Niektóre książki są błyski na patelni, czytać dla rozrywki, a następnie pozostawione na siedzeniu autobusu dla następnego szczęśliwca, aby podnieść i cieszyć się, zapomniane przez większość po ich sezon minął. Inne pozostają w pobliżu, są czytane i ponownie czytane, są nauczane i dyskutowane. czasem dzięki wielkiemu artyzmowi, czasem dzięki szczęściu, a czasem dlatego, że udaje im się rozpoznać i uchwycić jakiś element kultury czasu.
W chwili, często nie można powiedzieć, które książki są które. Wielki Gatsby nie był bestsellerem w momencie premiery, ale teraz postrzegamy go jako emblemat pewnej amerykańskiej wrażliwości lat dwudziestych. Oczywiście, spojrzenie z perspektywy czasu może również zniekształcać zmysły; kanon pojawia się i zaciemnia. Mimo to, w ciągu najbliższych tygodni będziemy publikować listę dziennie, z których każda będzie próbą zdefiniowania dyskretnej dekady, zaczynając od lat 1900 (jak bez wątpienia już się domyśliliście) i odliczając w dół, aż dotrzemy do (prawie kompletnych) lat 2010.
Chociaż książki na tych listach nie muszą być amerykańskiego pochodzenia, szukam książek, które przywołują jakiś aspekt amerykańskiego życia, rzeczywisty lub intelektualny, w każdej dekadzie – globalny obiektyw wymagałby znacznie dłuższej listy. Oczywiście, nie ma listy, która w pełni zdefiniowałaby życie Amerykanów w ciągu dziesięciu lub dowolnej liczby lat, dlatego nie roszczę sobie prawa do wyczerpania listy. Wybrałem po prostu książki, które czytane razem dałyby rzetelny obraz krajobrazu kultury literackiej tamtej dekady – zarówno tego, jak wyglądała, jak i tego, jak się ją pamięta. Na koniec dwie uwagi proceduralne: Ograniczyłem się do jednej książki dla autora na całej 12-częściowej liście, więc możecie zobaczyć pewne dzieła pominięte na korzyść innych, nawet jeśli oba są ważne (na przykład, zignorowałem Dubliners w latach 1910, więc mogłem włączyć Ulissesa w latach 1920), a w przypadku prac tłumaczonych, będę używał daty angielskiego tłumaczenia, z oczywistych powodów.
W naszej ósmej odsłonie, poniżej znajdziecie 10 książek, które zdefiniowały lata 70. (Odwiedź tutaj, aby zapoznać się z latami 1910, 20, 30, 40, 50 i 60).
Gabriel García Márquez, Sto lat samotności (pierwsze tłumaczenie na angielski, 1970)
Chociaż magnum opus Garcíi Márqueza zostało opublikowane w Argentynie w 1967 roku i pomogło zapoczątkować międzynarodowy literacki boom latynoamerykański, nie zostało opublikowane w języku angielskim aż do 1970 roku. To był natychmiastowy sukces. „Powieść ukazała się w Buenos Aires 30 maja 1967 roku, dwa dni przed wydaniem Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, a reakcja hiszpańskojęzycznych czytelników była podobna do Beatlemanii: tłumy, kamery, wykrzykniki, poczucie początku nowej ery” – napisał Paul Elie w Vanity Fair. W pierwszym tygodniu sprzedała się w Argentynie w liczbie 8000 egzemplarzy. Po publikacji w języku angielskim, wydanie paperback „stało się totemem dekady”. Do czasu przyznania Garcíi Márquezowi Nagrody Nobla, w 1982 roku, powieść była uważana za Don Kichota globalnego Południa, dowód latynoamerykańskiej sprawności literackiej, a autor był „Gabo”, znany na całym kontynencie pod jednym imieniem, jak jego kubański przyjaciel Fidel.”
