Je suis certain de deux choses – nous sommes tous très fiers des chansons que nous écrivons et, à l’opposé, nous ne sommes jamais satisfaits des arrangements de chansons…. Alors, comment faire pour créer un arrangement de chanson que nous allons aimer ? De plus, comment faire pour que nos chansons soient aimées par les maisons de disques ? Les stations de radio ? Les auditeurs du monde entier ? Pour être plus précis – comment arranger une chanson comme un pro ?
Cela commence par la création d’un arrangement de chanson attrayant et professionnel – celui qui gardera l’attention de l’auditeur et racontera l’histoire de la chanson.
Bien que tous les auteurs-compositeurs abordent le processus d’arrangement avec beaucoup d’enthousiasme, le plus souvent, il se transforme en un processus très long où il semble que les essais et les erreurs ne finissent jamais. Comme un paradoxe, avec plus de temps investi – moins proche du résultat souhaité nous sommes.
Dans ce post, Julian, arrangeur musical à louer de Supreme Tracks, a créé un guide complet d’arrangement de chansons en 10 étapes garanti pour :
- améliorer dramatiquement la qualité de l’arrangement de vos chansons
- vous apprendre comment les meilleurs arrangeurs vont sur le processus d’arrangement
- vous faire gagner beaucoup de temps que vous passeriez à courir après votre propre queue
Ce guide est une séquence d’étapes, alors assurez-vous de suivre les étapes dans l’ordre présenté ci-dessous.
En fait, le conseil le plus important de ce guide est de s’en tenir à la séquence des étapes d’arrangement présentées ci-dessous.
Donc, c’est parti.
Étape 1 : Assurez-vous si la chanson fonctionne toute seule
La chanson fonctionne-t-elle toute seule si vous deviez la jouer au piano ou à la guitare seul en chantant ? Si la chanson n’est pas déjà « géniale » par elle-même, aucune production ou arrangement ne pourra y remédier.
- Avez-vous un refrain fort ?
- La ligne mélodique principale est-elle en place ?
- Avez-vous une bonne « accroche » mélodique ou harmonique ?
Travaillez votre chanson jusqu’à ce qu’elle sonne bien « nue », juste avec un piano/guitare et une voix. Il est d’une importance capitale de respecter cette étape. Une mauvaise chanson restera une mauvaise chanson, même avec les meilleurs arrangements et la meilleure production. Une bonne chanson restera une bonne chanson, même avec une production moins qu’adéquate.
Conseil de pro : On ne le soulignera jamais assez… Assurez-vous de faire sonner votre chanson comme une bonne chanson avant de passer à l’étape 2.
Étape 2 : Vérifier quel(s) genre(s) la chanson englobe-t-elle
Avant que la session d’arrangement/production ne commence, vous devez vous demander – quel(s) genre(s) la chanson englobe-t-elle ?
Une fois que cela est décidé, il peut être très utile de trouver quelques pistes de référence. Les pistes de référence sont incroyablement importantes à la fois dans la phase d’arrangement/production et de mixage/master de tout enregistrement. Certains pourraient dire : » Je ne veux copier personne parce que je veux être complètement original. «
Mais la vérité est que même les pros au sommet – qui sont très originaux – se réfèrent constamment à d’autres matériaux.
Que ce soit juste une écoute légère pour l’inspiration ou pour vérifier comment quelqu’un d’autre a abordé une certaine situation, tout le monde le fait et c’est essentiel. Il est assez difficile de reproduire quelque chose exactement. Ne vous inquiétez pas de copier quelqu’un à moins que vous ne le copiez littéralement note pour note, instrument pour instrument, etc.
Pensez à l’utilisation de pistes de référence comme « faisant partie de la conversation » de la production musicale au sens large.
Étape 3 : Confirmez si la chanson a une bonne longueur. Toutes les différentes sections sont-elles de la bonne longueur et se complètent-elles les unes les autres ?
Cette étape tombe un peu dans l’étape 1, « La chanson fonctionne-t-elle seule ? ». Cependant, l’arrangeur/producteur peut vouloir modifier la forme de la chanson pour l’enregistrement. Parfois, la façon dont un interprète joue la chanson en direct peut différer de la version en studio. Pour la version enregistrée, il est très important que la chanson soit aussi succincte que possible.
Etape 4 : Assurez-vous d’avoir une voix principale de scratch décente
« Lorsque je commence à arranger et à produire une chanson, il est impératif d’avoir une voix principale de scratch décente à partir de laquelle travailler. Sans cela, vous pouvez prendre d’assez mauvaises décisions ». – affirme Julian.
Enregistrer des voix principales vous aidera à vous guider dans votre prise de décision lors de l’arrangement.
