Miles Davis était l’un des musiciens les plus importants du 20ème siècle. Important comment ? Il est l’un des deux ou trois musiciens de jazz dont les non-initiés ont entendu parler, et dont ils ont peut-être même entendu quelque chose.
Davis a remodelé le jazz à son image à plusieurs reprises. Les idées explorées sur ses albums en quintet de 1965-68, par exemple, font que beaucoup les considèrent encore comme le sommet du jazz acoustique ; les innovations mélodiques, harmoniques et rythmiques de lui et de ses compagnons sont toujours explorées (pour ne pas dire imitées) par les musiciens actuels. D’autre part, des parties importantes de son catalogue sont aussi controversées aujourd’hui qu’elles l’étaient le jour de leur sortie. De nombreux fans et critiques de jazz insistent sur le fait que rien de ce qu’il a enregistré après 1968 n’est réellement du jazz (une déclaration avec laquelle il m’arrive d’être d’accord ; je ne pense simplement pas que ce soit une mauvaise chose).
Davis a débuté dans les années 1940, quittant son East St. Louis, IL natal, pour se rendre à New York afin d’étudier à Juilliard, et se dirigeant rapidement vers Harlem pour jouer avec Charlie Parker, Thelonious Monk et d’autres figures déjà établies de la scène bebop. Il a enregistré son premier disque en tant que leader en 1946, en même temps qu’il était membre du groupe de Parker, et a participé à de nombreux enregistrements qui sont toujours considérés comme des points de repère dans l’histoire du jazz. Son style de trompette était complètement différent de celui de son prédécesseur, Dizzy Gillespie – il évitait les notes aiguës fulgurantes en faveur d’une approche plus mélodique qui ne s’accordait pas toujours parfaitement avec ce que faisaient Parker et ses compagnons d’orchestre, mais qui allait finalement devenir l’un des sons les plus influents du jazz.
Dans les années 1950 et 1960, Davis s’est imposé comme l’un des joueurs de jazz les plus célèbres au monde, non seulement pour sa musique mais aussi pour son image. Il a fait l’objet de reportages dans des magazines pour son style personnel, et a été interviewé par Playboy à l’époque où ce dernier était extrêmement prestigieux. Et la musique qu’il faisait – que ce soit avec son premier quintet, avec John Coltrane, ou son quintet du milieu des années 60 avec Wayne Shorter et Herbie Hancock, ou avec l’orchestre de Gil Evans – a toujours repoussé les limites, a toujours mis ses contemporains au défi de suivre le rythme.
Son album Kind Of Blue de 1959 est un véritable repère musical ; artistiquement irréprochable, c’est aussi l’un des disques de jazz les plus réussis commercialement de tous les temps. Il est si important dans l’histoire du genre que cette année, le groupe férocement talentueux mais aussi quelque peu farceur Mostly Other People Do The Killing a sorti Blue, un réenregistrement note pour note (et son pour son ; ils ont tenté de recréer les styles des musiciens ainsi que le son vintage), à la grande perplexité et à l’indignation des fans de jazz, dont la plupart ne sont apparemment pas familiers avec l’art conceptuel.
En 1969, cependant, tout a changé. Influencé par la baisse des ventes et du profil public du jazz, et sa jeune seconde épouse, Betty Davis, a commencé à se détourner de la musique acoustique pour se tourner vers un son entièrement nouveau. Au début, sur des albums comme In A Silent Way et Bitches Brew, on parlait de « fusion » ou de « jazz-rock », mais au début des années 70, alors qu’il abandonnait les clubs de jazz pour les festivals de rock et les théâtres, le son devenait de plus en plus agressif et funky. L’album On The Corner de 1972, bruyant et chaotique, était un défi pour presque tous ceux qui l’avaient aimé – bien sûr, c’était aussi l’un de ses albums les plus brillants. Et entre 1973 et 1975, il a presque abandonné le studio d’enregistrement en faveur de la scène, à la tête d’un groupe qui mélangeait le funk, le métal, le jazz, la musique africaine et des sons jamais entendus par quiconque, assaillant le public à plein volume à travers des amplis peints en rouge, noir et vert.
Entre 1976 et 1980, Davis a entièrement disparu, se terrant dans un énorme tas de drogues et de groupies dans son appartement de Manhattan. Lorsqu’il réapparaît, sa musique est une pop-funk dépouillée. En 1985, avec l’album You’re Under Arrest, il reprend des morceaux comme « Human Nature » de Michael Jackson et « Time After Time » de Cyndi Lauper… et il y parvient en leur donnant tout le poids émotionnel des standards de jazz qu’il avait enregistrés à l’époque de sa gloire acoustique dans les années 1950. Au cours de la dernière année de sa vie, il se tourne vers le hip-hop et travaille sur Doo-Bop avec le producteur Easy Mo Bee, qui créera plus tard des morceaux pour Notorious B.I.G., 2Pac, Wu-Tang Clan et Alicia Keys. Davis est mort avant que l’album ne puisse être achevé.
Répertorier un catalogue de la taille de celui de Miles Davis est une tâche impossible. Il y a tellement de coffrets somptueux, de sorties live, de compilations publiées pendant sa période d’ermite, etc. que pour que cet article soit un tant soit peu gérable, des coupes importantes ont dû être faites avant même de pouvoir le commencer. Voici donc comment cela va se passer : J’ai choisi uniquement les albums studio. Mais pour vraiment comprendre le catalogue de Davis, il y a un tas de sorties live essentielles, notamment Live-Evil, In Concert : Live At Philharmonic Hall, Dark Magus, Agharta, Pangaea, et The Bootleg Series Vol. 1 : Live In Europe 1967. Considérez donc les 30 albums ci-dessous comme un point de départ. Il y en a tellement plus.
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