À l’époque, les critiques de comédies musicales consacraient rarement beaucoup de place aux paroles et à la mélodie des chansons. Ce n’était pas le cas des critiques d’Americana. Dans le New York Times, Brooks Atkinson a écrit que « Brother, Can You Spare a Dime ? » était « plaintif et tonitruant » et « la première chanson de l’année qui peut être chantée […]. M. Gorney a exprimé l’esprit de ces temps avec une angoisse plus déchirante que n’importe lequel des bardes de prose de l’époque. » Gilbert Gabriel dans le New York American a écrit : « Gorney et Harburg ont écrit quelque chose de si émouvant qu’il s’enfuira avec tout le spectacle ». La critique du Theater Arts Monthly a déclaré que la chanson « dégonfle la grandiloquence de notre cauchemar politique avec plus d’effet que tous les autres sketches satiriques de M. McEvoy réunis » ; Variety a déclaré que « Brother » était la seule partie du spectacle qui méritait des éloges. Harburg a écrit plus tard que la chanson lui a rapporté plusieurs milliers de dollars et l’a aidé à se lancer dans le monde de la musique. Des chefs d’entreprise ont essayé de la faire interdire à la radio, considérant la chanson comme « une attaque dangereuse contre le système économique américain ». Ils n’y parviennent pas en raison de la popularité de la chanson. William Zinsser écrit que « la chanson a tellement lacéré la conscience nationale que les stations de radio l’ont interdite » parce qu’elle était « sympathique aux chômeurs ».
Peu de chansons thématiques sur la Dépression étaient populaires, car les Américains ne voulaient pas de musique qui leur rappelle la situation économique, mais « Brother, Can You Spare a Dime ? » était « l’exception qui confirme la règle ». Contrairement à d’autres chansons populaires de la même époque qui avaient tendance à être optimistes, avec des titres tels que « Happy Days Are Here Again » (1929), « On the Sunny Side of the Street » (1930) et « Life Is Just a Bowl of Cherries » (1931), « Brother » « mettait des mots et de la musique sur ce que de nombreux Américains ressentaient – la peur, le chagrin, voire la colère ». La chanson est l’une des premières œuvres musicales à prendre la Dépression au sérieux. Elle a été l’une des vingt chansons les plus populaires de 1932 aux États-Unis. Philip Furia et Michael Lasser ont écrit que la chanson « incarnait la Dépression pour des millions d’Américains… Aucune autre chanson populaire n’a capté l’esprit de son époque avec autant d’urgence ». En 2007, Clyde Haberman a écrit que la chanson « perdure comme un hymne pour les opprimés et les oubliés ». En 2011, Zinsser a écrit que « Brother » « plane encore dans la mémoire nationale ; je peux entendre son écho fantomatique dans les chants des manifestants de Occupy Wall Street ». Dans une rétrospective de 2008, NPR l’a décrit comme « l’hymne de la Grande Dépression ».
Selon Meyerson et Ernest Harburg, le défi auquel Yip Harburg a été confronté en élaborant les paroles était « très semblable au défi auquel est confronté le mendiant au coin de la rue : établir l’individualité du personnage et la base morale et politique de sa revendication ». Ils écrivent que ce dernier y est parvenu en construisant progressivement une intimité avec l’auditeur, en commençant à la troisième personne, puis en passant à la première, à la deuxième, puis à la première et à la deuxième combinées (« I’m your pal »). Les rimes internes aident l’auditeur à se rappeler que le chanteur travaillait à la réalisation d’un rêve, qui est maintenant brisé. Ils écrivent également que la chanson est un « chef-d’œuvre d’économie » qui se construit vers une « affirmation culminante de communalité et d’interdépendance » dans « I’m your pal ». « La musique et les paroles ensemble nous font ressentir le désespoir tranquille du chanteur. »
Le pianiste Rob Kapilow remarque que le titre est « toute l’histoire de la Dépression en une seule phrase » et l’auditeur finit par « ressentir la plainte immémoriale du temps selon laquelle l’homme qui travaille n’obtient pas les récompenses ». Il ajoute que Harburg et Gorney ont eu le courage d’exprimer ce message en 1932 « alors que personne ne le disait à voix haute ». Furia et Lasser écrivent que la chanson est inhabituelle en ce qu’elle s’appuie sur une narration forte plutôt que sur l’émotion ou l’imagerie. Thomas S. Hischak a écrit que la chanson était « l’une des premières chansons de théâtre à avoir un message sociologique puissant, et elle reste l’une des plus puissantes du genre ». La chanson était la représentation culturelle la plus importante de la Bonus Army.