Par exemple, sans entendre la voix, vous pourriez facilement rendre l’arrangement trop dense. Cela se traduira non seulement par un enregistrement final moins qu’agréable, mais rendra également le travail de votre ingénieur de mixage beaucoup plus difficile. Les chansons les mieux enregistrées ont des arrangements qui ont un équilibre parfait de densité de production.
Tous les différents éléments d’un arrangement/production doivent avoir leur propre espace et leur propre gamme sonore.
Par exemple, vous ne voulez pas que la basse joue une ligne et que le clavier en joue une autre dans la même gamme.
Etape 5 : Batterie et autres composants rythmiques
A part la voix principale, la batterie/les composants rythmiques de la chanson sont la partie la plus importante de l’arrangement. Ils prennent le plus d’espace sonore, donnent à l’auditeur le « groove » et dictent une grande partie de la sensation de la chanson.
Premièrement, la batterie doit-elle être acoustique (réelle) ou échantillonnée ?
Evidemment, cette étape ne s’applique pas aux arrangements dépouillés (comme piano/voix, voix et guitare et cordes, etc.). Une fois que cela est déterminé, vous pouvez écouter l’une de vos pistes de référence.
Où la batterie doit-elle entrer ? Où doivent-ils sortir ? De quels motifs généraux la batterie sera-t-elle responsable ?
Si la piste emploiera un vrai batteur, votre arrangement devrait juste tracer la direction générale de ce que le batteur devrait jouer.
Ne soyez pas obsédé par la programmation des fills ou du feeling. Un bon batteur prendra ces décisions pour vous.
Cela nous amène à un autre point. Vous avez besoin d’un très bon batteur si vous allez utiliser des tambours acoustiques. Et, les tambours doivent être enregistrés parfaitement.
Si les tambours ne sont pas enregistrés à la perfection, toute votre chanson sonnera comme si elle n’était pas enregistrée avec perfection. Et n’oubliez pas, vous pouvez toujours soustraire et faire en sorte que ça sonne granuleux et lo-fi. Il suffit de choisir combien de canaux de microphones se retrouvent dans le mixage final et quel type de traitement est utilisé. En outre, vous ne pouvez pas utiliser juste un micro mono sur la batterie et vous attendre à ce que le mixage final sonne comme une chanson pop country qui vient de passer à la radio depuis Nashville !
Étape 5a : Batteries programmées
Si vous programmez la batterie vous-même, vous devez penser comme un batteur. Le plus souvent, se contenter d’écrire les motifs sur la grille conduit à des résultats au son plat.
Les meilleurs producteurs sortent de la grille avec goût et utilisent différentes vélocités pour donner du feeling à l’arrangement de la batterie.
Des détails comme s’assurer que le kick et le hi-hat ne frappent pas tous au même moment rendent un arrangement plus gras.
Un vrai batteur ne serait jamais capable de jouer ces trois éléments en même temps à la milliseconde près.
Mais, ils en bénéficient car alors nos oreilles entendent chaque élément un peu plus distinctement. Lorsque je produis, je vais souvent pousser le kick en avant du beat de quelques millisecondes et repousser le hi-hat. Tout cela dépend de la chanson et doit être ajusté avec goût. Il y a de merveilleux plugins « groove » pour MIDI qui changeront les vélocités et le timing subtilement sur votre programmation de batterie.
Encore une fois, vous ne pouvez pas utiliser n’importe quel vieux « feeling », mais avec l’expérience vous pouvez en trouver et les modifier pour s’adapter à la chanson.
Étape 6 : Basse et éléments de basse
Une fois que la batterie est cartographiée dans votre arrangement, la basse (ou les éléments de basse) – dans la plupart des cas – vient ensuite.
- Où la basse intervient-elle sur l’arrangement ?
- Où la basse descend-elle ?
- Dans quelle gamme la basse joue-t-elle sur les couplets et sur les refrains ?
S’il s’agit d’une chanson pop standard, vous voudrez vous assurer que la basse « s’ouvre » sur le refrain, ce qui signifie que la basse ne joue pas tranquillement dans un registre aigu lorsque le refrain tombe.
Si vous avez un « vrai » bassiste sur votre piste, c’est un impératif – tout comme la batterie – qu’il soit enregistré et joué de manière experte. Rien ne pourrait être pire pour votre piste si la basse manque de clarté, de basses fréquences et de groove.
Si vous avez une basse synthétisée sur votre piste, méfiez-vous des sous-basses et des présélections « phat ». Si la sous-basse est la seule basse de votre piste, le patch doit être conçu de manière à ce qu’elle ait quelques harmoniques dans le milieu de gamme afin que l’oreille puisse la trouver lors de l’écoute sur des enceintes qui n’ont pas une bonne réponse dans les basses.
