Wir haben euch gebeten, für das beste Debütalbum aller Zeiten zu stimmen. Und ihr habt zu Tausenden abgestimmt. Heerscharen von Fans haben sich im Internet versammelt, um für ihre Lieblingsbands zu stimmen, und wir haben alles in eine riesige Tabelle eingetragen und den Knopf gedrückt, der alles in der Reihenfolge der Beliebtheit geordnet hat.
Einige der Ergebnisse sind nicht überraschend. Es sind bekannte Gesichter auf bekannten Positionen.
Und einige der Ergebnisse sind wirklich überraschend. Es gibt drei Alben in den Top 10, die – obwohl sie ihren Klassiker-Status voll und ganz verdient haben – wahrscheinlich nicht so weit oben in den Charts aufgetaucht wären, wenn die Fans dieser Bands nicht in großer Zahl ihre Stimme abgegeben hätten. Und das stört uns überhaupt nicht.
Wenn wir die gleiche Umfrage nächste Woche durchführen würden, wären wir sicher, dass wir andere Ergebnisse erhalten würden, und noch einmal, wenn wir sie die Woche danach durchführen würden. Wir erheben keinen Anspruch darauf, dass sie endgültig ist. Aber es ist eine großartige Sammlung klassischer Alben und eine lebendige Erinnerung an die atemberaubende Brillanz, mit der so viele unserer Lieblingsbands und -künstler ihre Karrieren begonnen haben.
Danke an alle, die abgestimmt haben.
Roxy Music – Roxy Music
Roxy Music’s Debütauftritt bei TOTP mit Virginia Plain war so krass und aufregend seltsam wie Bowie mit Starman. Dort bekam das britische Publikum zum ersten Mal einen Blick auf den schwerlidigen Ferry, den schelmisch hinter seinem Synthesizer grinsenden Brian Eno, den saxophilen Andy Mackay in glitzerndem Gelb und Grün, den lässigen, langgliedrigen Bassisten Rik Kenton, den Gitarristen Phil Manzanera mit Bart und übergroßer Sonnenbrille und den Schlagzeuger Paul Thompson, dessen schulterfreies Leopardenfell das einzige Zugeständnis an normale Männlichkeit war. Einzeln sind sie seltsam, aber als Einheit sind sie geradezu kohärent.
Ihr selbstbetiteltes Debütalbum war ein ebenso verblüffender Zusammenprall von Stilen und Klängen. Das erste Stück Re-Make/Re-Model – der beste Song aller Zeiten mit einem Refrain, der auf einem Autokennzeichen basiert – beginnt mit dem Trubel von Gästen, die sich in einer Kunstgalerie, Roxys natürlichem Umfeld, vermischen. Danach herrscht ein kaum kontrolliertes Chaos aus Saxophongequake, Honky-Tonk-Klavier, knurrender Gitarre und Enos Synthesizer-Störungen: Hier trifft der Rock’n’Roll der 50er Jahre auf eine avantgardistische Klangcollage. Oder, in Anbetracht der architektonischen Provokation, denken Sie an Punk fünf Jahre vor dem Zeitplan. Ich kann reden, reden, reden, reden, mich zu Tode reden“, spottet Ferry. Auf Ladytron greift der Sänger die Tropen der Pop-Romantik wieder auf (‚You’ve got me girl on the runaround, runaround‘), aber der Sci-Fi/Tomorrow’s World-Titel zeigt, wie weit er seit Love Me Do von den Beatles gereist ist.
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Jellyfish – Bellybutton
Gegründet 1989 und inspiriert von der Musik, die sie im UKW-Radio entdeckt hatten, als sie in den 70er Jahren in einem Vorort von Kalifornien aufwuchsen – The Beatles, die Beach Boys, Cheap Trick, ELO, 10cc, Fleetwood Mac, Wings und viele mehr. Das Debütalbum von Jellyfish war vollgepackt mit wundersamen Pop-Rock-Songs, labyrinthischen Harmonien, schwebenden Streicherarrangements und Melodien, die an einen kalifornischen Sonnenaufgang erinnerten. Die besten von ihnen klangen wie Hits aus den beiden vorangegangenen Jahrzehnten, die dem kollektiven Gedächtnis irgendwie entgangen waren. Ihre Tragik bestand darin, dass die Band zu einem Zeitpunkt auftauchte, als das Musikgeschäft in die dunkleren, düsteren Gewässer des Grunge eintauchte und Jellyfish dazu verdammt waren, aus Zeit und Ort zu verschwinden.
