Blue Note Records wydała ponad 1000 albumów w ciągu 80-letniej działalności. Jest to zdumiewający wyczyn. Jeszcze bardziej zdumiewające jest to, że nie znajdziecie wśród nich żadnego rozczarowania. W istocie Blue Note dokonała czegoś wyjątkowego dla wytwórni płytowej: konsekwentnie łączyła ilość z jakością. Choć firma wyprodukowała niezliczoną ilość albumów, żadnego z nich, zwłaszcza tych nagranych pod okiem Alfreda Liona w latach 1939-1966, nie można było uznać za jednorazowy. Jednak biorąc pod uwagę tak duży, rozległy – i, owszem, czasami onieśmielający – katalog, pomysł kolekcjonowania albumów Blue Note od podstaw może wydawać się zniechęcający dla nowicjuszy pragnących poszerzyć swoją wiedzę na temat wytwórni, która przez dziewięć dekad znajdowała się w czołówce jazzu. Wielu nowicjuszy potrzebuje przewodnika po Blue Note, który pomoże wskazać punkty wejścia do tak przytłaczającej ilości muzyki.
Jak zacząć zbierać Blue Note?
Dla początkujących kolekcjonerów, wielkie i najbardziej palące pytanie brzmi: gdzie i jak zacząć zbierać Blue Note? Być może słyszałeś, jak doświadczeni fani mówią o klasycznych albumach; lub – co nie jest niezwykłe, biorąc pod uwagę charakterystyczną szatę graficzną Blue Note – może po prostu podoba Ci się wygląd jednej z okładek. Niezależnie od tego, w jaki sposób do tego podejdziesz, wiedza o tym, jak rozpocząć kolekcję Blue Note nie jest łatwa, choć z pewnością przyjemna. I jest całkiem możliwe, że kolekcjonerski „bakcyl” doprowadzi do obsesji. (Mówi się, że po śmierci, rozwodzie i przeprowadzce, zbieranie płyt może być jednym z najbardziej stresujących doświadczeń, jakim człowiek może się poddać. Jako niepoprawny uczeń Blue Note, ten pisarz może zaświadczyć o niebezpieczeństwach związanych z pożądaniem rzadkich egzemplarzy serii 1500 LP tej wytwórni – może to opróżnić twoje konto bankowe.)
Nie musisz brać kredytu hipotecznego na dom, aby zacząć budować kolekcję Blue Note (chyba, że chcesz zdobyć oryginalne płyty LP z lat 50-tych i 60-tych). Istnieje wiele kompilacji i list odtwarzania, które zawierają najciekawsze pozycje z katalogu wytwórni. Ale to daje tylko powierzchowne doświadczenie. Jeśli chcesz sięgnąć głębiej, musisz koniecznie sięgnąć po poszczególne albumy. To właśnie wtedy mogą pojawić się trudności i przewodnik po Blue Note staje się bardzo przydatny.
W uDiscover Music możemy polecić następujące dziesięć tytułów jako niezawodny elementarz gromadzenia kolekcji Blue Note. Poniższy przewodnik po Blue Note pomoże Ci stworzyć solidny fundament, na którym możesz budować… i budować… i budować.
Posłuchaj tego, co najlepsze w Blue Note na Apple Music i Spotify, i przewiń w dół, aby znaleźć dziesięć albumów Blue Note, których musisz posłuchać.
A Beginners Guide To Blue Note: 10 Essential Albums You Must Hear
Art Blakey & The Jazz Messengers: Moanin’ (1959)
Uznany za swój mocny, energiczny styl, perkusista z Pittsburgha Art Blakey prowadził The Jazz Messengers od pięciu lat, kiedy wydali Moanin’, prawdopodobnie definitywne nagranie grupy. Ze względu na wielu młodych, początkujących muzyków, którzy przewinęli się przez szeregi grupy w czasie jej długiej historii (1954-1990), zespół został nazwany „Hard Bop Academy”, a wśród nowych rekrutów Blakeya na Moanin’ znalazł się filadelfijski pianista Bobby Timmons, który napisał tytułowy utwór albumu o smaku gospel, często cytowany jako kwintesencja brzmienia Blue Note. Z Filadelfii przybył również saksofonista tenorowy Benny Golson, który skomponował trzy inne najważniejsze utwory albumu – „Along Came Betty”, „The Drum Thunder Suite” (nośnik polirytmicznej biegłości perkusyjnej Blakeya) i „Blues March” – podczas gdy nastoletnia sensacja trąbki Lee Morgan błyszczała swoją przedwczesną wirtuozerią. Choć uważany za archetypiczną sesję hard bopową, tytułowy utwór albumu, ze swoimi uświęconymi kadencjami call-and-response, antycypował bardziej bezpośredni styl soul jazzu wczesnych lat 60-tych. Ostry portret Blakeya autorstwa Francisa Wolffa na okładce zamyka jeden z najwspanialszych albumów w repertuarze Blue Note – jeden z tych, bez których nie może się obejść żaden przewodnik po Blue Note.