Par exemple, il se peut que vous n’entendiez pas certains patchs de sous-graves sur les ordinateurs portables, les iPhones et certains écouteurs et systèmes stéréo de voiture.
Il peut sonner de façon bestiale en studio ou en club avec d’excellents subwoofers, mais dans le reste du monde, il peut complètement disparaître. L’inverse vaut pour les presets « phat ».
Vous pouvez trouver un preset pour une basse en travaillant avec l’un de vos synthés préférés qui sonne absolument énorme, mais lorsqu’il est assis dans un arrangement, il tue la piste et ne laisse pas de place pour autre chose. Méfiez-vous des basses « stéréo » et des patchs qui ont beaucoup d’informations haut de gamme.
La plupart du temps, vous voulez un patch de basse qui est mono et qui ne va pas trop haut dans le spectre de fréquence. Des exceptions s’appliquent cependant !
L’expérience vous aidera à prendre ces décisions.
Etape 7 : Composante harmonique motrice principale
Les informations harmoniques viennent ensuite lorsqu’on apprend à arranger une chanson : guitares, claviers, synthés, cordes, etc.
Cette partie de l’arrangement peut être assez ouverte et libre, mais je pense toujours à l’oncle de Spider Man dans cette situation, remplaçant le mot pouvoir par liberté – « avec une grande liberté vient une grande responsabilité. » C’est une bonne idée de vérifier vos pistes de référence pour voir quels instruments vous pourriez vouloir utiliser.
La principale composante harmonique motrice de la chanson est-elle un instrument à clavier ou une guitare ?
De nombreuses chansons ont soit une guitare, soit un piano comme principal instrument complémentaire à la voix principale.
Cet instrument jouera plus souvent qu’autrement pendant toute la chanson. Une fois que vous avez compris cela, il s’agit de poivrer l’arrangement avec du matériel de choix.
Vous ne pouvez pas vraiment enseigner cela ou apprendre comment le faire dans un article. C’est une question d’essais, d’erreurs et d’expérience. Vous voudrez utiliser vos instruments harmoniques pour façonner le contour de la chanson.
Par exemple, sur les sections de refrain, vous utiliserez plus de vos sources pour rendre l’arrangement plus dense et « phatter ». Pour les sections de couplet, vous allez plus que probablement le rendre plus fin.
Les exemples classiques sont de doubler les guitares sur la section de refrain (et de les panner à gauche et à droite), ou de faire en sorte que n’importe quelle source que vous avez passe de mono à stéréo.
Conseil de pro : si vous décidez d’utiliser une section de cuivres ou des cordes live dans votre arrangement, vous voudrez vous assurer que les parties s’adaptent incroyablement bien à la chanson. La plupart des chansons ne peuvent pas avoir la complexité d’un arrangement de cuivres de Earth, Wind, and Fire. La plupart du temps, vous voudrez utiliser les cuivres pour remplir les espaces avec des lignes simples et savoureuses ou pour « rembourrer » les parties où le chanteur chante. Il en va de même pour les cordes. Et bien qu’il existe des bibliothèques d’échantillons extraordinaires pour les cordes et les cuivres, il arrive souvent, même avec une programmation experte, que ces bibliothèques ne soient pas à la hauteur et que votre production sonne faux. Donc, utilisez-les pour la démo et les arrangements, mais quand il est temps pour la production et le processus d’enregistrement, prenez une décision judicieuse !
Étape 8 : Considérations sur la pop contemporaine et l’EDM
Une note sur les synthés et la pop contemporaine et l’EDM : il est très important d’écouter beaucoup de cette musique et d’apprendre comment toutes les parties s’assemblent.
Les meilleurs trucs de synthés et l’EDM peuvent sembler très denses (et parfois ils le sont), mais le plus souvent, tous les synthés fonctionnent ensemble de manière complémentaire sophistiquée. Et même s’il y a beaucoup de patches et de « sons », il s’agit d’être séquentiel avec eux, c’est-à-dire que vous les entendez l’un après l’autre, pas en même temps. Ou encore, chaque partie fait son propre truc dans sa propre gamme sonore.
Etape 9 : « Production Dust »
Quelle est la dernière phase lorsqu’on apprend à arranger une chanson ? La poussière de production.
Pour un arrangement acoustique, cela peut consister à ajouter des percussions dans diverses parties de l’arrangement. Les exemples classiques seraient une partie de shaker arrivant sur le deuxième couplet et un tambourin sur le pont.
Dans les styles plus contemporains, ce serait tous les swooshes de « bruit blanc » et les FX sonores tels que les impacts, les risers, les uplifters, les downlifters, etc.
