Ich bin mir in zwei Dingen sicher – wir alle sind sehr stolz auf die Songs, die wir schreiben, und im Gegensatz dazu sind wir mit Song-Arrangements nie zufrieden. Wie schaffen wir es also, ein Song-Arrangement zu erstellen, das uns gefällt? Und wie schaffen wir es, dass unsere Songs von Plattenfirmen geliebt werden? Radiosendern? Weltweite Hörer? Um genauer zu sein – wie arrangiert man einen Song wie ein Profi?
Es fängt damit an, ein ansprechendes und professionell klingendes Songarrangement zu erstellen – dasjenige, das die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf sich zieht und die Geschichte des Songs erzählt.
Auch wenn alle Songwriter mit großem Enthusiasmus an den Arrangementprozess herangehen, wird er oft zu einem sehr langen Prozess, bei dem es scheint, als würde das Ausprobieren nie enden. Es ist paradox: Je mehr Zeit wir investieren, desto weniger sind wir dem gewünschten Ergebnis nahe.
In diesem Beitrag hat Julian, Supreme Tracks‘ Music Arranger for Hire, einen umfassenden 10-Schritte-Leitfaden für Song-Arrangements erstellt, der garantiert zum Erfolg führt:
- die Qualität des Arrangements deiner Songs dramatisch zu verbessern
- dabei zu lernen, wie die Top-Arrangeure den Arrangement-Prozess angehen
- eine Menge Zeit zu sparen, die du damit verbringen würdest, deinen eigenen Schwanz zu jagen
Dieser Leitfaden ist eine Abfolge von Schritten, also stelle sicher, dass du den Schritten in der unten dargestellten Reihenfolge folgst.
Der wichtigste Tipp in diesem Leitfaden ist tatsächlich, sich an die Reihenfolge der unten vorgestellten Arrangierschritte zu halten.
Also, los geht’s.
Schritt 1: Überprüfe, ob der Song alleine funktioniert
Wirkt der Song alleine, wenn du ihn auf einem Klavier oder einer Gitarre spielst und dabei singst? Wenn der Song nicht schon von sich aus „großartig“ ist, kann keine noch so gute Produktion oder kein noch so gutes Arrangement das Problem lösen.
- Hast du einen starken Refrain?
- Ist die Hauptmelodielinie vorhanden?
- Hast du einen guten melodischen oder harmonischen „Hook“?
Arbeite so lange an deinem Song, bis er „nackt“, nur mit Klavier/Gitarre und Stimme, gut klingt. Es ist von entscheidender Bedeutung, diesen Schritt einzuhalten. Ein schlechter Song bleibt ein schlechter Song, selbst mit dem besten Arrangement und der besten Produktion. Ein guter Song bleibt ein guter Song, auch mit einer weniger guten Produktion.
Pro-Tipp: Wir können es nicht oft genug betonen… Achte darauf, dass dein Song wie ein guter Song klingt, bevor du zu Schritt 2 übergehst.
Schritt 2: Prüfen Sie, welche Genres der Song umfasst
Bevor die Arrangement-/Produktionssession beginnt, müssen Sie sich fragen, welche Genres der Song umfasst?
Wenn dies entschieden ist, kann es sehr nützlich sein, ein paar Referenztracks zu finden. Referenzspuren sind sowohl in der Arrangier-/Produktions- als auch in der Misch-/Masterphase einer Aufnahme unglaublich wichtig. Manche sagen vielleicht: „Ich will niemanden kopieren, weil ich ganz originell sein will.“
Aber die Wahrheit ist, dass sogar die Profis an der Spitze – die sehr originell sind – ständig auf anderes Material zurückgreifen.
Ob es nur ein leichtes Anhören ist, um sich inspirieren zu lassen, oder um zu prüfen, wie jemand anderes eine bestimmte Situation angegangen ist, jeder macht das, und es ist wichtig. Es ist ziemlich schwierig, etwas genau zu kopieren. Mach dir keine Sorgen darüber, jemanden zu kopieren, es sei denn, du kopierst ihn buchstäblich Note für Note, Instrument für Instrument usw.
Betrachte die Verwendung von Referenztracks als „Teil der Konversation“ der Musikproduktion im Allgemeinen.
