„Es gibt nichts so Schönes wie den freien Wald. Einen Fisch zu fangen, wenn man hungrig ist, die Zweige eines Baumes abzuschneiden, ein Feuer zu machen, um ihn zu braten, und ihn unter freiem Himmel zu essen, ist der größte aller Luxusgüter. Ich würde keine Woche in den Städten ausharren, wenn nicht meine Leidenschaft für die Kunst wäre.“ – Edmonia Lewis, zitiert in „Letter From L. Maria Child“, National Anti-Slavery Standard, 27. Februar 1864.
Edmonia Lewis, die erste professionelle afro-amerikanische Bildhauerin, wurde 1843 oder 1845 in Ohio oder New York geboren. Ihr Vater war ein freier Afroamerikaner und ihre Mutter eine Chippewa-Indianerin. Lewis wurde verwaist, bevor sie fünf Jahre alt war, und lebte bis zu ihrem zwölften Lebensjahr bei dem Nomadenstamm ihrer Mutter. Lewis‘ älterer Bruder, Sunrise, verließ die Chippewa und zog nach Kalifornien, wo er Goldgräber wurde. Er finanzierte seiner Schwester die Schulausbildung in Albany und half ihr 1859, das Oberlin College in Ohio zu besuchen. In Oberlin legte sie ihren Chippewa-Namen „Wildfire“ ab und nahm den Namen Mary Edmonia Lewis an. Ihre Karriere in Oberlin endete abrupt, als sie beschuldigt wurde, zwei ihrer weißen Zimmergenossinnen vergiftet zu haben. Lewis wurde von der Anklage freigesprochen, musste aber nicht nur einen öffentlichkeitswirksamen Prozess, sondern auch schwere Prügel durch weiße Bürgerwehrler über sich ergehen lassen. Später wurde sie des Diebstahls von Kunstgegenständen beschuldigt und durfte ihren Abschluss in Oberlin nicht machen.
Lewis verließ Oberlin 1863 und zog, wiederum durch die Ermutigung und finanzielle Unterstützung ihres Bruders, nach Boston. Dort lernte sie den Porträtbildhauer Edward Brackett kennen, unter dessen Leitung sie ihre begrenzten bildhauerischen Studien begann. Sie war fest entschlossen, Bildhauerin zu werden. Mit einem Minimum an Ausbildung, Erfahrung und Erfahrung begann Lewis mit der Herstellung von Medaillonporträts bekannter Abolitionisten wie William Lloyd Garrison, Charles Sumner und Wendell Phillips. Mit dem Verkauf ihrer Porträtbüsten des Abolitionisten John Brown und von Colonel Robert Gould Shaw, dem Bostoner Helden und weißen Anführer des berühmten 54. afroamerikanischen Regiments im Bürgerkrieg, konnte Lewis 1865 ihre erste Europareise finanzieren.
Nach Reisen nach London, Paris und Florenz beschloss Lewis, sich in Rom niederzulassen, wo sie im Winter 1865 und 1866 ein Atelier in der Nähe der Piazza Barberini mietete. Als Lewis in Rom ankam, bevorzugten die Bildhauer den neoklassischen Stil, der von einem erhabenen Idealismus und griechisch-römischen Mitteln geprägt war. Sie lernte schnell Italienisch und machte Bekanntschaft mit zwei prominenten weißen Amerikanern, die in Rom lebten: der Schauspielerin Charlotte Cushman und der Bildhauerin Harriet Hosmer. Eine Reihe anderer amerikanischer Bildhauer lebte zu dieser Zeit in Rom, weil dort feiner weißer Marmor zur Verfügung stand und es viele italienische Steinmetze gab, die die Gipsmodelle der Bildhauer in fertige Marmorprodukte umsetzen konnten. Lewis war unter den Bildhauern ihrer Generation in Rom einzigartig, da sie nur selten italienische Handwerker beschäftigte und die meisten ihrer Arbeiten ohne Hilfe ausführte. Wahrscheinlich hatte sie zwei Beweggründe: Geldmangel und Angst vor dem Verlust der Originalität ihrer Arbeit.
Leider sind die meisten von Lewis‘ Skulpturen nicht erhalten geblieben. Ihre Spezialität waren Porträtbüsten von Abolitionisten und Mäzenen wie Anna Quincy Waterston sowie Motive, die ihre doppelte afroamerikanische und indianische Abstammung zeigen. Lewis schuf auch mehrere mythologische Themen oder „Fantasiestücke“ wie Asleep, Awake und Poor Cupid sowie mindestens drei religiöse Themen, darunter eine verschollene Anbetung der Heiligen Drei Könige von 1883, und Kopien italienischer Renaissanceskulpturen.
Ihr Moses, kopiert nach Michelangelo, ist ein Beispiel für Lewis‘ imitatorisches Talent; die sensibel geschnitzte Hagar (auch bekannt als Hagar in der Wüste) ist wahrscheinlich das Meisterwerk unter ihren bekannten überlebenden Werken. Im Alten Testament war Hagar – die ägyptische Magd von Abrahams Frau Sarah – die Mutter von Abrahams erstem Sohn Ismael. Die eifersüchtige Sarah verstieß Hagar nach der Geburt von Sarahs Sohn Isaak in die Wüste. In Lewis‘ Skulptur steht Ägypten für Schwarzafrika, und Hagar ist ein Symbol für Mut und die Mutter einer langen Reihe afrikanischer Könige. Die Tatsache, dass Lewis ethnische und humanitäre Themen darstellte, unterschied sie deutlich von anderen neoklassischen Bildhauern.
Aus Zeitungsberichten geht hervor, dass Lewis 1872 in die Vereinigten Staaten zurückkehrte, um an einer Ausstellung ihrer Werke in der San Francisco Art Association teilzunehmen. Der San Francisco Pacific Appeal berichtete, dass Lewis im Oktober 1875 wieder in den Vereinigten Staaten war und einen kurzen Auftritt bei einem Konzert in St. Paul, Minnesota, hatte. Nach 1875 sind die Fakten über den Rest von Lewis‘ Leben sowie über das Datum und den Ort ihres Todes unklar und widersprüchlich. Sie war nie verheiratet, hatte keine Kinder und lebte 1911 zuletzt in Rom.
Lewis bewunderte die Poesie von Henry Wadsworth Longfellow und fühlte sich besonders von seinem epischen Gedicht The Song of Hiawatha angezogen. Lewis schuf mindestens drei von dem Gedicht inspirierte Figurengruppen: The Wooing of Hiawatha, The Marriage of Hiawatha and Minnehaha, und The Departure of Hiawatha and Minnehaha. Als Longfellow 1869 in Rom weilte, besuchte er das Atelier von Lewis, wo er sich porträtieren ließ und wahrscheinlich die Skulpturen sah, die sein Gedicht inspirierten. Bis vor kurzem war das einzige bekannte Werk aus Lewis‘ Hiawatha- und Minnehaha-Serie ein Paar kleiner Büsten des jungen Liebespaares, bei denen es sich wahrscheinlich um Studien für die figürlichen Gruppen handelte. Im Jahr 1991 wurde jedoch Lewis‘ Marriage of Hiawatha and Minnehaha wiederentdeckt.
Regenia A. Perry Free within Ourselves: African-American Artists in the Collection of the National Museum of American Art (Washington, D.C.: National Museum of American Art in Association with Pomegranate Art Books, 1992)