Nous vous avons demandé de voter pour le meilleur premier album de tous les temps. Et vous avez voté par milliers. Des armées de fans se sont rassemblées sur Internet pour voter pour leurs groupes préférés, et nous avons tout mis dans une feuille de calcul géante et appuyé sur le bouton qui a tout classé par ordre de popularité.
Certains des résultats ne sont pas surprenants. C’est visages familiers sont dans des positions familières.
Et certains des résultats sont vraiment surprenants. Il y a trois albums dans le Top 10 qui – tout en méritant pleinement leur statut de classique – n’auraient probablement pas figuré aussi haut dans le classement si les fans de ces groupes ne s’étaient pas ralliés pour placer leurs votes en grand nombre. Et cela ne nous dérange pas du tout.
Si nous lancions le même sondage la semaine suivante, nous sommes sûrs que nous obtiendrions des résultats différents, et encore si nous le lancions la semaine suivante. Nous ne prétendons pas un seul instant que c’est définitif. Mais c’est une grande collection d’albums classiques, et un rappel vivant de l’éclat stupéfiant avec lequel tant de nos groupes et artistes préférés ont démarré leurs carrières.
Merci à tous ceux qui ont voté.
Roxy Music – Roxy Music
La première apparition de Roxy Music sur TOTP en interprétant Virginia Plain était aussi abrasivement, passionnément étrange que Bowie faisant Starman. C’est là que le grand public britannique a eu un premier aperçu de Ferry aux yeux lourds, de Brian Eno au sourire malicieux derrière son synthé, d’Andy Mackay, fou de saxophone, vêtu de jaune et de vert étincelants, du bassiste louche aux longues jambes Rik Kenton, du guitariste Phil Manzanera, tout en barbe et en lunettes de soleil hors normes, et du batteur Paul Thompson, malgré son numéro en peau de léopard, seule concession à une corpulence normale. Individuellement étranges, ils sont tout juste cohérents en tant qu’unité.
Leur premier album éponyme est un choc de styles et de sonorités tout aussi époustouflant. La première piste Re-Make/Re-Model – la meilleure chanson dont le refrain est basé sur une plaque d’immatriculation de voiture – s’ouvre sur le brouhaha d’invités se mêlant à une galerie d’art, le milieu naturel de Roxy. Ensuite, c’est un chaos à peine contrôlé, tout en cris de saxophone, piano honky-tonk, guitare hargneuse et perturbation du synthétiseur d’Eno : là où le rock’n’roll des années 50 rencontre le collage sonore d’avant-garde. Ou, compte tenu de son archi-provocation, pensez au punk avec cinq ans d’avance. Je peux parler, parler, parler, parler, parler jusqu’à la mort », ricane Ferry. Ladytron trouve le chanteur revisitant des tropes de pop-romance (‘You’ve got me girl on the runaround, runaround’), mais le titre de science-fiction/monde de demain évoque la distance parcourue depuis le Love Me Do des Beatles.
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Jellyfish – Bellybutton
Formé en 1989 et inspiré par la musique qu’ils avaient découverte sur la radio FM en grandissant dans la banlieue californienne des années 70 – The Beatles, les Beach Boys, Cheap Trick, ELO, 10cc, Fleetwood Mac, Wings et bien d’autres encore – le premier album de Jellyfish était rempli de merveilleuses chansons pop-rock, d’harmonies labyrinthiques, d’arrangements de cordes planants et de mélodies aussi évocatrices qu’un lever de soleil californien. Les meilleurs d’entre eux ressemblaient à des hits des deux décennies précédentes qui avaient en quelque sorte échappé à la mémoire collective. Leur tragédie est que le groupe a fait surface au moment où l’industrie musicale a nagé dans les eaux plus sombres et lugubres du grunge, et Jellyfish était condamné à dériver hors du temps et du lieu.
Relancé en 1990, Bellybutton était 10 chansons vibrantes bourrées d’esprit et d’invention, avec l’éclat pop que l’on peut attendre d’un disque produit par Albhy Galuten, le gars qui avait enregistré Saturday Night Fever des Bee Gees.
Roger Manning – une moitié de la doublette créative de Jellyfish avec Andy Sturmer – a déclaré qu’ils visaient un son « quelque part entre Queen et la Famille Patridge » et s’ils ne correspondaient pas aux années grunge, leur look boho-psychédélique et leur classicisme finement usiné signifiaient qu’on pouvait les classer avec les rétro-spirituels de l’époque comme les Black Crowes et World Party.
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The Struts – Everybody Wants
Everybody Wants (ou comme il apparaît sur la couverture, Everybody Wants… The Struts – geddit ?) est un album de rock’n’roll old school sans complexe, ce qui, étant donné le dédain actuel de la culture mainstream pour les guitares, fait de The Struts le jeune groupe le plus courageux ou le plus stupide qui soit. Dans tous les cas, il faut leur reconnaître le mérite de ne pas donner la moindre merde.
