Man sagt, dass Amateure üben, bis sie es richtig machen, aber Profis üben, bis sie es nicht mehr falsch machen können. Oberflächlich betrachtet ist es schwer, diesem Sprichwort zu widersprechen. Als Musiklehrer habe ich meinen Schülern sicher schon gesagt, dass sie erst dann zu einem neuen – und vielleicht ansprechenderen – Projekt übergehen sollten, wenn sie das, an dem sie gerade arbeiten (und das ihnen ihr Lehrer zugewiesen hat!), abgeschlossen haben.
Es scheint, dass viele in der Musikwelt an das Meisterschaftslernen glauben: eine Aufgabe nach der anderen in Angriff nehmen und abschließen, bevor man sich der nächsten, schwierigeren Aufgabe zuwendet. Bei diesem Ansatz geht es vor allem darum, Fehler zu vermeiden und alles richtig zu machen. Konzentration ist entscheidend. Sicherlich eignet sich dieser Ansatz für viele musikalische Situationen, aber er ist vielleicht nicht immer der beste für eine optimale musikalische Entwicklung.
Das zugrundeliegende Problem ist die Spezialisierung, von der viele in der Musikpädagogik annehmen, dass sie Teil des besten Weges zu musikalischer Kompetenz ist. Denn wer versucht, ein „Tausendsassa“ zu sein, wird wahrscheinlich ein „Meister von keinem“ bleiben, oder? Ein Blick auf den Instrumentalunterricht an amerikanischen Schulen zeigt, dass die Spezialisierung ein allgemein akzeptiertes Prinzip ist. Es ist üblich, die Ausbildung junger Musiker auf ein einziges Instrument (z. B. ein Instrument, das im Schulorchester oder in der Konzertband benötigt wird), einen einzigen Musikstil (z. B. klassische oder klassikähnliche Musik) und eine einzige Art des Musizierens (z. B. das Üben und Einstudieren veröffentlichter Werke anhand gedruckter Noten) zu beschränken. Solche Beschränkungen beruhen eher auf Tradition und institutioneller Praxis als auf einer bewussten Berücksichtigung der Eigenschaften, musikalischen Interessen oder Bildungsbedürfnisse der Lernenden.
Neue Forschungsergebnisse legen jedoch nahe, dass der anerkannte Wert der Spezialisierung in Frage gestellt werden sollte. Der Journalist David Epstein fasst die Forschungsergebnisse in seinem 2019 erschienenen Buch Range: Why Generalists Triumph in a Specialized World (Epstein, 2019). Der Autor stellt insbesondere die 10.000-Stunden-Regel in Frage, die besagt, dass Leistungsträger zehntausend Stunden absichtliches Üben, in der Regel über einen Zeitraum von etwa 10 Jahren, absolvieren müssen, um eine Spitzenkompetenz zu erreichen. Die 10.000-Stunden-Regel wurde auf mehrere Bereiche angewandt – darunter Musik, Sport und Schach – und hat in den letzten zehn Jahren seit der Veröffentlichung der Bestseller Outliers von Malcolm Gladwell (2008) und Talent is Overrated von Geoff Colvin (2008) an Popularität gewonnen.
In Range verwendet Epstein zwei berühmte Sportler als Beispiele für Spitzenleistungen. Während er einräumt, dass der Weg des Golfspielers Tiger Woods zu seiner Größe eine Spezialisierung als kleines Kind und viel bewusstes Üben beinhaltete, verweist er auch auf den großen Tennisspieler Roger Federer, der als Jugendlicher eine Vielzahl von Sportarten betrieb und das strukturierte Üben seiner Tenniskünste oft mied.