Była nie tylko czytana, ale i doceniana niemal z każdej strony. William Kennedy sławnie opisał ją w New York Times Book Review w ten sposób: „Sto lat samotności to pierwszy od czasów Księgi Rodzaju utwór literacki, który powinien być lekturą obowiązkową dla całej rasy ludzkiej. . . . Pan García Márquez nie zrobił nic innego, jak tylko stworzyć w czytelniku poczucie tego wszystkiego, co w życiu jest głębokie, znaczące i bezsensowne.” Zdobyła nagrody literackie we Włoszech, Francji, Wenezueli i Stanach Zjednoczonych. Wywarła wpływ na niezliczonych powieściopisarzy, od Toni Morrison przez Johna Irvinga po Salmana Rushdiego. Nadal jest czytana, studiowana i uwielbiana, została przetłumaczona na ponad 37 języków i sprzedana w ponad 45 milionach egzemplarzy. Dla wielu ludzi była to pierwsza ulubiona powieść. Nadal jest ulubioną powieścią wielu ludzi.
W 2009 roku międzynarodowy magazyn literacki Wasafiri poprosił 25 pisarzy z całego świata o „wybranie tytułu, który ich zdaniem najbardziej wpłynął na światowe pisarstwo w ciągu ostatniego ćwierćwiecza” i tylko Sto lat samotności otrzymało więcej niż jeden głos (dokładnie trzy). „Nauczył Zachód czytać rzeczywistość alternatywną do ich własnej, co z kolei otworzyło bramy dla innych niezachodnich pisarzy, takich jak ja i inni pisarze z Afryki i Azji” – wyjaśnia ghański pisarz Nii Ayikwei Parkes. „Oprócz tego, że jest to niesamowita książka, nauczyła zachodnich czytelników tolerancji dla innych perspektyw.”
Judy Blume, Are You There God? It’s Me, Margaret (1970)
„Można było niemal usłyszeć zbiorowe pokoleniowe westchnienie ulgi w 1970 roku, kiedy Blume opublikowała tę przełomową, łamiącą tabu powieść dla młodych dorosłych: nareszcie książka, która szczerze mówi o seksie bez bycia prymitywną lub prurientną, a o religii bez besztania lub protekcjonalnego traktowania”, napisał Lev Grossman w TIME. „Blume zmieniła miliony nastolatków w czytelników. Zrobiła to, zadając właściwe pytania i unikając oklepanych, łatwych odpowiedzi”. Zamieniła miliony nastolatek w czytelniczki, a także pomogła im zamienić się w nastolatki, nieco mniej boleśnie niż mogłoby się to stać w innym przypadku.
„Blume nie była pierwszą pisarką, która legitymizowała i celebrowała życie wewnętrzne młodych dziewcząt”, zauważyła Anna Holmes w The New Yorker.
Fitzhugh, Beverly Cleary i Laura Ingalls Wilder nadały swoim bohaterkom ten sam rodzaj odwagi i samodzielności, podobnie jak uwielbiane przez Y.A. pisarki Lois Lowry i Lois Duncan, których najpopularniejsze książki, podobnie jak Blume, ukazywały się w latach 1970-1985. Jednak twórczość Blume wydaje mi się znacznie bardziej wpływowa niż jej poprzedniczki i rówieśniczki, przynajmniej jeśli chodzi o współczesną popkulturę. (Podejrzewam, że ma to wiele wspólnego z bezpośrednim podejściem Blume do trudnych tematów, nie wspominając o jej darze do realistycznych dialogów i wyczuwalnym współczuciu zarówno dla bohaterów, jak i czytelników). Zdobywczyni Oscara, scenarzystka Diablo Cody, która napisała „Młodego dorosłego”, cieszący się uznaniem krytyków zeszłoroczny dramat o popapranym pisarzu z Y.A., opublikowała w 2008 roku na łamach „Entertainment Weekly” recenzję Blume. A powieść Chucka Palahniuka z 2011 roku, Damned, która koncentruje się na śmierci trzynastoletniej bohaterki i jej zejściu do Piekła, jest inspirowana książkami Blume, aż do jej struktury.
