On dit que les amateurs s’entraînent jusqu’à ce qu’ils y arrivent, mais que les professionnels s’entraînent jusqu’à ce qu’ils ne puissent plus se tromper. À première vue, il est difficile d’argumenter avec cet adage. En tant que professeur de musique, je suis sûr d’avoir dit à des élèves qu’ils ne devraient pas passer à un nouveau projet – et peut-être plus attrayant – avant d’avoir terminé celui sur lequel ils travaillent actuellement (que leur professeur leur a assigné !).
Il semble que beaucoup dans le monde musical croient en l’apprentissage par la maîtrise : s’attaquer à une tâche à la fois et la terminer avant de passer à la prochaine plus difficile. Dans cette approche, il est primordial d’éliminer les erreurs et de bien faire les choses. La concentration est cruciale. Il est certain que cette approche se prête bien à de nombreux contextes musicaux, mais elle n’est peut-être pas toujours la meilleure pour une croissance musicale optimale.
La question sous-jacente est la spécialisation, qui est supposée par beaucoup dans l’éducation musicale comme faisant partie de la meilleure voie vers l’expertise de performance musicale. Après tout, celui qui essaie d’être un » touche-à-tout » risque de rester un » maître d’aucun « , n’est-ce pas ? Un regard sur l’enseignement de la musique instrumentale dans les écoles américaines montre que la spécialisation est un principe bien accepté. Il est courant de limiter l’étude des jeunes musiciens à un seul instrument (par exemple, un instrument nécessaire à l’orchestre ou à l’orchestre de concert de l’école), à un seul style de musique (par exemple, la musique classique ou de type classique) et à une seule façon de faire de la musique (par exemple, pratiquer et répéter des œuvres publiées à partir d’une notation imprimée). De plus, de telles limitations sont imposées en fonction de la tradition et de la pratique institutionnelle, plutôt qu’en fonction d’une considération délibérée des traits de caractère des apprenants, de leurs intérêts musicaux ou de leurs besoins éducatifs.
Un nouveau corpus de recherche suggère toutefois que la valeur acceptée de la spécialisation mérite d’être remise en question. Le journaliste David Epstein résume ces recherches dans son livre Range : Why Generalists Triumph in a Specialized World (Epstein, 2019). L’auteur remet spécifiquement en cause la règle des 10 000 heures, selon laquelle pour atteindre une expertise de niveau élite, les exécutants doivent cumuler dix mille heures de pratique délibérée, généralement réparties sur une dizaine d’années. La règle des 10 000 heures a été appliquée à de multiples domaines – dont la musique, le sport et les échecs – et a gagné en popularité au cours de la dernière décennie depuis la publication des best-sellers Outliers de Malcolm Gladwell (2008) et Talent is Overrated de Geoff Colvin (2008).
Dans Range, Epstein utilise deux athlètes célèbres comme exemples de performeurs de niveau élite. S’il reconnaît que la voie de la grandeur du golfeur Tiger Woods comprenait une spécialisation dès l’enfance et beaucoup de pratique délibérée, il cite également le grand tennisman Roger Federer qui pratiquait un large éventail de sports dans sa jeunesse et fuyait souvent la pratique structurée de ses compétences en tennis.
Pour expliquer comment Tiger et Roger ont atteint des performances sportives d’élite grâce à des processus de développement très différents, Epstein s’appuie sur des recherches psychologiques qui ont examiné les types de compétences nécessaires dans différents domaines. Dans certains domaines, la réussite est facilitée par une reconnaissance rapide des schémas pour une prise de décision instantanée ; dans ces domaines – par exemple, les échecs et le golf – le retour d’information sur les performances est clair et immédiat, et l’expertise se construit en affinant la technique par une pratique répétitive. Les psychologues ont classé ces domaines dans la catégorie des environnements d’apprentissage « aimables ». Grâce à de nombreuses répétitions, la reconnaissance des modèles peut devenir instantanée et les compétences motrices des composants hautement automatisées.
D’autres domaines, cependant, sont des environnements d’apprentissage plus « méchants ». Epstein soutient que dans les domaines qui valorisent la créativité, les personnes très performantes sont mieux servies par un large éventail d’intérêts plutôt que par la spécialisation. Il cite les lauréats du prix Nobel, qui, selon lui, sont beaucoup plus susceptibles de s’être engagés dans une grande variété d’activités créatives que leurs homologues moins performants. Epstein cite le lauréat du prix Nobel Santiago Ramon y Cajal qui a dit des intérêts larges des experts, » il semble qu’ils dispersent et dissipent leurs énergies, alors qu’en réalité ils les canalisent et les renforcent » (Root-Bernstein et al., 2008, p. 57)
La musique est-elle un domaine d’apprentissage » gentil » ou » méchant » ? Il n’est pas si facile de répondre à cette question. Le monde de la musique est si diversifié qu’il est composé de nombreux sous-domaines. Certaines activités liées à l’interprétation musicale sont douces, dans la mesure où le succès est favorisé par une pratique répétitive visant à affiner une technique d’interprétation fiable. Cependant, d’autres poursuites musicales dépendent de la créativité et des actions impromptues.