Schritt 3: Bestätige, ob der Song eine gute Länge hat. Haben die verschiedenen Abschnitte die richtige Länge und ergänzen sie sich?
Dieser Schritt fällt ein wenig in den ersten Schritt „Funktioniert der Song für sich allein?“. Es kann jedoch sein, dass der Arrangeur/Produzent die Form des Liedes für die Aufnahme ändern möchte. Manchmal kann die Art und Weise, wie ein Interpret den Song live spielt, von der Studioversion abweichen. Für die Aufnahmeversion ist es sehr wichtig, dass der Song so prägnant wie möglich ist.
Schritt 4: Stellen Sie sicher, dass Sie eine anständige Lead-Stimme haben
„Wenn ich anfange, einen Song zu arrangieren und zu produzieren, ist es unerlässlich, eine anständige Lead-Stimme zu haben, mit der ich arbeiten kann. Ohne sie kann man ziemlich schlechte Entscheidungen treffen.“ – behauptet Julian.
Die Aufnahme von Lead-Vocals hilft dir bei der Entscheidungsfindung während des Arrangierens.
Zum Beispiel könntest du, ohne den Gesang zu hören, das Arrangement leicht zu dicht machen. Das führt nicht nur zu einer wenig ansprechenden Endaufnahme, sondern erschwert auch die Arbeit des Mischers. Die am besten aufgenommenen Songs haben Arrangements, die ein perfektes Gleichgewicht der Produktionsdichte aufweisen.
Alle verschiedenen Elemente eines Arrangements/einer Produktion sollten ihren eigenen Raum und Klangbereich haben.
Zum Beispiel möchte man nicht, dass der Bass eine Linie spielt und das Keyboard eine andere im gleichen Bereich.
Schritt 5: Schlagzeug und andere rhythmische Komponenten
Neben dem Lead-Gesang sind die Drums/rhythmischen Komponenten des Songs der wichtigste Teil des Arrangements. Sie nehmen den meisten Klangraum ein, geben dem Hörer den „Groove“ und bestimmen zu einem großen Teil, wie sich der Song anfühlt.
Erstens: Soll das Schlagzeug akustisch (echt) oder gesampelt sein?
Dieser Schritt ist natürlich nicht auf reduzierte Arrangements anwendbar (wie Klavier/Gesang, Stimme und Gitarre und Streicher, etc.). Wenn Sie das herausgefunden haben, sollten Sie sich einen Ihrer Referenztracks anhören.
Wo soll das Schlagzeug eingesetzt werden? Wo soll es herauskommen? Für welche allgemeinen Patterns wird das Schlagzeug verantwortlich sein?
Wenn in dem Stück ein echter Schlagzeuger zum Einsatz kommt, sollte dein Arrangement nur die allgemeine Richtung dessen vorgeben, was der Schlagzeuger spielen soll.
Denke nicht zwanghaft an die Programmierung von Fills oder Feel. Ein guter Schlagzeuger wird diese Entscheidungen für dich treffen.
Das bringt uns zu einem weiteren Punkt. Du brauchst einen wirklich guten Schlagzeuger, wenn du ein akustisches Schlagzeug verwenden willst. Und das Schlagzeug muss perfekt aufgenommen sein.
Wenn das Schlagzeug nicht perfekt aufgenommen ist, wird dein ganzer Song so klingen, als ob er nicht perfekt aufgenommen wurde. Und vergiss nicht, du kannst immer noch etwas abziehen, damit es düsterer und lo-fi klingt. Wählen Sie einfach aus, wie viele Mikrofonkanäle im endgültigen Mix landen und welche Art der Bearbeitung verwendet wird. Außerdem können Sie nicht nur ein Mono-Mikrofon für das Schlagzeug verwenden und erwarten, dass der endgültige Mix wie ein Pop-Country-Song klingt, der gerade aus Nashville ins Radio kam!
Schritt 5a: Programmierte Drums
Wenn Sie die Drums selbst programmieren, müssen Sie wie ein Schlagzeuger denken. Die besten Produzenten weichen geschmackvoll vom Raster ab und verwenden verschiedene Anschlagstärken, um dem Schlagzeugarrangement Gefühl zu verleihen.