Nie chodzi więc o to, że był to taki literacki wyczyn – chodzi o to, że pokolenie za pokoleniem czytało i kochało tę książkę i czerpało z niej ukojenie. Głęboko zapadła w naszą świadomość kulturową – nie będąc nawet filmem. Teraz, po prawie 50 latach, książka jest adaptowana na film, co wywołało nową rundę wspomnień i pamięci. „To jest takie prawo przejścia dla kobiet i dziewcząt” – powiedziała Deadline reżyserka Kelly Fremon Craig. „Rzadko zdarza mi się spotkać kobietę lub dziewczynę, która jej nie przeczytała, a za każdym razem, gdy wspominam o niej kobiecie, ściskają się za serce i wydają radosny pomruk. Jest w niej coś tak aktualnego i pełnego prawdy i pamiętam, że dla mnie, w tamtym wieku, było to jak tratwa ratunkowa w czasie, kiedy jesteś zagubiona, poszukująca i niepewna. Ta książka przychodzi i mówi ci, że nie jesteś sama. Kobiety pamiętają, gdzie były, kiedy ją czytały. Nie przychodzi mi na myśl inna książka, o której można by to powiedzieć.”
Alex Comfort, Radość seksu (1972)
Tak jak Radość gotowania zmieniła życie i była wszechobecna w amerykańskich domach w latach trzydziestych, tak samo Radość seksu w latach siedemdziesiątych. Po opublikowaniu w 1972 roku, jak to określiła Sarah Lyall, „książka wdarła się do świadomości publicznej z całą subtelnością żigolaka na zjeździe biskupów”. Była też oszałamiająco popularna, stała się dobrze wydaną pozycją na stolikach nocnych w całej Ameryce, która spędziła 343 tygodnie na liście bestsellerów New York Timesa.” Seks jest w porządku, przypomniała nam. To miłość, dobre uczucie i dobra zabawa – nawet jeśli wyglądasz jak Owłosiony Mężczyzna i tak jak on jesteś zagorzałym przeciwnikiem dezodorantów. Książka napisana przez brytyjskiego naukowca i lekarza Alexa Comforta, która ostatecznie sprzedała się w ponad 12 milionach egzemplarzy na całym świecie, była kluczowym (przepraszam!) elementem rozwijającego się krajobrazu edukacji seksualnej.
Biegaczem w tym miejscu jest oczywiście Our Bodies, Ourselves, podobny tom zebrany przez Boston Women’s Health Book Collective. Jak ujął to Ariel Levy w The New Yorker:
Jeśli The Joy of Sex była jak Joy of Cooking – choć pod pewnymi względami bliżej jej do Mastering the Art of French Cooking Julii Child, co z jej silnym autorskim głosem i sympatią do wyszukanych przedsięwzięć, którym Comfort przypisał francuskie nazwy, takie jak pattes d’araignée, cuissade i feuille de rose – Our Bodies, Ourselves była jak Moosewood Cookbook. Wszystko w niej było zdrowe, oświecone, pożywne.
I nieco pozbawione tłuszczu z bekonu.
Hunter S. Thompson, Fear and Loathing in Las Vegas (1972)
Thompson’s drug-binge road-trip extravaganza dotyczy lat 60-tych, a nie 70-tych, ale to właśnie w tej drugiej dekadzie została opublikowana i stała się sensacją. Nie zadebiutowała co prawda w świetnych recenzjach krytyków, ale gazety szybko się do niej przekonały. W recenzji dla „New York Timesa” z 1972 roku Crawford Woods nazwał ją „zdecydowanie najlepszą książką, jaką napisano o minionej dekadzie opium”, a o jej literackim znaczeniu napisał:
Nie najmniejszym osiągnięciem Thompsona jest zasugerowanie, że do tej pory Nowe Dziennikarstwo jest dla świata tym, czym Nowa Krytyka była dla słowa: uwodzicielskie, rozkazujące – i w końcu nieadekwatne. Forma, która osiągnęła apoteozę w Armiach nocy, dochodzi do końca swojej liny w Strachu i nienawiści, kronice uzależnienia i rozczłonkowania tak okrutnej, że trzeba nie lada odporności, by wyczuć, że autorowi chodzi raczej o moralizatorstwo niż o sadyzm. Porusza się on w kraju, w którym wcześniej było tylko kilku nieudaczników, którzy przeżyli – na przykład Jonathan Swift. I porusza się z chłodną uczciwością artysty obojętnego na swój odbiór.