Herbie Hancock: Maiden Voyage (1965)
Urodzony w Chicago Herbie Hancock miał zaledwie 25 lat i był kluczowym członkiem Kwintetu Milesa Davisa, kiedy wyprodukował to inspirowane morzem arcydzieło dla Blue Note w 1965 roku. Maiden Voyage był jego piątym i prawdopodobnie najlepszym albumem dla tej wytwórni, a trzy z jego pięciu utworów – delikatnie pulsujący i elegancki utwór tytułowy w stylu modalnym, a także burzliwy „Eye Of The Hurricane” i pełen wdzięku „Dolphin Dance” – są obecnie uznawane za standardy w repertuarze jazzowym. Na potrzeby tej sesji pianista otoczył się muzykami, którzy albo są obecnie, albo byli w zespole Milesa Davisa (basista Ron Carter i perkusista Tony Williams oraz saksofonista tenorowy George Coleman). Skład uzupełnia trębacz Freddie Hubbard, który olśniewa swoimi solówkami. Największe wrażenie robi jednak siła kompozycji, pomysłowość aranżacji i intuicyjna gra zespołu, który je ożywia. Na Maiden Voyage, Hancock zaserwował album, który był w stanie przesunąć i zbadać granice jazzu, pozostając jednocześnie wybitnie przystępnym. To nie lada wyczyn.
Lee Morgan: The Sidewinder (1964)
W epoce długowłosych grup rockowych, jazzowy hitowy singiel był rzadkością. Jednak na początku 1965 roku, 'The Sidewinder’ Lee Morgana, chwytliwy soul jazzowy utwór z wesołym, tanecznym groovem, wdarł się do US Hot 100, osiągając pozycję nr 81. Album macierzysty, wydany rok wcześniej, kiedy Morgan miał 25 lat, poradził sobie jeszcze lepiej, osiągając 25. miejsce na amerykańskiej liście przebojów i stając się najlepiej sprzedającym się albumem w historii Blue Note. Choć zdominowany przez niezwykle zaraźliwy utwór tytułowy, The Sidewinder nie jest jednoczęściowym cudem. Morgan, wraz z saksofonistą tenorowym Joe Hendersonem, pianistą Barrym Harrisem, basistą Bobem Cranshawem i perkusistą Billym Higginsem, serwuje prawdziwy hard bop. Godny uwagi ze względu na brak ballad, The Sidewinder oferuje wybór napisanych przez Morgana szybkich numerów, w tym super-życiowe „Hocus Pocus” i nieco łagodniejsze „Totem Pole”, które charakteryzują się mocnymi solówkami i napiętym zgraniem grupy.
John Coltrane: Blue Train (1958)
Zarejestrowany jako jednorazowy, gdy był jeszcze zakontraktowany w wytwórni Prestige, Blue Train był jedyną solową ofertą Johna Coltrane’a dla imprintu Alfreda Liona i Francisa Wolffa. Nagrany pod koniec 1957 roku, po tym jak saksofonista przeszedł „zimną turę”, by zerwać z uzależnieniem od heroiny, przez które został zwolniony z zespołu Milesa Davisa wcześniej w tym samym roku, Blue Train oznaczał jego odrodzenie jako muzyka wolnego od narkotyków. Być może z tego powodu był to pierwszy naprawdę wyjątkowy album długogrający Trane’a, który pokazał, że spełnia on obietnicę, jaką złożył zanim narkotyki zagroziły jego karierze. Coltrane prowadzi sekstet z trzema rogami na czele, w skład którego wchodzą trębacz Lee Morgan i puzonista Curtis Fuller, ten ostatni wnosi do albumu bogate brzmienie. Otwierający album utwór tytułowy, z pamiętnym klarownym tematem rogu, jest jedną z klasycznych kompozycji Coltrane’a i oferuje żywy przykład jego ozdobnego stylu solowego „sheets of sound” w hard bopowym otoczeniu. Jedynym coverem wśród pięciu utworów na płycie jest napisana przez Johnny’ego Mercera i Jerome’a Kerna „I’m Old Fashioned”, zamyślona ballada, w której Coltrane przedkłada głęboką ekspresję emocjonalną nad błyskotliwe popisy techniki. Blue Train jest nie tylko niezbędną pozycją w każdym przewodniku po Blue Note, ale także jednym z pierwszych portów dla każdego, kto interesuje się Johnem Coltrane’em.