Mais la confiance en soi n’est clairement pas un problème ici. La chanson d’ouverture Roll Up, accrocheuse comme une ébola, imagine un monde fantastique de Carry On dans lequel les Struts sont de jeunes sultans effrontés présidant un harem de « lovelies » (présumées) dévouées. Je vous accueillerai avec du Lambrini et du gin, le plus parfait des péchés », roucoule le chanteur Luke Spiller, un peu Freddie Mercury, un peu Robin Askwith. Au moment où il arrive au refrain vertigineux, il roule ses ‘r’ pour tout ce qu’il vaut : ‘Rrrroll up, rrrroll up, rrrrrrrrroll for satisfaction.’
Ces comparaisons Queen/Mercury sont difficiles à secouer, surtout dans le cas de Spiller. Qu’il s’agisse de sa voix retentissante, de ses canines fièrement protubérantes ou des robes Zandra Rhodes qu’il arbore sur scène, il serait un casting de rêve dans le biopic de la défunte chanteuse qui se fait attendre depuis longtemps. Dans un monde de frontman rock à l’emporte-pièce, il a le culot et le sens de l’humour pour écraser la concurrence. Combien d’autres stars mondiales du rock en devenir feraient des références à la fois aux magazines pour garçons des années 90 (« She’s my high street honey ») et au jargon des écoles britanniques (« She knows what she’s got, she’s so shit hot »), tout en sachant que les habitants d’Arsegrapes, dans l’Iowa, seraient déroutés par ces références ? Chapeau bas pour l’audace pure de la chose.
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Journey – Journey
Une affaire de fusion progressive et jazz plutôt en désaccord avec leur production ultérieure, plus conviviale pour la radio, le premier album de Neal Schon et Greg Rolle loin du bouclier protecteur du giron de Santana a mis en évidence les prouesses musicales de tous les participants, et a inclus certains des meilleurs travaux du batteur Aynsley Dunbar. L’album parfait si vous recherchez des acrobaties instrumentales plutôt qu’un refrain de Top 40.
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The Rolling Stones – The Rolling Stones
Souvent négligé, invariablement sous-apprécié, le premier album éponyme des Stones – inexplicablement indisponible avec son track-listing britannique original sur CD, bien qu’iTunes puisse toujours obliger avec un téléchargement précis – capture le groupe dans son incarnation originale en tant que pourvoyeurs évangéliques de rhythm and blues authentique. Tell Me, un fac-similé pop du Brill Building, est de bon augure en tant qu’aperçu précoce d’un crédit de composition Jagger/Richards qui sera bientôt doré, mais les trois quarts de la douzaine de chansons de l’album sont un ramassis de reprises R&B percutantes. Le shuffle paresseux de Honest I Do de Jimmy Reed, les piqûres de slide de Brian Jones sur I’m A King Bee de Slim Harpo, la démarche délinquante de Keith sur Carol de Chuck Berry : des bases formatrices sur lesquelles les Stones allaient construire le plus grand groupe de rock ‘n’ roll du monde.
Même en tant que non entités, les Stones suintaient l’arrogance, laissant ostensiblement leur nom sur la pochette de leur premier album (le sous-texte : » Vous saurez bientôt qui nous sommes. « ). Mick et Keef pressent à peine leur jus créatif, mais le son et le ricanement sont déjà en place, et il a quand même réussi à prendre la place de With The Beatles en tête du hit-parade britannique.
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The Band – Music From Big Pink
Passer du temps avec Bob Dylan a porté ses fruits : en 1968, The Band avait ses côtelettes d’écriture huilées et resserrées, et le soutien de Capitol Records pour un début qui évitait l’expérimentation de l’époque pour des chansons roots, terreuses, folles et riches en harmonie illustrées par The Weight. « Il y a quelques années, on jouait et les gens parlaient de nostalgie », note le bassiste et chanteur Rick Danko. « Ces derniers temps, ils appellent ça de la musique à nouveau. »
Le Band a été massivement influencé : tout le monde, des Beatles aux Beach Boys en passant par les Grateful Dead, a emprunté leur chic country progressif. Ils ont à leur tour piqué des idées à Desolation Row de Dylan, notamment sur Lonesome Suzie, qui doit beaucoup au travail de guitare de Charlie McCoy. Les bons morceaux sont disséminés un peu partout. Caledonia Mission a enflammé Workingman’s Dead et It’s Too Late To Stop Now de Van Morrison, et on entend To Kingdom Come percoler à travers les Boys’ Holland.
En dehors de l’épure, The Band s’attaque à Long Black Veil (ils auraient connu l’original de Lefty Frizzell) et fait du pop-corn sur We Can Talk. Le morceau le plus marquant est peut-être la voix troublée de Manuel sur In A Station, accompagnée par la clavinette de Hudson, un morceau si dépouillé qu’il a convaincu George Harrison qu’il pouvait diriger les Beatles vers un nouveau territoire, citant ses nouveaux compagnons comme « le meilleur groupe de l’univers ». Les six suppléments comprennent l’interprétation par Helm de Yazoo Street Scandal de Robbie Robertson, une histoire de redneck sur l’activité des feux rouges, et Key To The Highway de Charlie Segar. Vaut la peine d’être rafraîchi avec ses délices, Big Pink est une merveille de début.