Teraz oczywiście jest to klasyk literatury kontrkulturowej i najsłynniejszy przykład gonzo dziennikarstwa Thompsona (choć on sam uważał go za nieudany przykład) i, jak można sobie wyobrazić, wysłał wielu entuzjastycznych młodych ludzi do Vegas.
Thomas Pynchon, Tęcza grawitacji (1973)
Chociaż nie wszyscy ją kochają, ogromna powieść Pynchona z czasów II wojny światowej jest z pewnością kandydatem do miana Wielkiej Powieści Amerykańskiej i z kolei wpłynęła na wielu innych Wielkich Pisarzy Amerykańskich, w tym George’a Saundersa, który napisał:
I don’t think anyone has getten closer than Thomas Pynchon to summoning the real audacity and insanity and scope of the American mind, as reflected in the American landscape. Czytałem Pynchona po kolei, zaczynając od Vineland, i wciąż pamiętam szok rozkoszy, jakiego doznałem, widząc wreszcie Amerykę, którą znałem – dziwne sklepy i bulwary, zbudowane na dawnych dziwnych sklepach i dawnych bulwarach, wszystko ułożone w dolinach i ślepych lasach, usypane na indiańskich cmentarzach, zaludnione wariatami, naciągaczami i moralnymi purystami – faktycznie obecną w powieści, i obecną nie tylko w treści, ale w strukturze i języku, który zarówno wykorzystywał, jak i przywoływał niesforną, muskularną złożoność samego świata.
W Pynchonie wszystko jest fair-play, jeśli jest w świecie, może być w książce. Dla mnie jest coś buddyjskiego w tym podejściu, które zdaje się mówić, że skoro świat jest w stanie wytworzyć nieskończoność form, powieść musi być w stanie pomieścić nieskończoną liczbę form. Wszystkie estetyczne troski (styl, forma, struktura) odpowiadają na ten cel: wpuścić w świat.
To dlatego Pynchon jest naszym największym pisarzem, złotym standardem tego nadużywanego słowa inkluzywność: Żaden dogmat, uporządkowana reguła estetyczna czy moda literacka nie mogą przefiltrować pięknych danych, które napływają. Wszystko jest w nim zawarte. Żadna skłonność umysłu nie jest zbyt mała, duża czy przerażająca. Rezultatem jest cudowne szaleństwo, które robi to, co zawsze robiła wielka literatura – przypomina nam, że istnieje świat, który jest większy od nas i wart naszej najwyższej pokory i uwagi.
Tęcza grawitacji zdobyła w 1974 roku amerykańską nagrodę National Book Award for Fiction (lub inaczej National Book Award for Fiction). National Book Award for Fiction (a właściwie dzieliła ją z A Crown of Feathers and Other Stories Isaaca Bashevisa Singera – czy to dlatego na ceremonii był smugacz?), i została jednogłośnie wybrana do nagrody Pulitzera przez jury fikcji – Elizabeth Hardwick, Alfreda Kazina i Benjamina DeMotta – ale rada Pulitzera odrzuciła ją jako „nieczytelną”, „jałową”, „przeintelektualizowaną” i „nieprzyzwoitą”, i w tym roku nagrody nie przyznano. W recenzji z 1973 roku w New York Times zatytułowanej „One of the Longest, Most Difficult, Most Ambitious Novels in Years”, Richard Locke napisał:
Tęcza grawitacji jest dłuższa, mroczniejsza i trudniejsza niż jego dwie pierwsze książki; w rzeczywistości jest to najdłuższa, najtrudniejsza i najbardziej ambitna powieść, jaka pojawiła się tutaj od czasu Ada Nabokova cztery lata temu; jej zasoby techniczne i słowne przywodzą na myśl Melville’a i Faulknera. Zanurzając się w „żywiole destrukcyjnym” i badając paranoję, entropię i miłość do śmierci jako podstawowe siły w historii naszych czasów, Pynchon ustanawia swoją wyobraźniową ciągłość z wielkimi pisarzami modernistycznymi pierwszych lat tego stulecia. Gravity’s Rainbow jest bonecrushingly dense, compulsively elaborate, stupidly, obscene, funny, tragic, pastoral, historical, philosophical, poetic, grindingly dull, inspired, horrific, cold, bloated, beached and blasted.