Details wie die Tatsache, dass Kick und Hi-Hat nicht alle gleichzeitig schlagen, lassen ein Arrangement fetter klingen.
Ein echter Schlagzeuger wäre nie in der Lage, diese drei Elemente auf die Millisekunde genau gleichzeitig zu spielen.
Aber sie profitieren davon, weil unsere Ohren dann jedes Element ein bisschen deutlicher hören. Beim Produzieren schiebe ich oft die Kick ein paar Millisekunden vor den Beat und die Hi-Hat nach hinten. Das ist alles abhängig vom Song und muss mit Geschmack eingestellt werden. Es gibt wunderbare „Groove“-Plugins für MIDI, die die Geschwindigkeiten und das Timing bei der Schlagzeugprogrammierung subtil verändern.
Auch hier kann man nicht einfach irgendein altes „Feeling“ verwenden, aber mit etwas Erfahrung kann man welche finden und sie an den Song anpassen.
Schritt 6: Bass und Basselemente
Wenn das Schlagzeug in deinem Arrangement festgelegt ist, kommt der Bass (oder die Basselemente) – in den meisten Fällen – als nächstes.
- Wo kommt der Bass im Arrangement hin?
- Wo fällt der Bass aus?
- In welchem Bereich spielt der Bass in den Strophen und im Refrain?
Wenn es sich um einen Standard-Popsong handelt, solltest du darauf achten, dass der Bass im Refrain „aufbricht“, d.h. der Bass spielt nicht leise in einer hohen Lage, wenn der Refrain abfällt.
Wenn du einen „echten“ Bassisten auf deinem Track hast, ist es – genau wie beim Schlagzeug – ein Muss, dass er fachmännisch aufgenommen und gespielt wird. Es gibt nichts Schlimmeres für Ihren Track, wenn es dem Bass an Klarheit, tiefen Frequenzen und Groove mangelt.
Wenn Sie einen synthetischen Bass in Ihrem Track haben, seien Sie vorsichtig mit Subbässen und „fetten“ Presets. Wenn der Subbass der einzige Bass in deinem Track ist, muss der Patch so gestaltet sein, dass er einige Obertöne in den Mitten hat, damit das Ohr ihn finden kann, wenn es auf Lautsprechern hört, die keine gute Tieftonwiedergabe haben.
Zum Beispiel kann es sein, dass man bestimmte Subbass-Patches auf Laptops, iPhones und ausgewählten Ohrhörern und Auto-Stereoanlagen nicht hört.
Im Studio oder im Club mit exzellenten Subwoofern mag es tierisch klingen, aber im Rest der Welt verschwindet es vielleicht komplett. Das Gegenteil gilt für „fette“ Presets.
Vielleicht findest du bei der Arbeit mit einem deiner Lieblingssynthesizer ein Preset für einen Bass, der absolut gewaltig klingt, aber wenn er in einem Arrangement sitzt, tötet er den Track und lässt keinen Platz für etwas anderes. Seien Sie vorsichtig mit „Stereo“-Bässen und Patches, die eine Menge High-End-Informationen enthalten.
Meistens wollen Sie ein Bass-Patch, das mono ist und nicht zu hoch ins Frequenzspektrum geht. Es gibt aber auch Ausnahmen!
Die Erfahrung wird Ihnen helfen, diese Entscheidungen zu treffen.
Schritt 7: Die treibende harmonische Komponente
Die harmonischen Informationen kommen als nächstes, wenn Sie lernen, wie man einen Song arrangiert: Gitarren, Keyboards, Synthesizer, Streicher, usw.
Dieser Teil des Arrangements kann ziemlich offen und frei sein, aber ich denke in dieser Situation immer an den Onkel von Spider-Man, der das Wort Macht durch Freiheit ersetzt – „mit großer Freiheit kommt große Verantwortung.“ Es ist eine gute Idee, deine Referenzspuren zu überprüfen, um zu sehen, welche Instrumente du vielleicht verwenden willst.
Ist die wichtigste treibende harmonische Komponente des Songs ein Tasteninstrument oder eine Gitarre?
Viele Songs haben entweder eine Gitarre oder ein Klavier als wichtigstes ergänzendes Instrument zum Leadgesang.