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Stiff Little Fingers – Inflammable Material
Explosant de Belfast et insufflant une nouvelle vie à une scène punk en déclin, Stiff Little Fingers – dirigé par le brûlot à la gorge brute Jake Burns – a vu son premier album Inflammable Material album atteindre le Top 20 britannique lors de sa sortie en 1979. Le son brut et angoissé largement influencé par les troubles irlandais, Inflammable Material a viré des hymnes hérissés comme Suspect Device et White Noise à une prise remarquablement mature de Johnny Was de Bob Marley qui a fait la lumière sur les capacités naissantes du vibrant quatuor.
« Belfast était un trou perdu à l’époque, donc nous allions toujours jouer à rattraper le temps perdu », a déclaré Burns à Classic Rock en 2017. « Lorsque nous nous sommes lancés dans le rock, nous étions habitués à ce que les groupes contournent l’Irlande du Nord. Nous nous sommes dit que la seule façon d’entendre du rock joué en direct était de le faire nous-mêmes. était notre première explosion de colère, comparable aux premières explosions sur le continent et à New York. »
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Tom Petty & The Heartbreakers – Tom Petty & The Heartbreakers
Le premier album de Petty ne comptait que 10 titres et 30 minutes, mais il suffit d’entendre sa chanson signature pour être frappé par un éclair. Voici le son du rock et de la pop américains classiques lancés dans une nouvelle ère, et aussi une leçon d’objet sur la façon de partir avec un bang.
Qui laisse une chanson aussi durable qu’American Girl pour être le dernier morceau de son premier album ? Eh bien, Tom Petty & The Heartbreakers, pour un. American Girl est peut-être la chanson la plus connue de l’album, mais TP&TH est rempli de numéros roots et hyméniques tels que The Wild One, Forever et Breakdown. De façon inhabituelle, compte tenu de la façon dont ce début sonne tout américain, il a été un succès de ce côté de l’Atlantique d’abord.
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Patti Smith – Horses
Il y a rarement eu une collision aussi cataclysmique entre le grand et le petit art que lorsque l’album Horses de Patti Smith est sorti en 75. Smith étant encore plus poète que chanteuse au moment de sa sortie, l’album est né de ses lectures-cum-performances à l’église St Mark de New York en 1971.
Smith a versé son âme dans Horses, notamment sur le premier morceau, Gloria, rédigeant l’une des premières lignes les plus célèbres de toute l’histoire du rock : » Jésus est mort pour les péchés de quelqu’un, mais pas les miens » (quelque chose qu’elle a réquisitionné dans son poème Oath). Plus une déclaration d’autonomie et de liberté personnelles qu’un rejet de son Dieu personnel, elle a proprement fondu le poème strident dans une version accélérée plutôt bourrue du classique rock garage de Them qui a mis celui de Van Morrison sur la carte.
Le magazine Crawdaddy ! a qualifié la chanson de « déclaration d’existence », mais pour le reste d’entre nous, il s’agissait de la fête du coming out de Smith – et nous ne parlons pas de sexualité, malgré les lignes provocantes sur une « douce jeune chose qui se frotte sur un parcmètre ». La confusion n’a jamais dérangé Smith. « Je n’ai jamais été spécifique au genre, ou n’ai jamais voulu l’être en tant qu’artiste ou être humain ». Tout aussi incompris est Redondo Beach, dont les critiques ont supposé qu’il s’agissait d’une querelle entre deux amants saphiques, dont l’un s’est suicidé. Ce n’est pas le cas. Il a été inspiré par une rare prise de bec avec sa sœur Linda, qui est partie en furie et n’est pas revenue le soir même.
En définitive, Horses était plus un appel à l’action qu’un véritable album, contribuant à engendrer une révolution culturelle. « Je m’adressais aux personnes privées de leurs droits, aux gens en dehors de la société, des gens comme moi », dit Patti. « Je ne connaissais pas ces gens, mais je savais qu’ils étaient là. Je pense que Horses a fait ce que j’espérais. Il a parlé aux gens qui avaient besoin de l’entendre. »
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Angel – Angel
Vêtus de costumes blancs vierges, Angel étaient l’antithèse de l’aggro en cuir noir et clous de Kiss, les « bons » Beatles par rapport aux « méchants » Rolling Stones de Kiss. Mais en réalité, Angel partageait le spectacle rock théâtral plus grand que nature de Kiss, ainsi que leur éthique de travail infatigable, enregistrant six albums entre les années 1975 et 1980. Ils partageaient également le même sens aigu du marketing, lançant leur propre fan-club Earth Force et vendant des colliers, des boucles de ceinture, des posters et des t-shirts de la marque.
Le premier album éponyme d’Angel, en 1975, exploite un son prog gagnant, marqué par des voix envolées et opératiques et une musicalité consommée. « Angel était comme Yes rencontre Led Zeppelin et Queen », a déclaré le guitariste Punky Meadows, assez justement.
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