla piosenek pop, trzymam się „kościoła” harmonia trzyczęściowa i można dowiedzieć się, jak umieścić te części razem ucząc się, jak harmonizować skalę C-dur. Kolejność nut jest następująca: C-dur triada pozycja root, D-moll triada pozycja root, C-dur triada 1st inversion, D-moll triada 1st inversion, C-dur triada 2nd inversion, D-moll triada 2nd inversion, z powrotem do C-dur pozycji root. Zwróć uwagę na wykluczenie wiodącego tonu 7 stopnia (B)! Kiedy jest wiodący ton w melodii, będziesz musiał opracować BGV wokół niego, aby pasował do kontekstu i gatunku. Ogólnie rzecz biorąc, zwykłe voicing akordu V będzie działać, ale musisz go usłyszeć.
Going Forward Into Recording and Production Process
Gdy twoja aranżacja jest skończona, jesteś gotowy, aby przejść do nagrywania i/lub miksowania.
Więcej niż nie, aranżacja lub produkcja może się trochę zmienić. Na przykład, proces miksowania może wskazać, że musisz odjąć lub dodać pewne elementy z aranżacji, i to jest całkowicie w porządku i normalne. Wszystkie procesy nagrywania utworu w pewnym stopniu przenikają się wzajemnie. Po prostu bądź na bieżąco z tym, jak piosenka brzmi w kategoriach wielkiego obrazu.
Posłuchaj jej na tle swoich ścieżek referencyjnych.
Ostateczny produkt jest o wiele ważniejszy niż wszystkie małe szczegóły omówione w tej liście kontrolnej, i bardzo łatwo jest się zgubić we wszystkich szczegółach.
Dobra piosenka jest dobrą piosenką i będzie brzmieć świetnie bez względu na to, co robisz w aranżacji muzyki i procesu produkcji, tak długo, jak aranżer / producent nie podejmuje decyzji, które niszczą piosenkę.
Zła piosenka jest złą piosenką i bez względu na to, ile wysokiej jakości produkcji / aranżacji / miksowania jest zrobione, to zawsze będzie źle. Jakość zaczyna się od początku i jest czymś, co musi być utrzymywane przez całą drogę aż do ostatecznego master.
How To Arrange A Song – Checklist
Podsumujmy, jak zaaranżować piosenkę – wykonaj te kroki, aby upewnić się, że Twoja aranżacja piosenki przykuje uwagę słuchaczy.
- Czy piosenka brzmi świetnie sama w sobie?
- Forma i długość piosenki zostały określone
- Gatunek(y) piosenki zostały określone
- Znaleziono ścieżki referencyjne (1-3 referencje)
- Zarejestrowano przyzwoity wokal
- Podjęto decyzję – perkusja akustyczna czy programowana?
- Części perkusji zostały odwzorowane lub zaprogramowane
- Część(i) basu została opracowana, uzupełniając perkusję
- Instrumenty harmoniczne (gitary, klawisze, smyczki, itd.) zostały gustownie dobrane i uzupełniają melodię, bas i perkusję
- „Pył produkcyjny” (perkusje, FX, itp.) został gustownie dodany
- Żaden z elementów w aranżacji nie koliduje ze sobą
- Pomysły na BGV są na miejscu
Więc macie to jak na dłoni. Powodzenia z aranżacjami i pamiętaj – praktyka czyni mistrza!
About Supreme Tracks
Jeśli masz ambicje co do swojej muzyki i chcesz wyprodukować swoje utwory, aby odniosły sukces w komercyjnym wydaniu, Supreme Tracks i nasi uznani aranżerzy muzyczni są do Twojej dyspozycji. Pomogliśmy już ponad 1000 niezależnym artystom, takim jak Ty, wyprodukować światowej klasy utwory i doświadczyć nowych poziomów sukcesu na rynku muzycznym.
Użyj naszego formularza kontaktowego, aby opowiedzieć nam o swoim projekcie i sprawdźmy, czy nadajemy się do współpracy. Dostarczymy Ci darmową propozycję, jak sprawić, aby Twój utwór brzmiał jak świeżo po zejściu z listy przebojów Top 40!