Dieses Instrument wird meistens den ganzen Song hindurch gespielt. Wenn du das einmal herausgefunden hast, geht es darum, das Arrangement mit ausgewähltem Material zu würzen.
Das kann man nicht wirklich lehren oder in einem Artikel lernen, wie man es macht. Es ist alles eine Frage von Versuch und Irrtum und Erfahrung. Du wirst deine harmonischen Instrumente benutzen, um die Kontur des Songs zu formen.
Zum Beispiel wirst du in den Refrainabschnitten mehr deiner Quellen benutzen, um das Arrangement dichter und „fetter“ zu machen.
Klassische Beispiele sind die Verdoppelung der Gitarren im Refrain (und deren Panning nach links und rechts) oder die Umwandlung von Mono- in Stereoquellen.
Pro-Tipp: Wenn Sie sich entscheiden, Bläser oder Live-Streicher in Ihrem Arrangement zu verwenden, sollten Sie sicherstellen, dass die Teile unglaublich gut zum Song passen. Die meisten Songs können nicht die Komplexität eines Earth, Wind and Fire-Bläserarrangements haben. Meistens werden Sie die Bläser dazu verwenden, die Lücken mit geschmackvollen, einfachen Linien zu füllen oder die Teile, in denen der Sänger singt, „aufzufüllen“. Das Gleiche gilt für Streicher. Es gibt zwar einige großartige Sample-Bibliotheken für Streicher und Bläser, aber selbst bei fachkundiger Programmierung können diese Bibliotheken oft nicht ausreichen, um Ihre Produktion kitschig klingen zu lassen. Verwenden Sie sie also für Demos und Arrangements, aber wenn es Zeit für die Produktion und die Aufnahme ist, treffen Sie eine weise Entscheidung!
Schritt 8: Zeitgenössischer Pop und EDM Überlegungen
Eine Anmerkung zu Synthesizern und zeitgenössischem Pop und EDM: es ist sehr wichtig, sich viel von dieser Musik anzuhören und zu lernen, wie alle Teile zusammenpassen.
Die besten Synthesizer-Sachen und EDM mögen sehr dicht klingen (und manchmal ist es das auch), aber meistens arbeiten alle Synthesizer auf raffinierte, komplementäre Weise zusammen. Auch wenn es viele Patches und „Sounds“ gibt, geht es darum, sie nacheinander zu hören, d. h. nacheinander und nicht gleichzeitig. Oder, jeder Teil macht sein eigenes Ding in seinem eigenen Klangbereich.
Schritt 9: „Production Dust“
Was ist die letzte Phase, wenn man lernt, wie man einen Song arrangiert? Production Dust“
Bei einem akustischen Arrangement kann dies das Hinzufügen von Perkussion an verschiedenen Stellen des Arrangements sein. Klassische Beispiele wären ein Shaker-Part in der zweiten Strophe und ein Tamburin in der Bridge.
In moderneren Stilen wären das all die „weißen Geräusche“ und Sound-Effekte wie Impacts, Risers, Uplifters, Downlifters usw.
Wenn du diese Effekte verwendest, ist es sehr wichtig, dass sie zum Song passen.
Zum Beispiel funktioniert nicht jedes Bündel von Risers für jedes Arrangement. Noch besser ist es, für jeden Song eigene Effekte zu erstellen. Das ist zwar zeitaufwändiger, kann aber zu wunderbaren Ergebnissen führen. Wenn Sie vorgefertigte Effekte verwenden (was völlig in Ordnung ist), sollten Sie nur sicherstellen, dass Sie Zugang zu vielen verschiedenen Bibliotheken haben, damit Sie nicht gezwungen sind, nur einige wenige Effekte zu verwenden. Sie können in einem Album oder einer EP wirklich herausstechen, wenn du immer wieder die gleichen verwendest.
Schritt 10: Background-Vocals
Angenommen, die Lead-Vocals stehen schon während der Arrangier-/Produktionsphase fest, dann kann man mit Background-Vocals (oft als BGVs bezeichnet) einen Track wirklich aufpeppen und ihm Leben einhauchen.
Als Produzent/Arrangeur hast du vielleicht Ideen, wie die BGVs aussehen sollten, aber ich habe die Erfahrung gemacht, dass es besser ist, direkt mit den Sängern im Studio zu arbeiten. Einige gute Beispiele für Anweisungen, die du deinen Sängern geben kannst, sind:
- „Verdopple diese Zeile in der Strophe“, damit du eine bestimmte Phrase betonen kannst.