Bei der Erklärung, wie Tiger und Roger durch sehr unterschiedliche Entwicklungsprozesse zu sportlichen Spitzenleistungen gelangten, verweist Epstein auf psychologische Forschungen, die die Art der in verschiedenen Bereichen benötigten Fähigkeiten untersucht haben. In einigen Bereichen wird der Erfolg durch das schnelle Erkennen von Mustern erleichtert, die eine sofortige Entscheidungsfindung ermöglichen. In diesen Bereichen – zum Beispiel im Schach und im Golfsport – ist das Leistungsfeedback klar und unmittelbar, und das Fachwissen wird durch die Verfeinerung der Technik durch wiederholtes Üben aufgebaut. Psychologen haben solche Bereiche als „freundliche“ Lernumgebungen kategorisiert. Durch häufige Wiederholungen kann die Mustererkennung unmittelbar erfolgen und die motorischen Fähigkeiten hochgradig automatisiert werden.
Andere Bereiche sind jedoch eher „böse“ Lernumgebungen. Epstein argumentiert, dass in Bereichen, in denen es auf Kreativität ankommt, Hochbegabte am besten durch ein breites Spektrum an Interessen und nicht durch Spezialisierung gefördert werden. Er verweist auf Nobelpreisträger, von denen er behauptet, dass sie sich im Vergleich zu ihren weniger erfolgreichen Kollegen viel häufiger mit einer Vielzahl von kreativen Tätigkeiten befasst haben. Epstein zitiert den Nobelpreisträger Santiago Ramon y Cajal, der über die breit gefächerten Interessen von Experten sagte: „Es scheint, dass sie ihre Energien verstreuen und zerstreuen, während sie sie in Wirklichkeit kanalisieren und verstärken“ (Root-Bernstein et al., 2008, S. 57)
Ist Musik ein „freundlicher“ oder „böser“ Lernbereich? Diese Frage ist nicht so einfach zu beantworten. Die Welt der Musik ist so vielfältig, dass sie sich aus vielen Teilbereichen zusammensetzt. Einige Aktivitäten im Bereich der Musikaufführung sind insofern gut, als der Erfolg durch wiederholtes Üben zur Verfeinerung einer zuverlässigen Aufführungstechnik unterstützt wird. Andere musikalische Aktivitäten hängen jedoch von Kreativität und spontanen Aktionen ab.
Es kann schwierig sein, Lernumgebungen in der Musik mit den Begriffen „nett“ und „böse“ zu versehen. Das Genre der populären Musik wird oft als formelhaft und begrenzt beschrieben (vor allem im Hinblick auf die Anzahl der Akkorde, die man kennen muss, um eine Rockband zu gründen). Von angehenden klassischen Musikern wiederum wird erwartet, dass sie Tonleitern, Arpeggien und andere Patterns beherrschen, damit sie diese gekonnt spielen können, wenn sie im Repertoire vorkommen. Auch wenn einige Aspekte des Musizierens eindeutig durch Begrenzung und wiederholtes Üben gefördert werden, gibt es dennoch Gründe, die Lernerfahrungen von Musikern zu erweitern.
In Range geht Epstein speziell auf die Musik ein und erzählt die Geschichte einer Gruppe von Musikern des 17. und 18. Jahrhunderts in Europa, deren frühe musikalische Entwicklung durch Erfahrungen mit mehreren Musikinstrumenten geprägt war. Diese musikalische Bandbreite oder „frühe Sampling-Periode“, wie er es nennt, führte dazu, dass diese Musiker eine starke Musikalität und die Fähigkeit entwickelten, alles sehr schnell musikalisch zu erfassen. Sie waren bei den Komponisten jener Zeit sehr gefragt und wurden als die besten Musiker der Welt bekannt.
Es ist sicherlich möglich, dass ein breites Spektrum an musikalischen Erfahrungen bei jungen Menschen Eigenschaften hervorbringen kann, die es ihnen später ermöglichen, sich schneller zu entwickeln. Es ist auch wahrscheinlich, dass viele Jugendliche durch Abwechslung in ihren Lernaktivitäten motivierter sind. Obwohl diese Ideen sicherlich von der vorherrschenden „Weisheit“ der frühen Spezialisierung überschattet worden sind, sind sie nicht besonders neu. Der bekannte Musikpsychologe John Sloboda wird in Range für eine 1991 von ihm und einem Kollegen durchgeführte Studie zitiert, in der sie Teenager an einer Sonderschule für musikalisch Begabte befragten (Sloboda & Howe, 1991).