„Among American writers of the second half of the 20th century, Pynchon is the indisputed candidate for lasting literary greatness,” Richard Lacayo wrote in TIME. „Ta książka jest tego powodem.”
Robert Pirsig, Zen i sztuka obsługi motocykla (1974)
„Powieściowa autobiografia” Pirsiga została odrzucona 121 razy, zanim w końcu została przyjęta do druku, ale jego redaktor James Landis wiedział, że to dobra rzecz, kiedy ją zobaczył. „Ta książka jest genialna ponad wszelką wątpliwość” – napisał przed jej publikacją. „Jest to prawdopodobnie dzieło geniuszu i, założę się, osiągnie status klasyki”. Ktoś dał temu facetowi stanowisko do wróżenia z fusów, bo książka była natychmiastowym i nieprzemijającym hitem. Zen and the Art of Motorcycle Maintenance” sprzedało się w milionie egzemplarzy w pierwszym roku, a od 40 lat nadal się sprzedaje. „Powieści Zeitgeist zazwyczaj należą do jednej z trzech kategorii, z których żadna nie ma nic wspólnego z jakością samego dzieła” – napisał Nathaniel Rich.
W pierwszej kategorii znajdują się książki nostalgiczne za prostszą, zromanizowaną przeszłością; przykładem jest Centennial Jamesa A. Michenera, najlepiej sprzedająca się powieść z 1974 roku. Drugą kategorię stanowią książki, które nieświadomie oddają ducha swoich czasów, czego na początku lat 60. dokonały „Lot nad kukułczym gniazdem” i „Grupa”. Powieści wybiegające w przyszłość, dające wgląd w przyszłość, a jednocześnie będące echem niepokojów teraźniejszości – 1984, Neuromancer, Biały szum – tworzą trzecią kategorię. Zen and the Art of Motorcycle Maintenance Roberta M. Pirsiga dokonuje niezwykłego wyczynu, łącząc wszystkie trzy kategorie, zdobywając niezwykłą potrójną koronę. Jest to nostalgiczna, staroświecka powieść, która jednak odzwierciedla marazm swojej epoki i zapowiada nasz własny, technofilski wiek. Hat trick Pirsiga ma wiele wspólnego z niewiarygodnym sukcesem komercyjnym powieści.
„Istnieje coś takiego jak zeitgeist, i uważam, że książka była popularna, ponieważ było wielu ludzi, którzy chcieli pojednania – nawet jeśli nie wiedzieli, czego szukają”, powiedział socjolog Todd Gitlin w New York Times. „Pirsig zapewnił rodzaj miękkiego lądowania z euforycznej stratosfery późnych lat 60. do prawdziwego świata dorosłego życia.”
Carl Bernstein i Bob Woodward, Wszyscy ludzie prezydenta (1974)
„To dzieło, które obaliło prezydenturę i zapoczątkowało tysiąc karier reporterskich”, jak ujął to Alex Altman w TIME. „Pozostaje świadectwem potęgi reportażu i być może najbardziej wpływowym dziełem dziennikarskim w historii”. Tak, Woodward i Bernstein zmienili kraj dzięki tej książce – lub, mówiąc dokładniej, najpierw dzięki ich raportom na temat Nixona i afery Watergate, następnie dzięki tej książce, a w końcu dzięki adaptacji filmowej, ponieważ Robert Redford sprawia, że wszystko idzie gładko. Było to oczywiście w latach 70-tych, kiedy królowało disco, wszyscy mieliśmy kudłate dywany, a Kongres przejmował się tym, czy amerykański prezydent jest skorumpowanym kłamcą, czy nie. W rzeczywistości Nixon zrezygnował z urzędu zaledwie kilka miesięcy po publikacji tej książki. Lepsze czasy, przyjaciele.