Lorsque vous utilisez ces FX, il est très important qu’ils s’adaptent à la chanson.
Par exemple, n’importe quel paquet de risers ne fonctionnera pas pour n’importe quel arrangement. Encore mieux, créez vos propres FX pour chaque chanson. Cela prend plus de temps mais peut conduire à de merveilleux résultats. Si vous utilisez des effets préfabriqués (ce qui est tout à fait acceptable), assurez-vous d’avoir accès à un grand nombre de bibliothèques différentes afin de ne pas être contraint de n’utiliser que quelques effets. Ils peuvent vraiment ressortir dans un album ou un EP si vous utilisez les mêmes encore et encore.
Étape 10 : Les voix de fond
En supposant que la voix principale a été à peu près « fixée » tout le temps pendant la phase d’arrangement/production, venir avec quelques voix de fond (souvent appelées BGV) pimente vraiment une piste et lui donne de la vie.
En tant que producteur/arrangeur, vous pouvez avoir des idées sur ce que les BGV devraient être, mais j’ai constaté par expérience qu’il est préférable de travailler avec le ou les chanteurs directement en studio. Voici quelques bons exemples de directives que vous pouvez donner à votre ou vos chanteurs :
- « Doublez cette ligne dans le couplet » pour pouvoir accentuer une certaine phrase.
- « Chantez le refrain un tiers au-dessus ou en dessous » pour avoir une piste d’harmonie.
- « Chantez une partie supplémentaire pour avoir une harmonie à trois voix. »
Note : l’harmonie à trois voix peut être délicate. En général, pour les chansons pop, je m’en tiens à l’harmonie à trois parties « d’église » et vous pouvez apprendre à assembler ces parties en apprenant à harmoniser une gamme de do majeur. La succession des notes est la suivante : Position de base de la triade de Do majeur, position de base de la triade de Ré mineur, 1er renversement de la triade de Do majeur, 1er renversement de la triade de Ré mineur, 2ème renversement de la triade de Do majeur, 2ème renversement de la triade de Ré mineur, retour à la position de base de Do majeur. Notez l’exclusion du ton principal de 7ème degré (B) ! Lorsqu’il y a un ton principal dans la mélodie, vous devrez travailler les BGVs autour de lui pour s’adapter au contexte et au genre. En général, un accord en V ordinaire suffit, mais il faut l’entendre.
Avancer dans le processus d’enregistrement et de production
Une fois que votre arrangement est terminé, vous êtes prêt à passer à l’enregistrement et/ou au mixage.
Le plus souvent, l’arrangement ou la production peut changer un peu. Par exemple, le processus de mixage peut indiquer que vous devez soustraire ou ajouter certains éléments de l’arrangement, et c’est totalement bien et normal. Tous les processus d’enregistrement d’une chanson se rejoignent dans une certaine mesure. Il suffit de rester au courant de la façon dont la chanson sonne en termes d’image globale.
Écoutez-la contre vos pistes de référence.
Le produit final est beaucoup plus important que tous les petits détails discutés dans cette liste de contrôle, et il est très facile de se perdre dans tous les détails.
Une bonne chanson est une bonne chanson et sonnera bien peu importe ce que vous faites dans le processus d’arrangement et de production musicale, tant que l’arrangeur/producteur ne prend pas de décisions qui détruisent la chanson.
Une mauvaise chanson est une mauvaise chanson et peu importe la qualité de la production/arrangement/mixage, elle sera toujours mauvaise. La qualité commence dès le début et c’est quelque chose qui doit être maintenu jusqu’au master final.
Comment arranger une chanson – Liste de contrôle
Résumons comment arranger une chanson – suivez ces étapes afin de vous assurer que votre arrangement de chanson captive les auditeurs.
- La chanson sonne-t-elle bien toute seule ?
- La forme et la longueur de la chanson ont été déterminées
- Le ou les genres de la chanson ont été déterminés
- Des pistes de référence ont été trouvées (1-3 références)
- Un chant scratch décent a été enregistré
- Décision prise – batterie acoustique ou batterie programmée ?
- Les parties de batterie ont été cartographiées ou programmées
- La ou les parties de basse ont été élaborées, complétant la batterie
- Les instruments harmoniques (guitares, claviers, cordes, etc.) ont été choisis avec goût et complètent la mélodie, la basse et la batterie
- Les « poussières de production » (percussions, FX, etc.) ont été ajoutées avec goût
- Aucun des éléments de l’arrangement n’entre en conflit les uns avec les autres
- Des idées pour les BGV sont en place
Voilà. Bonne chance avec vos arrangements et rappelez-vous – c’est en forgeant qu’on devient forgeron!
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