Mówi się, że amatorzy ćwiczą tak długo, aż wyjdzie im to dobrze, ale profesjonaliści ćwiczą tak długo, aż nie mogą się pomylić. Z pozoru trudno się z tym powiedzeniem nie zgodzić. Jako nauczyciel muzyki, jestem pewien, że powiedziałem uczniom, że nie powinni przejść do nowego – i być może bardziej atrakcyjny – projekt, dopóki nie ukończyli jeden są obecnie pracuje nad (że ich nauczyciel przypisany do nich!).
Wydaje się, że wielu w muzycznym świecie wierzą w opanowanie nauki: podjąć jedno zadanie na raz i zakończyć go przed przejściem do następnego bardziej wymagające jeden. Najważniejsze w tym podejściu jest wyeliminowanie błędów i w inny sposób dostać to dobrze. Koncentracja jest kluczowa. Z pewnością to podejście nadaje się dobrze do wielu ustawień muzycznych, ale nie zawsze może być najlepsze dla optymalnego rozwoju muzycznego.
Podstawowym problemem jest specjalizacja, która jest zakładana przez wielu w edukacji muzycznej jako część najlepszej drogi do ekspertyzy wykonania muzyki. W końcu, ten kto stara się być „mistrzem wszystkich zawodów” prawdopodobnie pozostanie „mistrzem żadnego z nich”, prawda? Spojrzenie na edukację muzyki instrumentalnej w amerykańskich szkołach pokazuje, że specjalizacja jest dobrze przyjętą zasadą. Typowe jest ograniczanie nauki młodych muzyków do jednego instrumentu (np. instrumentu potrzebnego w szkolnej orkiestrze lub zespole koncertowym), jednego stylu muzycznego (np. muzyka klasyczna lub klasopodobna) i jednego sposobu muzykowania (np. ćwiczenie i próby opublikowanych utworów z wydrukowanej notacji). Co więcej, takie ograniczenia są przeprowadzane w oparciu o tradycję i praktykę instytucjonalną, a nie jakiekolwiek celowe rozważania na temat cech uczniów, zainteresowań muzycznych lub potrzeb edukacyjnych.
Wyłaniający się korpus badań sugeruje jednak, że przyjęta wartość specjalizacji zasługuje na zakwestionowanie. Dziennikarz David Epstein podsumowuje badania w swojej książce Range z 2019 roku: Why Generalists Triumph in a Specialized World (Epstein, 2019). Autor w szczególności kwestionuje zasadę 10 000 godzin, która mówi, że aby osiągnąć elitarny poziom ekspertyzy, wykonawcy muszą skumulować dziesięć tysięcy godzin celowej praktyki, zwykle rozłożonej na około 10 lat. Reguła 10,000 godzin została zastosowana do wielu dziedzin – w tym muzyki, sportu i szachów – i zyskała na popularności w ciągu ostatniej dekady od publikacji bestsellerów Outliers Malcolma Gladwella (2008) i Talent jest przereklamowany Geoffa Colvina (2008).
W Range, Epstein używa dwóch znanych sportowców jako przykłady elitarnych wykonawców poziomu. Podczas gdy on przyznaje, że golfista Tiger Woods 'ścieżka do wielkości zawierał specjalizacji jako małe dziecko i dużo celowej praktyki, on również wskazuje na tenis wielki Roger Federer, który grał duży wachlarz sportów jako młody i często unikał zorganizowanej praktyki jego umiejętności tenisowych.
W wyjaśnieniu, jak Tiger i Roger osiągnął elitarne wyniki sportowe poprzez bardzo różne procesy rozwojowe, Epstein wskazuje na badania psychologiczne, które zbadały rodzaje umiejętności potrzebnych w różnych dziedzinach. W niektórych dziedzinach sukces jest ułatwiony dzięki szybkiemu rozpoznawaniu wzorców do natychmiastowego podejmowania decyzji; w tych dziedzinach – na przykład w szachach i sporcie golfowym – informacje zwrotne są jasne i natychmiastowe, a wiedzę fachową buduje się poprzez doskonalenie techniki dzięki powtarzalnej praktyce. Psychologowie skategoryzowali takie dziedziny jako „życzliwe” środowiska uczenia się. Dzięki dużej ilości powtórzeń, rozpoznawanie wzorców może stać się natychmiastowe, a umiejętności motoryczne wysoce zautomatyzowane.
Inne dziedziny, jednakże, są bardziej „niegodziwymi” środowiskami uczenia się. Epstein argumentuje, że w dziedzinach, które cenią kreatywność, osoby osiągające wysokie wyniki są najlepiej obsługiwane przez szeroki zakres zainteresowań, a nie specjalizację. Wskazuje on na laureatów Nagrody Nobla, którzy jego zdaniem znacznie częściej angażują się w różnorodne twórcze przedsięwzięcia, niż ich mniej utalentowani koledzy. Epstein cytuje laureata Nagrody Nobla Santiago Ramon y Cajal, który powiedział o szerokich zainteresowaniach ekspertów, „wydaje się, że rozpraszają i rozpraszają swoją energię, podczas gdy w rzeczywistości ukierunkowują ją i wzmacniają” (Root-Bernstein et al., 2008, str. 57)
Czy muzyka jest „dobrą” czy „złą” dziedziną nauki? Na to pytanie nie jest tak łatwo odpowiedzieć. Świat muzyki jest tak różnorodny, że składa się z wielu subdomen. Niektóre działania w obrębie wykonawstwa muzycznego są miłe, ponieważ sukces jest wspomagany przez powtarzające się ćwiczenia w kierunku doskonalenia niezawodnej techniki wykonawczej. Jednakże inne muzyczne dążenia zależą od kreatywności i działań improwizowanych.