Ihre Daten legen nahe, dass „große Mengen an frühem Üben auf einem einzigen Instrument nur unter besonders starren und eingeschränkten Bedingungen möglich sind, die das spielerische Erkunden untergraben, das viele als wesentlichen Aspekt der Musikalität ansehen“ (S. 20). Sie kamen auch zu dem Schluss, dass „die fähigsten Schüler nicht mehr Zeit zum Üben aufgewendet hatten als die anderen, aber ihre Übungszeit war gleichmäßiger auf mehrere Instrumente verteilt“ (S. 3).
Übermäßig spezialisierte Musikerfahrungen können nicht nur das Tempo der musikalischen Entwicklung bremsen, sondern auch die Art der Musikalität, die sich die jungen Musiker aneignen, einschränken. Diejenigen von uns, die wollen, dass junge Musiker Kreativität und Selbstausdruck entwickeln, sollten besonders auf die Warnungen vor zu früher Spezialisierung achten. Während die Betonung auf der Präzision der Darbietung das wiederholte Üben erfordert, das eine ausgefeilte Technik hervorbringt, verlangt die Entwicklung von Kreativität und Selbstausdruck, dass junge Musiker an anspruchsvollen konzeptionellen Problemen arbeiten. Das Lösen konzeptioneller Probleme ist zeitaufwändiger als die Anwendung gut eingeübter Aufführungsprozeduren (Technik), aber es erlaubt den Lernenden, für sich selbst wichtige Verbindungen herzustellen.
Diese Art des musikalischen Lernens kann „unordentlich“ erscheinen, weil es schwierig sein kann, zu wissen, wann ein Schüler es gemeistert hat; das heißt, die Rückmeldung ist nicht so klar und unmittelbar wie bei einem Musiker, der lernt, alle richtigen Noten im richtigen Tempo zu spielen. Aber was es an Sauberkeit vermissen lässt, macht es durch seine Kraft wieder wett. Dieses chaotische Lernen kann ein umfassendes Verständnis hervorbringen, das für künstlerische Kreativität und echten Selbstausdruck erforderlich ist; es ist ein Lernen, das leicht auf eine Reihe zukünftiger musikalischer Situationen angewendet werden kann. In Range fasst David Epstein die pädagogische Forschung mit der Warnung zusammen, dass der Wunsch, schneller zu einer korrekten Antwort zu gelangen, ein Problem des „Herstellen von Verbindungen“ in ein einfacheres, regelbasiertes Problem des „Anwenden von Prozeduren“ verwandeln kann.
Ich möchte hinzufügen, dass frühere Forschungen in der Musikpädagogik darauf hingewiesen haben, dass repertoireorientiertes Üben und Proben nicht zuverlässig verallgemeinerbare Lernergebnisse hervorbringt, die Schüler mitnehmen, wenn sie zu neuer Musik übergehen. Es findet kaum ein Lerntransfer von Stück zu Stück statt, wenn Musiklehrer nicht explizit verallgemeinerbare Konzepte lehren und die Schüler in Problemlösungen einbeziehen, während sie das Repertoire für die Aufführung vorbereiten (Price & Byo, 2002; Lehmann, Sloboda, & Woody, 2007, Kap. 10).
Es gibt wahrscheinlich viele Bereiche und Untergattungen innerhalb der Musik, in denen eine Spezialisierung der Entwicklung von Musikern am besten dient. Es ist jedoch ebenso wahrscheinlich, dass es andere Situationen gibt, in denen Musikern am besten damit gedient ist, eine breite Erfahrung zu sammeln. Zumindest sollten angehende Musiker und Musiklehrer Breite und Spezialisierung als zwei legitime Optionen betrachten, die sie für ihre eigene musikalische Entwicklung und die ihrer Schüler in Betracht ziehen sollten.