Il peut être difficile d’attribuer les étiquettes de « gentil » et « méchant » aux environnements d’apprentissage au sein de la musique. Le genre de la musique populaire est souvent décrit comme étant formel et limité (notamment en ce qui concerne le nombre d’accords qu’il faut connaître pour lancer un groupe de rock). De leur côté, les aspirants musiciens classiques sont censés maîtriser les gammes, les arpèges et autres motifs afin de pouvoir les exécuter habilement lorsqu’ils sont rencontrés dans le répertoire. Même si certains aspects de la performance musicale sont clairement favorisés par la limitation et la pratique répétitive, il y a toujours des raisons d’incorporer de l’ampleur dans les expériences d’apprentissage des musiciens.
Dans Range, Epstein considère spécifiquement la musique et raconte l’histoire d’un groupe de musiciens européens des 17e et 18e siècles dont le développement musical précoce a été marqué par des expériences avec de multiples instruments de musique. Cet éventail musical, ou « période d’échantillonnage précoce » comme il l’appelle, a permis à ces musiciens de développer un puissant sens de la musique et la capacité de saisir musicalement n’importe quoi très rapidement. Ils étaient très demandés par les compositeurs de l’époque et ils ont été connus comme les plus grands musiciens du monde.
Il est certainement possible qu’un large éventail d’expériences musicales puisse produire chez les jeunes des traits qui leur permettront plus tard de se développer à un rythme plus rapide. Il est également probable que de nombreux jeunes soient plus motivés par la variété dans leurs activités d’apprentissage. Bien que ces idées aient sûrement été éclipsées par la « sagesse » dominante de la spécialisation précoce, elles ne sont pas particulièrement nouvelles. L’éminent psychologue de la musique John Sloboda est cité dans Range pour une étude qu’il a réalisée en 1991 avec un collègue, dans laquelle ils ont interrogé des étudiants adolescents dans une école spéciale pour les musiciens doués (Sloboda & Howe, 1991).
Leurs données suggèrent que « de grandes quantités de pratique précoce sur un seul instrument ne sont possibles que dans des régimes particulièrement rigides et contraints qui peuvent saper l’exploration ludique que beaucoup prétendent être un aspect essentiel de la musicalité » (p. 20). Ils ont également conclu que « les élèves les plus aptes n’avaient pas consacré plus de temps à la pratique que les autres, mais que leur temps de pratique était plus uniformément réparti entre un certain nombre d’instruments » (p. 3).
Des expériences musicales trop spécialisées peuvent non seulement freiner le rythme de la croissance musicale, mais aussi limiter les types de musicalité acquis par les musiciens en développement. Ceux d’entre nous qui souhaitent que les jeunes musiciens développent leur créativité et leur expression personnelle doivent prêter une attention particulière aux mises en garde contre une spécialisation trop précoce. Alors que l’accent mis sur la précision de l’exécution exige la pratique répétitive qui permet d’affiner la technique, le développement de la créativité et de l’expression personnelle exige que les jeunes musiciens travaillent sur des problèmes conceptuels stimulants. Résoudre des problèmes conceptuels prend plus de temps que d’utiliser des procédures d’exécution bien pratiquées (technique), mais cela permet aux apprenants de faire des liens importants pour eux-mêmes.
Ce type d’apprentissage musical peut sembler « désordonné » parce qu’il peut être difficile de savoir quand un élève l’a maîtrisé ; c’est-à-dire que le retour n’est pas aussi clair et immédiat que lorsque, par exemple, un musicien apprend à exécuter toutes les notes correctes au bon tempo. Mais ce qui manque de netteté est compensé par la puissance. Cet apprentissage désordonné peut produire une large compréhension nécessaire à la créativité artistique et à une véritable expression de soi ; c’est un apprentissage qui peut être facilement appliqué à toute une série de contextes musicaux futurs. Dans Range, David Epstein résume la recherche en éducation en avertissant que le désir d’arriver plus rapidement à une réponse correcte peut transformer un problème de « faire des liens » en un problème plus simpliste basé sur des règles « utiliser des procédures ».
J’ajouterais que les recherches passées en éducation musicale ont indiqué que la pratique et la répétition axées sur le répertoire ne produisent pas de manière fiable un apprentissage généralisable que les élèves emportent avec eux lorsqu’ils passent à une nouvelle musique. Peu de transfert d’apprentissage se produit d’une pièce à l’autre, à moins que les professeurs de musique n’enseignent explicitement des concepts généralisables et n’impliquent les élèves dans la résolution de problèmes tout en préparant le répertoire pour la performance (Price & Byo, 2002 ; Lehmann, Sloboda, & Woody, 2007, ch. 10).
Il existe probablement de nombreux contextes et sous-genres au sein de la musique dans lesquels la spécialisation sert le mieux les musiciens en développement. Il est tout aussi probable, cependant, qu’il existe d’autres situations dans lesquelles les musiciens sont mieux servis en acquérant une large expérience. À tout le moins, les musiciens en herbe et les professeurs de musique devraient considérer l’étendue et la spécialisation comme deux options légitimes à envisager pour leur propre croissance musicale et celle de leurs élèves.