Przypisanie etykiet „życzliwy” i „zły” do środowisk uczenia się muzyki może być wyzwaniem. Gatunek muzyki popularnej jest często opisywany jako formuła i ograniczony (szczególnie jeśli chodzi o liczbę akordów, które trzeba znać, aby założyć zespół rockowy). Z kolei od aspirujących muzyków klasycznych oczekuje się, że opanują skale, arpeggia i inne wzory tak, by mogli je zręcznie wykonywać, gdy pojawią się w repertuarze. Nawet jeśli niektóre aspekty wykonawstwa muzycznego są wyraźnie wspomagane przez ograniczenia i powtarzalną praktykę, wciąż istnieją powody by włączać szeroki zakres do doświadczeń edukacyjnych muzyków.
Jest to z pewnością możliwe, że szeroki wachlarz doświadczeń muzycznych może produkować w młodych ludzi cechy, które później pozwalają im rosnąć w szybszym tempie. Jest również prawdopodobne, że wielu młodych ludzi jest bardziej zmotywowanych przez różnorodność w ich działaniach edukacyjnych. Choć idee te zostały z pewnością przyćmione przez dominującą „mądrość” wczesnej specjalizacji, nie są one szczególnie nowe. Wybitny psycholog muzyczny John Sloboda jest cytowany w Range za badania przeprowadzone w 1991 roku przez niego i jego kolegę, w których przeprowadzili wywiady z nastoletnimi uczniami szkoły specjalnej dla uzdolnionych muzycznie (Sloboda & Howe, 1991).
Ich dane sugerują, że „duże ilości wczesnej praktyki na jednym instrumencie są możliwe tylko w szczególnie sztywnych i ograniczonych reżimach, które mogą podważać zabawne poszukiwania, przez wielu uznawane za istotny aspekt muzykalności” (str. 20). Stwierdzili również, że „najzdolniejsi uczniowie nie poświęcali więcej czasu na ćwiczenia niż pozostali, ale ich czas ćwiczeń był bardziej równomiernie rozłożony pomiędzy kilka instrumentów” (str. 3).
Nadmiernie wyspecjalizowane doświadczenia muzyczne mogą nie tylko zahamować tempo rozwoju muzycznego, ale mogą również ograniczyć rodzaje muzykalności nabytej przez rozwijających się muzyków. Ci z nas, którzy chcą, aby młodzi muzycy rozwijali kreatywność i autoekspresję, powinni zwracać szczególną uwagę na ostrzeżenia przed zbyt wczesną specjalizacją. Podczas gdy nacisk na precyzję wykonania wymaga powtarzalnej praktyki, która skutkuje wypolerowaną techniką, rozwój kreatywności i autoekspresji wymaga od młodych muzyków pracy nad trudnymi problemami koncepcyjnymi. Rozwiązywanie problemów koncepcyjnych jest bardziej czasochłonne niż używanie dobrze przećwiczonych procedur wykonawczych (technika), ale pozwala uczącym się tworzyć ważne połączenia dla nich samych.
Ten rodzaj uczenia się muzyki może wydawać się „niechlujny”, ponieważ może być trudno stwierdzić, kiedy uczeń go opanował; to znaczy, informacja zwrotna nie jest tak jasna i natychmiastowa jak wtedy, gdy muzyk uczy się wykonywać wszystkie właściwe nuty w odpowiednim tempie. Ale to, czego brakuje w schludności, nadrabia mocą. To niechlujne uczenie się może zaowocować szerokim zrozumieniem wymaganym dla artystycznej kreatywności i prawdziwej autoekspresji; jest to uczenie się, które może być łatwo zastosowane w szeregu przyszłych ustawień muzycznych. W Range, David Epstein podsumowuje badania edukacyjne ostrzeżeniem, że pragnienie szybszego uzyskania poprawnej odpowiedzi może zmienić problem „tworzenia połączeń” w bardziej uproszczony, oparty na regułach problem „stosowania procedur”.
Dodam, że dotychczasowe badania w edukacji muzycznej wskazują, że praktyka i próby skupione na repertuarze nie dają wiarygodnie uogólnionej nauki, którą uczniowie zabierają ze sobą, gdy przechodzą do nowej muzyki. Niewielki transfer nauki następuje z utworu na utwór, chyba że nauczyciele muzyki wyraźnie uczą uogólniających koncepcji i angażują uczniów w rozwiązywanie problemów podczas przygotowywania repertuaru do wykonania (Price & Byo, 2002; Lehmann, Sloboda, & Woody, 2007, rozdz. 10).
Prawdopodobnie istnieje wiele ustawień i podgatunków muzycznych, w których specjalizacja najlepiej służy rozwijającym się muzykom. Równie prawdopodobne jest jednak, że istnieją inne sytuacje, w których muzykom najlepiej służy zdobywanie szerokiego doświadczenia. W każdym razie, aspirujący muzycy i nauczyciele muzyki powinni postrzegać szerokość i specjalizację jako dwie uzasadnione opcje, które należy rozważyć dla własnego rozwoju muzycznego i rozwoju swoich uczniów.