Das 1990 veröffentlichte Album Bellybutton bestand aus zehn lebhaften Songs voller Witz und Erfindungsreichtum, mit dem Pop-Glanz, den man von einer Platte erwartet, die von Albhy Galuten produziert wurde, dem Mann, der Saturday Night Fever der Bee Gees aufgenommen hatte.
Roger Manning – eine Hälfte des kreativen Jellyfish-Doppelgespanns mit Andy Sturmer – sagte, dass sie einen Sound „irgendwo zwischen Queen und der Patridge Family“ anstrebten, und wenn sie auch nicht in die Grunge-Jahre passten, so konnte man sie aufgrund ihres boho-psychedelischen Looks und ihres fein gearbeiteten Klassizismus doch in die Reihe der Retro-Geister dieser Zeit wie die Black Crowes und World Party einordnen.
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The Struts – Everybody Wants
Everybody Wants (oder wie es auf dem Cover steht, Everybody Wants… The Struts – geddit?) ist ein unverschämtes Rock’n’Roll-Album der alten Schule, was The Struts angesichts der aktuellen Verachtung der Mainstream-Kultur für Gitarren entweder zur mutigsten oder dümmsten jungen Band da draußen macht. So oder so, man muss ihnen zugute halten, dass sie sich nicht im Geringsten darum scheren.
Aber Selbstvertrauen ist hier eindeutig kein Thema. Der eingängige Eröffnungstrack „Roll Up“ stellt sich eine Fantasiewelt von Carry On vor, in der die Struts als kühne junge Sultane über einen Harem von (vermutlich) pflichtbewussten „Lovelies“ herrschen. Ich heiße dich mit Lambrini und Gin willkommen, die perfekte Sünde“, gurrt Sänger Luke Spiller, der zu einem Teil Freddie Mercury und zu einem Teil Robin Askwith ist. Bis zum himmelhohen Refrain rollt er seine ‚r’s, was das Zeug hält: ‚Rrrroll up, rrrroll up, rrrrrrrrrrroll for satisfaction.‘
Diese Queen/Mercury-Vergleiche sind schwer zu widerlegen, vor allem in Spillers Fall. Von seiner glockenhellen Stimme und den stolz hervorstehenden Zähnen bis hin zu den Zandra Rhodes-Kleidern, die er auf der Bühne trägt, wäre er eine Traumbesetzung für das lang erwartete Biopic über die verstorbene Sängerin. In einer Welt, in der es nur noch Rock-Frontmänner von der Stange gibt, hat er die Frechheit und den Sinn für Humor, um die Konkurrenz platt zu machen. Wie viele andere angehende Global-Rock-Stars würden wissende Anspielungen auf 90er-Jahre-Jungenmagazine (‚She’s my high street honey‘) und britische Schulsprache (‚She knows what she’s got, she’s so shit hot‘) einstreuen, wohl wissend, dass beides die Einwohner von Arsegrapes, Iowa, verblüffen wird?
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Journey – Journey
Eine progressive, jazzige Fusion-Angelegenheit, die im Gegensatz zu ihrem späteren, radiotauglicheren Output steht. Das erste Album von Neal Schon und Greg Rolle, das nicht unter dem Schutzschild der Santana-Büste steht, unterstreicht das musikalische Können aller Beteiligten und enthält einige der besten Arbeiten von Schlagzeuger Aynsley Dunbar. Das perfekte Album, wenn man eher auf Instrumentalakrobatik als auf einen Top-40-Refrain aus ist.
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The Rolling Stones – The Rolling Stones
Das gleichnamige Debütalbum der Stones wird oft übersehen und immer unterschätzt – unerklärlicherweise ist es mit seiner ursprünglichen britischen Titelauflistung nicht auf CD erhältlich, obwohl iTunes immer noch mit einem akkuraten Download aushelfen kann – es fängt die Band in ihrer ursprünglichen Inkarnation als evangelische Verfechter des authentischen Rhythmus und Blues ein. Tell Me, ein einnehmendes Brill-Building-Pop-Faksimile, verheißt Gutes für eine frühe Sichtung eines bald vergoldeten Jagger/Richards-Kompositionsguthabens, aber drei Viertel des Dutzend Songs auf dem Album sind ein Sammelsurium von schlagkräftigen R&B-Covern. Der träge Shuffle von Jimmy Reeds Honest I Do, Brian Jones‘ Slide-Stings bei Slim Harpo’s I’m A King Bee, Keiths delinquenter Swagger durch Chuck Berry’s Carol: prägende Grundlagen, auf denen die Stones die größte Rock’n’Roll-Band der Welt aufbauen sollten.