Vincent Bugliosi, Helter Skelter (1974)
Niewiele wydarzeń zawładnęło świadomością publiczną tak jak morderstwa Mansona i późniejszy proces. Nawet 45 lat po skazaniu Charlesa Mansona w 1971 roku, jeśli napiszesz powieść na jego podstawie, prawdopodobnie stanie się ona bestsellerem. Relacja prokuratora Vincenta Bugliosiego o zbrodniach, procesie i wyroku skazującym sprzedała się w ponad siedmiu milionach egzemplarzy i jest (a przynajmniej była w chwili śmierci Bugliosiego w 2015 roku) najlepiej sprzedającą się książką o prawdziwych zbrodniach, jaką kiedykolwiek opublikowano. W recenzji z 1974 roku w LA Times, Robert Kirsch opisał ją w ten sposób:
Though basically a prosecutor’s view of the complex case, the book attempts something more: the most comprehensive account of the murderders, the investigation, the trials and the aftermath yet written. Część tej relacji wyłania się z bezpośredniej obserwacji i miesięcy zanurzenia w głębi sprawy – w tym paradoksalnej natury kontaktów autora z Mansonem, który często okazywał Bugliosiemu swój niechętny szacunek jako przeciwnikowi, rozmawiając z prokuratorem. Miarą znaczenia tego ostatniego w oczach Mansona jest fakt, że Bugliosi został umieszczony na szczycie listy śmierci Rodziny.
Znamienny jest sposób, w jaki kończy się ta recenzja. „Nie możemy sobie pozwolić na zlekceważenie morderstw w Tate-La Bianca” – pisze Kirsh. „Zbyt wiele wydarzyło się od tamtego czasu, by pokazać zagrożenie dla społeczeństwa ze strony przypadkowej i pozornie bezsensownej przemocy, od morderstw w Santa Crux i masowych zabójstw w Houston po zbrodnie Symbionese Liberation Army. Przyjęcie ich jako zwykłych symptomów złej kondycji czasów to porzucenie cywilizacyjnych zobowiązań do racjonalnego podejścia do nawet najbardziej irracjonalnych i budzących lęk wydarzeń.” Tom Bugliosiego był jednym z takich racjonalnych adresów – w morzu histerycznych.
Alex Haley, Korzenie (1976)
Naginam zasadę nie powtarzania autorów w przypadku Alexa Haleya, ponieważ Autobiografia Malcolma X, choć opowiedziana i zrelacjonowana przez niego, nie była tak naprawdę jego historią. Korzenie: Saga of an American Family została oparta na historii jego własnej rodziny (choć autentyczność książki, a nawet oryginalność dzieła Haleya została zakwestionowana) i szybko stała się kulturową sensacją. Do 1977 roku sprzedała się w ponad sześciu milionach egzemplarzy, a przez czterdzieści sześć tygodni znajdowała się na liście bestsellerów „New York Timesa”, z czego dwadzieścia dwa tygodnie na pierwszym miejscu. Choć Saul Bellow zdobył nagrodę Pultizer za literaturę piękną w 1976 roku, Haley otrzymał specjalne wyróżnienie w następnym roku – w którym, nawiasem mówiąc, miniserial trafił do amerykańskich telewizorów i prawdziwie eksplodował tę książkę w głównym nurcie. Haley stała się wielką gwiazdą; historyk Willie Lee Rose nazwał ją „najbardziej zdumiewającym wydarzeniem kulturalnym amerykańskiego dwusetlecia”. Według nekrologu Haley’a z 1992 roku w New York Times, książka i miniserial „wzbudziły zainteresowanie genealogią wśród Amerykanów o różnym pochodzeniu etnicznym”, a przynajmniej w tamtym czasie, program wciąż był zaliczany „do 100 programów o najwyższej oglądalności”. Według Nielsen Media Research, jego osiem odcinków osiągnęło średnią oglądalność od 28,8 milionów gospodarstw domowych do 36,3 milionów gospodarstw domowych”. W wywiadzie z 1992 roku, Haley powiedziała: „Do dziś ludzie, szczególnie Afroamerykanie, ale także biali, będą po prostu całkowicie, niespodziewanie podchodzić i nie mówić ani słowa, po prostu podchodzić i przytulać cię, a potem mówić „Dziękuję”.”