Hank Mobley: Soul Station (1960)
Wirtuoz saksofonu, który często był niedoceniany – być może dlatego, że nie był pionierem na miarę takich rewolucjonistów jak Coltrane czy Ornette Coleman – Hank Mobley był mimo wszystko kluczową i płodną postacią w ewolucji hard bopu, nagrywając aż 26 albumów dla Blue Note w latach 1955-1970. Choć jego dorobek był niezmiennie dobry i rzadko obniżał jakość, jeden album wybija się ponad resztę i zasługuje na miejsce w tym przewodniku po Blue Note: Soul Station. Nagrany w lutym 1960 roku, Mobley prowadzi znakomity kwartet składający się z członków zespołu Milesa Davisa – pianisty Wyntona Kelly’ego i basisty Paula Chambersa – oraz perkusisty Arta Blakeya. Pełen energii, ale łagodny utwór otwierający płytę, 'Remember’ Irvinga Berlina, jest głównym wyróżnikiem, podkreślającym wspaniały, dobrze zaokrąglony ton Mobleya. Jest to jeden z dwóch świetnych coverów na płycie, ale saksofonista tenorowy zachwyca również trzema uderzającymi oryginałami, w tym funkowym, finger-clickingowym soul jazzowym groove’em „Dig Dis” i bluesową, powolną piosenką tytułową.
Wayne Shorter: Speak No Evil (1966)
Jak wyraźnie pokazuje jego ostatni album, epicki potrójny zestaw Emanon, mający obsesję na punkcie komiksów saksofonista dubbingowany jako „The Newark Flash” wciąż jest silny w wieku 85 lat. W grudniu 1964 roku, kiedy nagrywano Speak No Evil, Shorter, wówczas 32-letni, na co dzień pracujący z kwintetem Milesa Davisa, był w samym środku niezwykle płodnego okresu, który zaowocował sześcioma albumami dla Blue Note w ciągu 18 miesięcy. Choć wszystkie były wysokiej jakości, Speak No Evil – na którym do Shortera dołączyli koledzy z zespołu Milesa – Herbie Hancock i Ron Carter, a także trębacz Freddie Hubbard i perkusista Coltrane’a Elvin Jones – był wyjątkowy. Od czasu praktyk w Jazz Messengers Arta Blakeya, Shorter wykazywał się zarówno umiejętnościami, jak i pomysłowością kompozytorską, a Speak No Evil pokazuje, dlaczego Miles Davis nagrał tak wiele utworów tego saksofonisty. Jego rogowe tematy, często wijące się i sine, jak w utworze tytułowym i otwierającym album 'Witch Hunt’, są nieortodoksyjne, ale i niezwykle eleganckie. Każdy utwór jest zwycięzcą, ale ballada 'Infant Eyes’, obecnie uważana za standard jazzowy, jest szczególnie godna uwagi.
Horace Silver: Song For My Father (1965)
Blue Note stalwart przez wiele lat – dołączył do wytwórni w 1952 roku i pozostał w niej do 1979 roku – Horace Silver był pianistą, który pomógł ustanowić nie tylko estetykę hard bopu, ale także klasyczny dla gatunku format małej grupy z podwójnym składem waltorni. Silver i jego kwintet nagrali wiele znakomitych płyt dla Blue Note, ale wydana na początku 1965 roku płyta Song For My Father jest jedną z jego najlepszych dla tej wytwórni, mimo że zawiera dwa różne wcielenia zespołu pianisty. Klasyczny” skład – z saksofonistą Juniorem Cookiem i trębaczem Blue Mitchellem – pojawia się tylko na jednym utworze, podczas gdy ich zmiennicy (odpowiednio Joe Henderson i Carmel Jones) są obecni na czterech innych (zamykający płytę utwór „Lonely Woman” to nagranie tria Silvera, basisty Gene’a Taylora i perkusisty Roya Brooksa). Henderson zresztą wnosi do tego przedsięwzięcia ziemistą solidność swoim solo w klasycznym utworze tytułowym (którego intro zostało „pożyczone” przez grupę rockową Steely Dan do ich piosenki „Rikki Don’t Lose That Number” z 1974 roku).