Selbst als Unbekannte strotzten die Stones vor Arroganz und ließen ihren Namen sogar auf dem Cover ihres ersten Albums weg (der Subtext: „Ihr werdet bald wissen, wer wir sind.“). Mick und Keef quetschen ihre kreativen Säfte kaum aus, aber der Sound und der Spott sind bereits vorhanden, und es gelang ihnen trotzdem, With The Beatles an der Spitze der britischen Charts abzulösen.
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The Band – Music From Big Pink
Das Zusammensein mit Bob Dylan zahlte sich aus: 1968 hatte The Band ihr Songwriting geölt und gestrafft und die Unterstützung von Capitol Records für ein Debüt, das die Experimente der Ära zugunsten von bodenständigen, erdigen, folkigen, harmoniebetonten Songs, wie sie von The Weight verkörpert wurden, vermied. „Vor ein paar Jahren spielten wir und die Leute nannten es Nostalgie“, sagt Bassist und Sänger Rick Danko. „In letzter Zeit nennen sie es wieder Musik.“
Die Band hatte massiven Einfluss: Jeder von den Beatles, den Beach Boys und den Grateful Dead lieh sich ihren progressiven Country-Schick. Die Band wiederum hat sich Ideen von Dylans Desolation Row geholt, vor allem bei Lonesome Suzie, das vor allem Charlie McCoys Gitarrenarbeit zu verdanken ist. Großartige Stücke sind überall zu hören. Caledonia Mission befeuerte Workingman’s Dead und Van Morrisons It’s Too Late To Stop Now, und man hört To Kingdom Come durch die Boys‘ Holland sickern.
Außerhalb der Blaupause nimmt die Band Long Black Veil in Angriff (sie hätten Lefty Frizzells Original gekannt) und macht Popcorn bei We Can Talk. Herausragend ist vielleicht Manuels unruhiger Gesang bei In A Station, begleitet von Hudsons Clavinet, ein Stück, das so spärlich ist, dass es George Harrison davon überzeugte, dass er die Beatles auf neues Terrain führen könnte, indem er seine neuen Kumpels als „die beste Band des Universums“ bezeichnete. Zu den sechs Extras gehören Helms Kleinstadtgespräch zu Robbie Robertsons Yazoo Street Scandal, einer Redneck-Geschichte über Rotlichtaktivitäten, und Charlie Segars Key To The Highway. Big Pink ist ein wunderbares Debütalbum, das es wert ist, mit seinen Reizen erfrischt zu werden.
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Stiff Little Fingers – Inflammable Material
Die aus Belfast stammenden Stiff Little Fingers – angeführt von Jake Burns, der mit seiner rauen Stimme die Punk-Szene wiederbelebte – erreichten mit ihrem Debütalbum Inflammable Material 1979 die Top 20 in Großbritannien. Der raue, angstbesetzte Sound, der vor allem von den irischen Unruhen beeinflusst war, reichte von stacheligen Hymnen wie Suspect Device und White Noise bis hin zu einer bemerkenswert reifen Version von Bob Marleys Johnny Was, die die aufkeimenden Fähigkeiten des quirligen Quartetts unter Beweis stellte.
„Belfast war damals ein Kaff, also mussten wir immer aufholen“, sagte Burns 2017 gegenüber Classic Rock. „Als wir mit der Rockmusik anfingen, waren wir es gewohnt, dass Bands Nordirland umgingen. Wir rechneten damit, dass die einzige Möglichkeit, Rockmusik live zu hören, darin bestand, es selbst zu tun. war unser erster Wutausbruch, vergleichbar mit den ersten Ausbrüchen auf dem Festland und in New York.“
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Tom Petty & The Heartbreakers – Tom Petty & The Heartbreakers
Pettys Debütalbum war nur 10 Tracks und 30 Minuten lang, aber man brauchte nur seinen Signature-Song zu hören, um von einem Blitz getroffen zu werden. Hier war der Sound des klassischen amerikanischen Rock und Pop, der eine neue Ära einläutete, und auch ein Lehrstück dafür, wie man mit einem Knall abtritt.