Stephen King, Lśnienie (1977)
Stephen King miał tak duży (lub większy) wpływ na amerykański krajobraz literacki, jak każdy inny autor; Lśnienie było jego pierwszym poważnym przełomem. Tak, jego dwie pierwsze powieści, Carrie (1974) i Salem’s Lot (1975), sprzedawały się świetnie w wersji papierowej, ale Lśnienie było pierwszą powieścią Kinga, która stała się bestsellerem w twardej oprawie. Oznacza to, że ludzie byli skłonni zapłacić za nią duże pieniądze. „Myślę, że moja publiczność się zmieniła” – teoretyzował King w 1981 roku. „Wielu ludzi zaczęło czytać moje książki, gdy mieli 15 lat, a teraz są starsi i mogą sobie pozwolić na kupno twardej okładki”. Tak czy inaczej, Lśnienie stało się jednym z najbardziej ikonicznych dzieł Kinga, po części z powodu adaptacji Stanleya Kubricka, której King familijnie nie znosił. We wstępie do książki z 2001 roku King opisuje ją jako „powieść na rozdrożu” i sugeruje, że jej sukces wynika z jego decyzji, by „sięgnąć głębiej – przyznać, że Jack kocha swojego ojca pomimo (a może nawet z powodu) jego nieprzewidywalnej i często brutalnej natury”. Rezultat końcowy zarówno zaspokoił, jak i przekroczył zwykłe reguły gatunku – i choć zawsze dostawał swoją porcję złych recenzji, nie można zaprzeczyć, że ludzie kochają swojego Króla.
Zobacz także:
Toni Morrison, The Bluest Eye (1970), Stanisław Lem, Solaris (pierwsze angielskie tłumaczenie, 1970), Dee Brown, Bury My Heart at Wounded Knee (1970), Kate Millet, Sexual Politics (1970), James Dickey, Deliverance (1970), Joan Didion, Play it As It Lays (1970), The Complete Stories of Flannery O’Connor (1971), Dr. Seuss, The Lorax (1971), Frederick Forsyth, The Day of the Jackal (1971), William Peter Blatty, The Exorcist (1971), Jane Goodall, In the Shadow of Man (1971), Boston Women’s Health Book Collective, Our Bodies, Ourselves (1971), John Berger, Ways of Seeing (1972), Harold Bloom, The Anxiety of Influence (1973), Richard Bach, Jonathan Livingston Seagull (1973), J. G. Ballard, Crash (1973), Toni Morrison, Sula (1973), Adrienne Rich, Diving Into the Wreck (1973), Italo Calvino, Invisible Cities (pierwszy przekład angielski, 1974), Studs Terkel, Working (1974), Peter Benchley, Szczęki (1974), Annie Dillard, Pilgrim at Tinker Creek (1974), Stephen King, Carrie (1974), Ursula K. Le Guin, The Dispossessed (1974), John Ashbery, Self-Portrait in a Convex Mirror (1975), E. L. Doctorow, Ragtime (1975), William Gaddis, J R (1975), Saul Bellow, Humboldt’s Gift (1975), Edward Abbey, The Monkey Wrench Gang (1975), Samuel R. Delany, Dhalgren (1975), Natalie Babbitt, Tuck Everlasting (1975), James Salter, Light Years (1975), Paul Theroux, The Great Railway Bazaar (1975), Renata Adler, Speedboat (1976), Raymond Carver, Will You Please Be Quiet, Please? (1976), Marge Piercy, Kobieta na skraju czasu (1976), Anne Rice, Wywiad z wampirem (1976), Maxine Hong Kingston, Kobieta wojownik (1976), Bruno Bettelheim, Użyteczność oczarowania (1976), Philip K. Dick, A Scanner Darkly (1977), Toni Morrison, Song of Solomon (1977), Michael Herr, Dispatches (1977), Joan Didion, A Book of Common Prayer (1977), John Irving, The World According to Garp (1978), Iris Murdoch, The Sea, The Sea (1978), Hubert Selby Jr, Requiem dla snu (1978), Edward Said, Orientalizm (1978), Douglas Adams, Autostopem przez galaktykę (1979), Octavia Butler, Kindred (1979), Elizabeth Hardwick, Bezsenne noce (1979), William Styron, Wybór Zofii (1979), Angela Carter, The Bloody Chamber (1979), Norman Mailer, The Executioner’s Song (1979), Cormac McCarthy, Suttree (1979)
.