Miles Davis: Take Off: The Complete Blue Note Albums (2014)
Miles Davis nie stał się nazwą domową, dopóki nie dołączył do wytwórni Columbia w 1955 roku, gdzie pozostał przez następne 20 lat. Wcześniej przeskakiwał między wytwórniami Prestige i Blue Note, nagrywając dla tej ostatniej trzy 10-calowe albumy: Young Man With A Horn (1952, później re-titled Volume 1), Miles Davis Volume 2 (1953) i Miles Davis Volume 3 (1954). Każdy z nich zasługuje na umieszczenie w jakimkolwiek przewodniku po Blue Note; szczęśliwie, ukazują się one w całości na 2CD retrospektywie Take Off: The Complete Blue Note Albums. Choć Miles, wówczas dwudziestolatek, miał poważne problemy z narkotykami i znajdował się w trudnym momencie życia, jego gra jest często transcendentna, zwłaszcza w opustoszałych balladach, takich jak 'It Never Entered My Mind’ i 'I Waited For You’. Jest też kilka mocnych, szybkich utworów, które pokazują spójną grę zespołu (na szczególną uwagę zasługuje 'Tempus Fugit’). Miles jest wspomagany przez ciężką obsadę, w tym Art Blakey, Jimmy Heath, Kenny Clarke, JJ Johnson, Horace Silver i bardzo młody Jackie McLean.
Thelonious Monk: 'Round Midnight: The Complete Blue Note Singles 1947-1952 (2014)
Blue Note była pierwszą wytwórnią płytową, która zaryzykowała na ekscentrycznego pianistę/kompozytora urodzonego w Północnej Karolinie, podpisując z nim kontrakt w 1947 roku, ale w przeważającej części jego muzyka – z jej dziwactwami, kanciastymi melodiami i wstrząsającymi dysonansami – była uważana za zbyt ekstremalną i w dużej mierze nie trafiała do słuchu. Choć zyskał sławę w awangardzie rewolucji bebopowej – i niesłusznie nazwano go „Najwyższym Kapłanem Bopu” – stylistycznie Thelonious Monk orał samotną bruzdę. Blue Note nie wydało płyty LP z muzyką Monka aż do 1952 roku, początkowo publikując jego występy jako serię 78-rpm singli, które następnie zostały zebrane na dwóch płytach LP, Genius Of Modern Music: Volume 1 i Volume 2. Repertuar Blue Note zawierał niektóre z jego najlepszych utworów, które nagrywał ponownie przez całą karierę, między innymi 'Straight, No Chaser’, 'Well You Needn’t’, ”Round Midnight’ i 'Ruby, My Dear’. Obecność Monka w Blue Note sprawiła, że wytwórnia Alfreda Liona i Francisa Wolffa znalazła się na czele współczesnej sceny jazzowej. Ponad 70 lat później ta muzyka wciąż brzmi rewolucyjnie.
Eric Dolphy: Out To Lunch! (1964)
Out To Lunch! może poszczycić się jedną z najbardziej kultowych okładek Blue Note zaprojektowaną przez Reida Milesa, doskonale odzwierciedlającą odkrywczą naturę przełomowej muzyki Dolphy’ego. Wschodząca gwiazda jazzowej sceny awangardowej, która potrafiła grać na saksofonie altowym, flecie i klarnecie, urodzony w Los Angeles Dolphy nagrał tę płytę, swoją jedyną sesję jako lider dla Blue Note, w lutym 1964 roku, ale zmarł przed jej wydaniem. Album uwydatnia nie tylko zdolności Dolphy’ego jako instrumentalisty, ale także jego talent kompozytorski. Towarzyszy mu ekscytujący młody zespół, w skład którego wchodzą trębacz Freddie Hubbard, wibrafonista Bobby Hutcherson – którego mieniące się akordy nadają muzyce senny nastrój – oraz perkusista Tony Williams, wówczas zaledwie 18-letni. Hat And Beard”, napędzany przez kroczącą linię basu Richarda Davisa, jest dziwacznym hołdem dla Theloniousa Monka, który nadaje ton albumowi, który wykracza poza ograniczenia bebopu i wkracza w sferę nieskrępowanego free jazzu, pozostając jednak ściśle skoncentrowanym. Choć Dolphy nagrywał dla kilku innych wytwórni, ta samotna propozycja Blue Note pozostaje najważniejszym albumem w kanonie Dolphy’ego i jest jednym z niewątpliwych klejnotów w koronie tej wytwórni. Każdy przewodnik po Blue Note powinien go zawierać.
Ten przewodnik po Blue Note to za mało? Oto dziesięć kolejnych albumów, które warto rozważyć:
Dexter Gordon: Go! (1962)
Grant Green: Idle Moments (1964)
Sonny Rollins: A Night At The Village Vanguard (1957)
Jimmy Smith: The Sermon! (1959)
Joe Henderson: Mode For Joe (1966)
Andrew Hill: Point Of Departure (1964)
Freddie Hubbard: Ready For Freddie (1962)
Cannonball Adderley: Somethin’ Else (1958)
Larry Young: Unity (1966)
Sonny Clark: Cool Struttin’ (1958)
Szukasz więcej? Odkryj zakopane skarby wewnątrz skarbca Blue Note’a.