Wer lässt einen Song, der so beständig ist wie American Girl, als letzten Titel auf seinem Debütalbum? Nun, Tom Petty & The Heartbreakers, zum einen. American Girl mag der bekannteste Song des Albums sein, aber TP&TH ist vollgepackt mit rootsigen, hymnischen Nummern wie The Wild One, Forever und Breakdown. Ungewöhnlich, wenn man bedenkt, wie amerikanisch dieses Debüt klingt, war es zuerst auf dieser Seite des Atlantiks erfolgreich.
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Patti Smith – Horses
Selten hat es eine so katastrophale Kollision von hoher und niedriger Kunst gegeben wie bei der Veröffentlichung von Patti Smiths Album Horses im Jahr ’75. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung war Smith noch mehr Dichterin als Sängerin, und das Album entstand aus ihren Lesungen und Auftritten in der New Yorker St. Mark’s Church im Jahr 1971.
Smith schüttete ihre Seele in Horses aus, vor allem im ersten Stück Gloria, das eine der berühmtesten Eröffnungszeilen der Rockgeschichte enthält: „Jesus starb für die Sünden von jemandem, aber nicht für meine“ (etwas, das sie aus ihrem Gedicht Oath entnommen hat). Mehr eine Erklärung der persönlichen Autonomie und Freiheit als eine Ablehnung ihres persönlichen Gottes, fügte sie das schrille Gedicht geschickt in eine eher schlampige, beschleunigte Version des Garagenrock-Klassikers von Them ein, der Van Morrison auf die Landkarte brachte.
Das Magazin Crawdaddy! nannte den Song eine „Existenzerklärung“, aber für den Rest von uns war es Smiths Coming-Out-Party – und wir sprechen hier nicht von Sex, trotz der provokativen Zeilen über ein „süßes junges Ding, das auf einer Parkuhr vögelt“. Die Verwirrung hat Smith nie gestört. „Ich war nie geschlechtsspezifisch und wollte auch nie geschlechtsspezifisch sein, weder als Künstler noch als Mensch.“ Ebenso missverstanden wurde Redondo Beach, von dem die Kritiker annahmen, es handele von einem Streit zwischen zwei sapphischen Liebhabern, von denen einer Selbstmord beging. Dem ist nicht so. Es wurde von einem seltenen Streit mit ihrer Schwester Linda inspiriert, die wütend wegging und in dieser Nacht nicht zurückkehrte.
Letztendlich war Horses mehr ein Aufruf zum Handeln als ein echtes Album, das dazu beitrug, eine kulturelle Revolution auszulösen. „Ich sprach zu den Entrechteten, zu Menschen außerhalb der Gesellschaft, zu Menschen wie mir“, sagt Patti. „Ich kannte diese Leute nicht, aber ich wusste, dass es sie gab. Ich glaube, Horses hat das erreicht, was ich mir erhofft hatte.
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Angel – Angel
Gekleidet in jungfräuliche weiße Kostüme, waren Angel die Antithese zum schwarzen Leder und den Nieten von Kiss, die ‚guten‘ Beatles im Vergleich zu den ‚bösen‘ Rolling Stones von Kiss. Aber in Wirklichkeit teilten Angel die überlebensgroße, theatralische Rockshow von Kiss, zusammen mit ihrer unermüdlichen Arbeitsmoral, und nahmen zwischen 1975 und 1980 sechs Alben auf. Sie hatten auch die gleiche clevere Marketingstrategie, gründeten ihren eigenen Earth Force-Fanclub und verkauften Halsketten, Gürtelschnallen, Poster und T-Shirts mit ihrem Markenzeichen.
Angels selbstbetiteltes Debüt aus dem Jahr 1975 hatte einen überzeugenden Prog-Sound, der von hochfliegenden, opernhaften Stimmen und vollendeter Musikalität geprägt war. „Angel war eine Mischung aus Yes, Led Zeppelin und Queen“, sagte Gitarrist Punky Meadows ganz richtig.
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