- „Sing den Refrain eine Terz höher oder tiefer“, damit du eine Harmoniespur hast.
- „Sing einen zusätzlichen Teil, damit wir eine dreistimmige Harmonie haben.“
Anmerkung: dreistimmige Harmonie kann schwierig sein. Im Allgemeinen halte ich mich bei Popsongs an die „kirchliche“ dreistimmige Harmonie und du kannst lernen, wie man diese Teile zusammensetzt, indem du lernst, wie man eine C-Dur-Tonleiter harmonisiert. Die Abfolge der Noten ist wie folgt: C-Dur-Dreiklang auf dem Grundton, d-Moll-Dreiklang auf dem Grundton, C-Dur-Dreiklang auf der ersten Umkehrung, d-Moll-Dreiklang auf der ersten Umkehrung, C-Dur-Dreiklang auf der zweiten Umkehrung, d-Moll-Dreiklang auf der zweiten Umkehrung, zurück zum C-Dur-Grundton. Beachten Sie den Ausschluss des Leittons der 7. Stufe (B)! Wenn ein Leitton in der Melodie vorkommt, müssen Sie die BGVs um ihn herum aufbauen, damit sie in den Kontext und das Genre passen. Im Allgemeinen funktioniert ein normales V-Akkord-Voicing, aber Sie müssen es hören.
Vorwärts in den Aufnahme- und Produktionsprozess
Wenn dein Arrangement fertig ist, bist du bereit, zur Aufnahme und/oder zum Abmischen überzugehen.
Mehrmals kann es vorkommen, dass sich das Arrangement oder die Produktion ein wenig ändert. Beim Abmischen könnte sich zum Beispiel herausstellen, dass man bestimmte Elemente aus dem Arrangement herausnehmen oder hinzufügen muss, und das ist völlig in Ordnung und normal. Alle Prozesse bei der Aufnahme eines Songs gehen bis zu einem gewissen Grad ineinander über. Behalte einfach im Auge, wie der Song im Großen und Ganzen klingt.
Höre ihn dir im Vergleich zu deinen Referenzspuren an.
Das Endprodukt ist viel wichtiger als all die kleinen Details, die in dieser Checkliste besprochen werden, und es ist sehr leicht, sich in all den Details zu verlieren.
Ein guter Song ist ein guter Song und wird großartig klingen, egal was man im Musikarrangement und Produktionsprozess macht, solange der Arrangeur/Produzent keine Entscheidungen trifft, die den Song zerstören.
Ein schlechter Song ist ein schlechter Song und egal wie viel hochwertige Produktion/Arrangement/Mixing gemacht wird, er wird immer schlecht sein. Qualität fängt am Anfang an und muss bis zum fertigen Master beibehalten werden.
Wie man einen Song arrangiert – Checkliste
Lassen Sie uns zusammenfassen, wie man einen Song arrangiert – folgen Sie diesen Schritten, um sicherzustellen, dass Ihr Songarrangement die Zuhörer fesselt.
- Hört sich der Song alleine gut an?
- Form und Länge des Songs sind bestimmt
- Genre(s) des Songs sind bestimmt
- Referenzspuren sind gefunden (1-3 Referenzen)
- Anständiger Scratch-Gesang ist aufgenommen
- Entscheidung getroffen – akustisches Schlagzeug oder programmiertes Schlagzeug?
- Schlagzeugparts sind gemappt oder programmiert
- Basspart(s) sind ausgearbeitet und ergänzen das Schlagzeug
- Harmonische Instrumente (Gitarren, Keyboards, Streicher, etc.) wurden geschmackvoll ausgewählt und ergänzen die Melodie, den Bass und das Schlagzeug
- „Production Dust“ (Percussions, FX, etc.) wurden geschmackvoll hinzugefügt
- Keines der Elemente im Arrangement kollidiert mit dem anderen
- Ideen für BGVs sind vorhanden
So, da habt ihr es. Viel Erfolg mit Ihren Arrangements und denken Sie daran – Übung macht den Meister!
Über Supreme Tracks
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